BOLA DE CARNE
(EN PROCESO)
 
Eugenia Galeano Inclán
10 de diciembre de 2013
 
 
La nueva generación de creadores llega con el ímpetu de la juventud a presentar propuestas desde su propia visualización de lo que debe ser el teatro contemporáneo.  Entre las coincidencias que comparten está el utilizar espacios vacíos.  La falta de escenografía cumple con dos de sus objetivos principales.  Uno es salvaguardar recursos económicos y el otro es desplegar el trabajo actoral a su máxima potencia para captar la atención del espectador. 
 
Bernardo Gamboa forma parte de esta generación.  Hace menos de una década, Bernardo, junto con dos compañeras de su generación -Diana Fidelia y Abigail Soqui- sorprendieron a propios y extraños al presentar una peculiar versión de El Mercader de Venecia de William Shakespeare.  Formaron el grupo Luna Avante y demostraron que ellos mismos tenían la suficiente capacidad para auto-emplearse, asumiendo la producción, la adaptación, el diseño escénico,  la dirección y la actuación.  Recién egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral, lejos de arredrarse ante la dificultad de conseguir trabajo, emprendieron su propio sueño y salieron avante, logrando que gran parte del ámbito teatral volteara a verlos y hablara de ellos.
 
Tras este gran inicio, los tres jóvenes han continuado sus firmes carreras, cosechando éxitos, ya sea unidos o en solitario.  Otro de los trabajos entrañables de Bernardo fue La Guerra del Hombre, en la cual aplicó su propio leguaje teatral.  Como dramaturgo y como director, el punto neurálgico de la poética teatral de Bernardo Gamboa es el ser humano con toda la potencialidad que éste puede tener.  En cuanto a su faceta de actor, Bernardo ha demostrado ser polifacético y con capacidades ilimitadas para interpretar cualquier papel, a lo largo de su paso por los escenarios.
 
El proyecto actual de Bernardo Gamboa es BOLA DE CARNE (en proceso).  En la tarjeta que hace las veces de programa de mano, se indica queBOLA DE CARNE (en proceso) está basada en una versión apócrifa de un episodio de la Odisea, en donde Odiseo logra alcanzar a un cerdo, frotarlo con una hierba mágica y devolverle su forma humana.  Elpenor, 'un marinero cualquiera' no agradece su liberación y ataca furiosamente a su 'libertador'.  Finalmente se cita la frase:  "La liberación es, ¿una maldición o una bendición?" de Zygmund Bauman en su estudio sobre Modernidad Líquida.
 
En escena, lo indicado como inspiración de BOLA DE CARNE (en proceso) pasa a un segundo plano, toda vez que el profundo análisis que hace Bernardo y el laboratorio recorrido lo llevan a una disertación sobre la discontinuidad del ser humano.  En BOLA DE CARNE (en proceso) se habla sobre la maleabilidad del hombre, sus creencias, sus cambios de humor o de actitud, la convivencia -sean indios o godos-, la búsqueda de la justicia más que de la bondad, las leyes, que la pena de muerte debe ser aplicada como castigo y no como venganza, la violencia y la forma en la que ésta puede afectar, el amor, el honor, el deseo de poder proteger los puntos débiles -como tener una armadura que abrace la piel justo en tal o cual fragilidad-, la importancia de los libros -sean de Derecho o de Medicina-.  Además, se hacen ciertas comparaciones entre el pasado y el presente, por ejemplo, antiguamente una mujer deshojaba una margarita para saber si su amor la quería o no.  Hoy en día las jóvenes se preguntan si habrán dejado de gustarle a su galán, puesto que el romanticismo ha ido cayendo en el olvido.  Así mismo, incluye la generalizada tendencia hacia la diversidad. Cada ser humano debe explorar lo que tenga del otro género, para que un hombre pueda transformarse en mujer o viceversa. El planteamiento actual es entre ser y obedecer.  Todos prefieren la libertad al sometimiento.
 
A través de la dramaturgia de BOLA DE CARNE (en proceso), Bernardo Gamboa nos ofrece ideas de interés general que invitan a la reflexión.  La creación escénica de BOLA DE CARNE (en proceso) es de Bernardo Gamboa y Micaela Gramajo con una dinámica plena de agilidad y buen aprovechamiento del espacio.  La parte actoral también es asumida por Bernardo Gamboa y Micaela Gramajo.  Ambos ofrecen un amplio despliegue de sus capacidades interpretativas y corporales, oportuna expresión facial y sugerentes movimientos.  Sin dejar de lado la particular habilidad gutural de Bernardo Gamboa, así como sus recursos corporales de sonoridad.  La bien distribuida iluminación está a cargo de Félix Arroyo y de su asistente, Jorge Valdivia.  La producción ejecutiva se encomendó a Isis García y el diseño Gráfico a Genaro Ochoa.
 
Recomendamos BOLA DE CARNE (en proceso), una oportunidad de conocer los nuevos derroteros que está tomando el teatro y hacia dónde van los creadores contemporáneos.  Un interesante proyecto con actuaciones sobresalientes.  BOLA DE CARNE (en proceso) es para tener miradas distintas, para reflexionar y para comentar.
 
BOLA DE CARNE (en proceso) cubrió una corta temporada en el Teatro El Milagro -del 2 al 11 de diciembre de 2013, a las 8:30 pm-, pero pronto regresará, tal vez a principios del 2014, así que le sugerimos estar al pendiente y consultar carteleras.
 
 

JAURÍA

 

Eugenia Galeano Inclán

 

2 de diciembre de 2013

 

El creador teatral Richard Viqueira vuelve a la carga y de nuevo causa polémica, lo cual podría ser algo que le causa gran placer y disfrute. Para llevar a escena JAURÍA, de la autoría del dramaturgo duranguense Enrique Mijares Verdín, Richard diseña un montaje tan sui generis, que resulta sorprendente para todos, comenzando por el propio autor, quien lejanamente habrá pensado en ver su obra con semejantes características. La poética teatral de Richard es como un cometa que puede saltar hacia cualquier punto del universo y sus ideas son tan impetuosas como vertiginosas. Sus fórmulas son únicas y sólo a él puede ocurrírsele utilizar elementos disímbolos, como pudieran ser: el ballet con la gracilidad de sus pasos acompasados en contraposición de la provocación derivada de la desnudez total. La idea que dio origen a la dramaturgia de Enrique Mijares Verdín en JAURÍA fue la de conjuntar viñetas sobre feminicidios, a fin de mostrar abiertamente la crueldad de aquellos que abusan de la frágil condición femenina para someterla en todo sentido, proceder a su cacería -cual si fueran bestias-, violarlas, torturarlas, sobajarlas, asesinarlas e, incluso, descuartizarlas.

 

El poner en práctica el poderío que tiene el más fuerte y el dar rienda suelta a los más bajos instintos para ejercer el dominio y la exterminación. A esta lacra humana, Enrique Mijares denomina JAURÍA, en su estructurado e interesante texto. En el montaje de JAURÍA, Richard Viqueira presenta a tres actores -dos hombres y una mujer- que durante todo el tiempo intercambian género y roles. En un momento dado, la mujer podrá ser hombre o los hombres, mujeres.

 

Así mismo, fungirán como víctimas o victimarios, siendo instantáneo cualquiera de estos cambios. El fuerte texto de Mijares es tamizado a través de coreografías bien sincronizadas y de complicados ejercicios físicos. En tiempos antiguos se decía que el teatro debía hacerse con sangre, sudor y lágrimas. De lo único que prescinde Richard es de que se vea la sangre, toda vez que sólo está aquella de las mujeres abusadas y asesinadas a las que alude el texto, pero por lo que respecta al sudor y a las lágrimas, estos se hacen más que patentes a la vista del espectador. El recuento del feminicidio se distribuye a lo largo de seis escenas, durante las cuales se irán relatando diversos detalles de la forma en la cual los malhechores se recrean con la condición de debilidad de sus víctimas, o de cómo La Rata y El Chacal proceden a descuartizar a alguna muerta, el momento en que llega la pizca y el calor se incrementa, algo que agiliza la descomposición de los cadáveres. Se revela si alguna vez piensan en llamar o no a los "SEMEFOs" -personal del Servicio Médico Forense-. 

Hace mofa de que la cosecha de mujeres ... nunca se acaba. Se sabrá parte de la historia de la joven Paloma, una chaparrita agraciada y su triste final. También se aludirá a quien tiene la desfachatez de filmar sus horrendos crímenes y venderlos como "videohomes" (videos caseros), con todo y suspenso, tratando de emular a Hitchcock. En determinados momentos, se escuchará un programa radiofónico en donde saludan a los noctámbulos. El sentimiento de quienes ganan menos dinero que sus mujeres, o bien, los ritos o rituales que siguen ciertos depredadores. En fin, un amplio abanico de posibilidades de las más brutales maneras en que se puede exterminar a una mujer, al compás del ballet, de canciones gruperas, de rap y de música New Age, con una iluminación perfectamente distribuida con grandes luminarias de diversos colores, proyectando distintos y contrastantes efectos para cada escena acorde a requerimientos particulares. Una muestra más del enorme caudal creativo que posee Richard Viqueira y de la multiplicidad de sus ideas. El diseño de iluminación es un acertado trabajo de Jesús Hernández e Ismael.

 

La labor de dirección de Richard Viqueira resulta, como siempre, impecable, sobresaliente y arriesgada, con un ritmo inigualable y perfecto balance y cronometría. La labor actoral del propio Richard Viqueira, acompañado de Emmanuel Morales y de Valentina Garibay, es digna de admiración, con movimientos precisos, gran intensidad, buena dicción, corporalmente comprometida y físicamente desgastante. Cabe hacer mención del muy gracioso baile de rap que ejecuta Viqueira. No llegaron a tiempo los programas de mano, de modo que sólo tenemos parte de la información. Desconocemos el crédito para el vestuario, por demás ingenioso, los tres intérpretes utilizan tutús de distinto color, pero jamás un tutú llego a tener tantas atribuciones como las que se les asignan en JAURÍA, pueden ser falditas, capas, cortinas, mortajas y muchas cosas más.

 

JAURÍA es altamente recomendable. Una historia fuerte y apegada a la realidad, para crear conciencia, para conocer la idiosincrasia de quienes ejercen la crueldad sin medida ni arrepentimiento, pero contada en forma vertiginosa y con imágenes visualmente estéticas de peculiar plasticidad. En resumen, teatro novedoso de alta creatividad, a través del cual se abren nuevas puertas y nuevos caminos. Además, desde luego, de estar al día en los trabajos de Richard Viqueira y, de este modo, poder participar en las charlas de café y poder estar a favor o en contra en las polémicas que surjan. JAURÍA se presenta los lunes, martes, miércoles y jueves a las ocho y media de la noche en UN TEATRO Avenida Nuevo León N° 46 colonia Condesa La temporada corre del 2 al 19 de diciembre de 2013

VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA
 
 
Eugenia Galeano Inclán
30 de noviembre de 2013
 
 
En su obra de más reciente creación, intitulada VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA, Bárbara Colio explora los enfrentamientos, su manejo, efectos  y resolución.  Lo paradójico es que no se refiere a los conflictos bélicos que privan en el mundo, sino a las batallas personales que a cada ser humano toca vivir.  La trama gira en torno al reencuentro de dos hermanos gemelos que habían dejado de verse por largo tiempo.
 
En VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA la acción se sitúa en el departamento de Claudia (Karina Díaz), quien está feliz de ver a su hermano Miguel (Alejandro Morales).  Miguel se había alejado de ella para hacer su vida en España.  Claudia le acaba de comentar que Javier vive con ella.  Para ella es momento de celebración y propone un brindis antes de la cena.  Transmite su alegría y juntos habrán de brindar y conversar.  
 
El trato entre los dos hermanos es amable, cordial, plagado de alusiones a remembranzas o recuentos de su vida en común y uno que otro breve reclamo.  Mientras Claudia bromea con Miguel, criticándole el tono de españolete riquillo con el que habla, se va haciendo patente que Miguel y Javier no se caen bien.  Aun cuando se acaban de conocer, ninguno de ellos muestra interés alguno por el otro.  Claudia, sintiéndose entre la espada y la pared, se aboca a poner todo su empeño en tener una reunión ideal, pero no lo logra.  En uno de sus intentos para que ellos entablen conversación, los deja solos para preparar la cena.  Los brindis parecen no tener fin, los ánimos se van caldeando, las verdades van aflorando y, para colmo, afuera del departamento se instalan unos manifestantes.  Si usted desea saber cómo termina este reencuentro, la cita es en Carretera 45 Teatro A.C.
 
El texto de VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA tiene una buena estructura y los personajes están bien definidos.  La acción es constante y, de principio a fin, capta el interés del espectador. Con esta obra, Bárbara Colio continúa el ascenso en su carrera, reconfirmando su habilidad para narrar historias interesantes, imprimiendo su peculiar estilo.  Para la obra que nos ocupa, la propia dramaturga asume también la puesta en escena y la dirección, al igual que lo hizo allá por el año 2004 para uno de sus primeros grandes éxitos: LA BOCA DEL LOBO, obra que, incluso, fue presentada en el Festival Internacional Cervantino.
 
En VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA es loable la labor de dirección por parte de Bárbara Colio.  El movimiento escénico es constante y con buen ritmo, aprovechando bien el espacio del que disponen.  El montaje fue bien planeado y se utiliza un departamento real, lo cual resulta ad-hoc al lugar donde suceden los hechos.  En forma complementaria, utiliza poca pero adecuada utilería.  El diseño de iluminación y el control técnico corre a cargo de Edgar Sánchez, quien también realiza una buena labor.  Sobre el vestuario no se determina el crédito en el programa de mano, pero resulta contemporáneo y apropiado. El encargado de la difusión es Eloy Hernández. La producción es por parte de la Compañía BarCo Drama
 
El elenco de VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA es muy atractivo.  El desempeño actoral, corporal y de expresión facial de Karina Díaz y Alejandro Morales logra que sus personajes Claudia y Miguel resulten muy convincentes, sin embargo, en esta ocasión, Pedro de Tavira no parece estar a la altura de sus alternantes.  Esto es extraño, sobre todo, para quien recuerde su memorable actuación en Tom en la Granja.  Quizá se debe a su juventud o simplemente a un mal día para actuar, el caso es que en el clímax de la historia, Pedro no logra la catarsis requerida por el texto y cuando habla sobre el trágico final de la mujer con quien vivía y a la que se supone amaba, se le ve enajenado -cual si se refiriera a una persona apenas conocida-, en lugar de transmitir furia, rebeldía o desconsuelo.
 
VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA es muy recomendable.  Los interesantes textos de Bárbara Colio y su peculiar estilo para narrarlos siempre son disfrutables.  El montaje es realista y el espectador tendrá oportunidad de ver y escuchar una historia, al mismo tiempo que su olfato percibe el característico aroma del sofrito de cebolla y jitomate en un sartén.  Igual y hasta "abren boca" y se van a cenar al final de la obra para comentarla. Por cierto, con VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA se inaugura un nuevo espacio alternativo en el piso superior del foro de Carretera 45 Teatro A.C.
 
VUELVE CUANDO HAYAS GANADO LA GUERRA
se presenta  lunes,  martes  y  miércoles  a las ocho y media de la noche en
CARRETERA 45 TEATRO A.C.
Juan Lucas de Lassaga N° 122,
colonia Obrera
> a espaldas del Metro San Antonio Abad
La temporada corre del 25 de noviembre al 18 de diciembre de 2013
LUNA
 
 
Eugenia Galeano Inclán
29 de noviembre de 2013
 
 
En el firmamento teatral surge un nuevo astro, una mujer con una mirada personal sobre lo que es un hecho escénico, quien no se deja llevar por las costumbres ni gusta de recorrer lugares comunes.  Se inició como actriz, para posteriormente adentrarse en diversos ámbitos correlacionados, a fin de conocer y lograr empaparse en las aguas del mar que habría de surcar.   Ella se autodefine como soñadora empedernida y constructora de ficciones.  Se trata de Xandra Orive, dedicada a la dramaturgia y la dirección por ahora.
 
Con algunos textos en su haber, Xandra se enteró de la Convocatoria emitida por Microteatro México para su edición Por Deseo, decidió participar con LUNA, a la cual tuvo que hacer algunas adaptaciones para ajustarla al formato solicitado.  Lo novedoso en esa ocasión fue que, para la presentación de LUNA, Xandra eligió a dos actrices opuestas entre sí, cada una con cualidades físicas y actorales distintas, motivo por el cual en realidad surgieron dos versiones de LUNA.  Ante los buenos comentarios de la crítica profesional y el agrado del público, el apego de Xandra a LUNAse hizo mayor y, lejos de abandonarla, se dio a la tarea de hacerla crecer.
 
Para presentar LUNA en Teatro de Cámara CasAzul, Xandra -quizá considerando que para alguna de sus actrices podría parecer injusto quedar fuera del proyecto-, optó por hacer una tercera versión y, para tal efecto, invitó a Wolfgang Bischof a colaborar con ella.   Entre los dos llevaron a cabo una relectura de LUNA, sostuvieron largas conversaciones y se fueron identificando plenamente, todo lo cual propició una evidente complicidad.  Las sugerencias de Wolfgang parecieron tan acertadas a Xandra que terminó reconociéndolo no sólo como el interprete de su protagonista, sino como coautor de LUNA.
 
LUNA es un texto de buen factura, muy bien estructurado, escrito con enorme sensibilidad que versa sobre las vivencias de un ser humano, un alma buena que anhela vivir intensa y plenamente.  En este monólogo, no se da a conocer cómo se llama el personaje, toda vez que comenta que su primer amor fue LUNA, una pequeña niña con quien compartió el gusto por las muñecas Barbie y el osito Winnie the Pooh, así como diversos juegos de mesa. Le gustaba tanto su nombre, que se quedó con él para autonombrarse así.
 
LUNA va contando en forma paulatina sus experiencias, sus gustos, la forma como desearía le amaran, lo que le enloquece, lo que le atemoriza y lo que despierta su sexualidad.  En un momento dado, LUNA decide vestirse de mujer para explorar la femineidad.  Nuevos caminos se abren con este cambio de género y disfruta sus experiencias.  Un día, incluso, se atreve a cobrar por sexo y siente tal felicidad que esto se traduce en su auto-convencimiento de que ser mujer es lo máximo.  Le encanta usar zapatillas de tacón, maquillarse, ser coqueta, que le digan que es hermosa, que la busquen ... la amen, la cuiden.  Del vestuario pasa a las hormonas, tales como los anti-andrógenos y comparte que a los tres meses el físico comienza a cambiar. 
 
Le disgusta confesar sus pecados y prefiere ser simplemente como desea ser. Programa sus propias reglas.  Una cosa lleva a la otra y su vida se torna azarosa con algunos momentos escabrosos.  Cada noche corre peligros que para LUNA pasan desapercibidos.  Cómo quisiera que alguien llegara y se quedara para siempre.  En lugar de esto, las despedidas se suceden y sólo quedan en e mejor de los casos los recuerdos, mientras que en el peor, el vacío.  Alguien le dijo:  "te voy a extrañar cuando me vaya, te he llegado a querer un buen".  Lo nefasto para LUNA sobreviene por su creencia de que toda la gente es como él y cierra los ojos a la maldad que existe en el mundo, así como a la crueldad o el odio que puede aflorar en forma inesperada en algún homofóbico.
 
El montaje de LUNA está impregnado de la personalidad de Xandra Orive, sin escenografía, pero con un entorno íntimo creado por la escasa iluminación diseñada en forma muy adecuada y el misticismo que provocan las veladoras encendidas.  La apropiada musicalización creada por Fratta coadyuva a la creación del ambiente.  Su labor de dirección es impecable, continuo movimiento, aprovechamiento del espacio y ritmo preciso.  La labor actoral, la corporalidad y la expresión facial y visual de Wolfgang Bischof son impresionantes.  Actor egresado de CasAzul dispuesto a comprometerse en cuerpo y alma con un proyecto, sin importar los riesgos.  Juntos forman una mancuerna que será memorable para muchos de sus espectadores.
 
LUNA es altamente recomendable.  Una forma de considerar a todo semejante como igual, dando un vistazo a su problemática que no por ser distinta podría definirse como menor o mayor que la propia.  La reflexión de que la vida no se divide en dos sino en múltiplos porque cada persona es un prisma.  Una puesta en escena que toca el corazón, producto de dos talentos de la nueva generación que brillan en un teatro de cámara.
 
 
Sólo quedan dos funciones de LUNA
sábado 30 de noviembre a las siete y a las ocho de la noche,
en virtud de que su temporada actual está por terminar en
CASAZUL
Avenida México N° 200, esquina con Sonora
colonia Condesa
Sin embargo, LUNA está por iniciar una gira y pronto se volverá a presentar en el Distrito Federal,
por lo cual sugerimos estén pendientes de la cartelera.
cHEKA tu M@iL
 
 
Eugenia Galeano Inclán
12 de noviembre de 2013
 
 
A querer o no, todos hemos tenido que aprender el uso del computador personal, algunos lo han hecho formalmente en una escuela o instituto, mientras que otros lo han tenido que hacer en forma autodidacta, preguntando e investigando.  Lo cierto es que la invención de este aparato ha venido a ahorrar tiempo, dinero y esfuerzo al ser humano.  Existen cálculos matemáticos cuyos resultados son determinados por un computador en minutos, mientras que una persona tardaría mucho tiempo en lograrlos.   El campo de la ciencia computacional se ha ido ampliando para satisfacer las necesidades específicas de empresas, comercios, instituciones de educación y, ¿por qué no?, también en lo particular para individuos. 
 
A partir de la década de los años sesenta fue que la computación se estableció como disciplina académica. Desde ese entonces es rara la comunidad que no cuente con computadores y, de hecho, hasta los niños más pequeños han tenido la oportunidad de utilizar alguno.  Mediante las aplicaciones actuales, es una gran ayuda para localizar o investigar algo.  Por su velocidad y eficacia han venido a desbancar a las enciclopedias.  Ahora bien, si hablamos de juegos, también sobresalen sobre los juegos digitales anteriores, toda vez que se pueden sostener retos en línea y, desde luego, es más divertido jugar contra alguien que jugar solo.  Por último, pero no menos importante, han revolucionado la comunicación.
 
En tanto que en la antigüedad limitaban sus relaciones epistolares a cartas que habrían de ser transportadas a su destino por barco, tren o carretera y, por ende, tardaban muchísimo en llegar, hoy en día el arte de la computación permite una comunicación instantánea.  En el preciso momento en que alguien escribe algo, el destinatario, si tiene a la mano un computador, un teléfono inteligente, una iPad o una tableta, habrá de leer el texto en forma inmediata.  De hecho, se ha vuelto algo adictivo para muchas personas, a quienes es imposible mantener alejados de un aparato digital.  La comunicación digital se ha vuelto algo tan común que hasta en los noticieros comentan que tal o cual artista expresó algo a través de Twitter o deFacebook.  Si alguien tiene un problema con otra persona, lo más ofensivo socialmente es "borrarlo" de su cuenta de Facebook.
 
En fin, todo esto es una maravilla, pero hay que concientizarse de que la funcionalidad y la facilidad también portan riesgos.   CHEKA TU M@IL es una comedia de enredos, aderezada con música y relacionada con el uso de los computadores, en particular, del correo electrónico -email-.  La trama ocurre en una oficina, en donde laboran Matías (Enrique Chi), Gabino (Gerardo González)  y Estela (Violeta Isfel), todos ellos llevan amistad con Mariana (Irene Moreno) y, de ellos, el único casado es Matías, su esposa se llama Ximena (Yolanda Ventura).  .
 
Por el momento, Ximena se dedica enteramente a su hogar, por lo que Matías le regala un computador y la insta a que aprenda a usarlo, con la intención de que ella tenga alguna distracción de las arduas labores del hogar.  Mientras tanto, Matías sucumbe a los encantos de su joven y guapa compañera Estela, quien no considera su relación como romance pasajero, pues confía en que él se divorcie y se case con ella.  Quien sirve a dos amos, con alguno queda mal, reza el refrán y esto es lo que le sucede a Matías en un mal día, al enviarle un mail a Estela, comete un grave error y lo envía a su esposa.
 
El propio Matías deja al descubierto su infidelidad y será difícil convencer a Ximena de que es sólo un mail sin importancia.  A partir de esto, todos resultan involucrados, ¿el motivo? tal vez búsqueda de apoyo, revancha, tratar de saber más y CHEKA TU M@IL se convierte en historias que se entrelazan, sentimientos heridos, alegrías, sorpresas, de lo cual resulta un divertimento que provoca la carcajada del respetable, sin dejar de lado la reflexión de lo que es cometer un error, pero, peor aún, cuando éste ha sido cometido por alguien que está actuando mal.
 
Todo el elenco ofrece actuaciones muy convincentes y buena expresión corporal.  Enrique Chi (Matías), como el "macho" que considera que puede tener dos o más mujeres sin tomar en cuenta el daño que puede hacer a su cónyuge.  Yolanda Ventura (Ximena), a quien de chiquilla conocimos como la ficha amarilla de Parchis, hoy día, madura y reflexiva.  Gerardo González (Gabino), todo un pilar del teatro musical en México -cuenta con más de treinta años de experiencia-,  Violeta Isfel (Estela), bella y graciosa por naturaleza.  Irene Moreno (Mariana),periodista, sexóloga, actriz y escritora, deja atrás su seriedad para mostrar su vis cómica.   Cabe hacer notar que Enrique Chi alterna el papel de Matías con Odiseo Bichir,  y  Violeta Isfel, el de Estela, con Crisanta Gómez.
 
CHEKA TU M@IL es de la autoría de Billy Van Zand y Jane Milmore, actores estadounidenses, a quienes se ha etiquetado como los "maestros de la farsa moderna".  CHEKA TU M@IL se estrenó y continúa presentándose en los Estados Unidos.  Así mismo, se ha presentado en diversos países europeos; sin embargo, la versión de México es la primera que se realiza en español.   La dirección corre a cargo de Alfonso Cárcamo, quien ha fungido como escritor actor y director de escena.  La propuesta de Alfonso es sencilla pero efectiva.  Su labor es encomiable.  Coloca a sus actores de frente al público y cada uno de ellos tiene una especie de territorio en el escenario, el cual rara vez es ocupado por otro.  De este modo, pareciera que están dialogando con el público, mostrando sus sentimientos y abriendo sus corazones.  El movimiento escénico es ágil y continuo.  Todo un acierto intercalar fragmentos de canciones conocidas en momentos estratégicos.  La producción es asumida por Andrés Naime, quien está pendiente de que todo esté a punto.
 
CHEKA TU M@IL es un divertimiento escénico, una oportunidad de conocer lo que piensa la juventud contemporánea, la forma en que tratan de resolver sus asuntos, cual si desde una ventana los pudiera uno observar frente a sus alegrías, sus deslices o sus problemas.  Una comedia musical bien armada y muy moderna.  La temporada está por terminar, así que apresúrese a comprar sus boletos..
 
CHEKA TU M@IL 
se presenta en el
TEATRO BANAMEX SANTA FE
jueves 14 de noviembre, a las ocho de la noche
viernes 15 de noviembre, a las siete  y a las nueve de la noche
lunes 18 de noviembre, a las ocho de la noche  [función especial, aprovechando que es puente]
viernes 22 de noviembre a las siete  y  a las nueve de la noche
sábado 23 de noviembre, a las seis de la tarde  y  a las ocho y media de la noche
sábado 23 de noviembre, a las cinco y media de la tarde  y  a las siete y media de la noche
ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7
LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS
 
 
 
Eugenia Galeano Inclán
31 de octubre de 2013
 
 
Dos mujeres con mucho talento, de gran sensibilidad y amplios conocimientos teatrales se han unido para el proyecto LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS, el cual nació en diciembre del año pasado, cuando fue presentado al público en LAB 13, un espacio utilizado como laboratorio y también como foro alternativo.  Ellas son Verónica Musalem, excelente dramaturga y Lydia Margules, quien desde hace mucho tiempo es creativa teatral.  Ambas conforman una estupenda mancuerna y, para muestra, este proyecto.
 
En el momento en que Verónica concibió LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS, se puso de acuerdo con Lydia para que fuera ella quien la llevara a escena.   El teatro que hace Lydia es particular y, sobre todo, visceral.  Fue a Lydia a quien se le ocurrió que, en lugar de que fuera una dramaturgia presentada siempre en la misma forma, ésta merecía tener vida propia y antepuso al título lo de ESTACIÓN EN MOVIMIENTO. El número que se ve entre los dos títulos corresponde a la versión que el público está viendo, es decir, el 1.7 que nos ocupa, representa la séptima versión de la obra.
 
Después de su breve, pero exitosa presentación en LAB 13, se dio inicio a la gira internacional de ESTACIÓN EN MOVIMIENTO --1.2, 1.3, 1.4, 1.5 y 1.6-- LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS para presentarse en foros europeos, básicamente en España.   Ahora, regresa al Distrito Federal para que el público capitalino tenga la oportunidad de ver las tres siguientes versiones:  1.71.8  y  1.9.
 
Podría decirse que ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7 LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS tiene tres temas importantes.  El punto neural es el amor, aludido en diversos aspectos:  la pareja, lo carnal, los triángulos, la familia -padre, madre, abuelo-, etcétera.  En tanto que los otros dos pilares son:  el bagaje personal que cualquier persona lleva, no sólo consigo sino en el sentir -aquellas ideas o recuerdos de los que no podemos separarnos en momento alguno, lo que forja nuestro carácter, la forma en que vemos a los demás y en la que ellos nos ven-,  y  la migración, la identidad local que marca al ser humano a partir del lugar de su nacimiento, o bien de donde vive, así como la facilidad o imposibilidad de cada quien para migrar, para alejarse de lo que considera sus raíces.  Este rubro también incluye el exilio.
 
Los espectadores habrán de sentirse identificados en cualquiera de los tres temas, en dos o en todos.  El amor, todo ser humano lo ha experimentado, al igual que todos llevamos nuestro bagaje y, por lo que respecta a la migración, quizá no la conozcamos en forma directa, pero indudablemente tendremos a algún antecesor o conocido que haya compartido lo que le ha significado.
 
Para subrayar el movimiento, Lydia ubica la obra en una estación cualquiera, puede ser de un aeropuerto, una terminal de autobuses o una de trenes.  Las personas caminan constantemente con su equipaje y sus pensamientos.  Van cavilando sobre lo que dejan y lo que habrán de encontrar. 
 
El espacio escénico lo diseña Lydia Margules sobre la marcha, es decir, cada versión de ESTACIÓN EN MOVIMIENTO -- LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS ha tenido su propio espacio.  Hasta ahora, no ha repetido diseño alguno.  El diseño particular para ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7 LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS son tres filas de sillas colocadas en forma de "T".  Las personas a quienes les toca sentarse en las dos filas del escenario habrán de ver pasar a los migrantes tan cerca de ellos que, incluso, en un momento dado, podrían rozarlos, lo cual da un toque de intimidad pocas veces visto en teatro.
 
La dramaturgia de Verónica Musalem es de excelente factura, durante la cual habrá de aludir a diversos puntos del orbe, Edimburgo, Polonia, París, Viena, Roma, Madrid, Estocolmo, San Petersburgo, España, Marruecos, La Habana, Santo Domingo, entre otros, sin olvidar la Isla de San Luis, a modo de dotar su historia de universalidad.  Desde luego, no podría faltar lo que se ha convertido en parte de la firma de Verónica -la fascinación que ejerce en ella su natal Oaxaca-, en esta ocasión, nos habla de un hechicero oaxaqueño dedicado a la creación de una pócima para curar todo mal de amores.  Así mismo, Verónica nos sorprende con una explícita descripción de un amor pleno de pasión y entrega total.
 
Es así como en ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7 LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS el espectador habrá de imaginarse qué tan sabrosos son los helados que elaboran en la Isla de San Luis. Oirá hablar de una madre que come como una lady inglesa. Intuirá qué se siente ser ciudadano del mundo. Tratará de recordar si alguna vez supo de una historia que no era suya, pero que a medida que la platica la vuelve más suya. Se preguntará si la distancia puede hacer que el amor se magnifique y, quizá, hasta llegue a la reflexión de que sería bueno revisar sus maletas para determinar qué de lo que hay en ellas es lo que realmente lo conforma.
 
En cuanto a lo escénico, Lydia vuelve a imponer su magia teatral en este montaje, asumiendo los roles de dirección, concepto de espacio, diseño de iluminación y producción.  Lydia utiliza la media luz para sumergir al público en lo que se siente y se piensa al emprender un largo y amplio viaje, o bien, con una simple salida al mundo cotidiano.  Su elenco, en total complicidad con ella, camina por el sendero trazado, en estado de arrobamiento, repitiendo los parlamentos no como diálogo sino como introspección. Todo lo cual hace que el espectador esté más que alerta a lo largo de toda la función.
 
Admirables interpretaciones vocales, de actitud y de corporalidad nos ofrecen Antonio Cerezo, Romina Coccio y Fabiola Vargas. Cabe aclarar que para las dos próximas versiones lo más probable es que se integre al proyecto la actriz Gabriela Ochoa, quien ha participado en la mayoría de las versiones de ESTACIÓN EN MOVIMIENTO --- LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS.
 
Recomendamos ampliamente ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7, 1.8  y  1.9, LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS, en donde además de ver buen teatro, usted se embarcará en un extenso viaje -al menos, con su imaginación- conocerá detalles de lugares lejanos, idiosincrasias, romances y, además, se irá con el grato sabor de saber que "siempre hay otro amor".  Si le gusta mucho, hasta podría ver tres versiones distintas de una misma obra.
 
ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.7, LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS
concluye temporada en el FORO CARRETERA 45 ubicado en Juan Lucas de Lassaga N° 122,
a espaldas del Metro San Antonio Abad el viernes 1° de noviembre de 2013, a las ocho y media de la noche
ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.8, LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS
se presentará en el FORO EL BICHO ubicado en Colima N° 268, casi esquina con Insurgentes
del 15 de noviembre al 1° de diciembre de 2013 - consulte cartelera,  y
ESTACIÓN EN MOVIMIENTO 1.9 LOS PERDIDOS DE LA ISLA DE SAN LUIS
se presentará en el TEATRO EL MILAGRO ubicado en Milán N° 24 - cerca de la Avenida Reforma 
del5 al 15 de diciembre de 2013 -consulte cartelera
MALINTZIN
 
 
Eugenia Galeano Inclán
288888ctubre de 2013
 
 
Luis Santillán es un dramaturgo cuyo acervo no es tan extenso como representativo.  Hasta ahora, entre los reconocimientos que ha recibido, se encuentran los siguientes:  Finalista en dos ocasiones del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo, en 2002 con la obra Polvo de Hadas y, en 2005 con De batallas perdidas;  Premio en el Primer Concurso de Dramaturgia Pasión por el Teatro UAM-Xochimilco 2004 por la obra La historia ridícula del oso polar que se quedó encerrado en el baño del restaurante;  Premio Nacional de Obra de Teatro INBA-Baja California 2005 por su impactante Autopsia a un copo de nieve,  y  Mención Honorífica del Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera 2008 por la obra Malintzin, sobre la cual versarán los comentarios de la presente nota.
 
Es probable que este joven autor y creador escénico haya pensado que la historia no hacía justicia a La Malinche, por ende, se dio a la tarea de hacer una relectura del personaje, dando origen a MALINTZIN.  Para este trabajo, es evidente que Santillán realizó una ardua labor de investigación, toda vez que fundamenta los hechos en los lugares y en las fechas precisas en que acontecieron.  La diferencia en su labor es que enfoca lo sucedido a partir de la visión personal de Malinalli.  Para ubicar los tiempos, a Luis no le basta con mencionar cómo, dónde y cuándo ocurren las vivencias, sino que incluye en el programa de mano una bitácora de referencia.
 
El período que abarca MALINTZIN inicia el 20 de febrero de 1519 -cuando la expedición comandada por Hernán Cortés llega a la isla de Cozumel-  y  concluye el 13 de agosto de 1821 -cuando Cuauhtémoc es capturado, ocurre la matanza de Tlatelolco y se produce la caída de la gran Tenochtitlan-.  Todos los sucesos habrán de ser aludidos a lo largo de la narrativa de MALINZIN
 
Para la puesta en escena, Luis Santillán basa su propuesta en su bien estructurado y documentado texto y se impone el reto de que éste sea narrado en un espacio vacío, carente de escenografía, adornos y utilería.  Este desafío lo resuelve utilizando su peculiar poética y convocando a actrices con excelente dicción -cualidad muy apreciada en teatro-.  El elenco lo conforman tres agraciadas jóvenes de estatura y talla semejantes, con un entusiasmo tan formidable que translucen su disfrute al hacer su profesional trabajo. 
 
En MALINTZIN, Luis Santillán retrata a una adolescente hermosa e ingenua -tan sólo con mirar al mar era feliz, calificándolo de maravilloso-. pero también devota creyente en sus dioses, dispuesta a ser sacrificada para complacerlos, tal como queda plasmado al principio de la historia, cuando dice a Amankaya:   -"Sería un honor ser elegida", en tanto que Amankaya, a punto de ser arrojada al cenote sagrado, tiene miedo y comenta que los dioses han de ser falsos, toda vez que no tienen por qué desear la muerte de una doncella.  Posteriormente, la dulce Malinalli habría de demostrar la fuerza de su carácter al adaptarse a lidiar con dos cosmogonías tan distintas.  La vida indígena en contraposición con la vida de los conquistadores.  Mientras los nativos vivían  pendientes de los fenómenos naturales en función de sus cultivos, rendían culto a sus propios dioses y creencias,  sus "tesoros" eran extraídos de la tierra, practican la guerra para defender territorios, los españoles, en contraposición, tenían cultura y una religión formal, además de haber surcado los mares en busca de nuevos horizontes.
 
Poco después del arribo de los conquistadores, los mexicas regalan a Hernán Cortés una veintena de mujeres -entre quienes se encontraba Malinalli-, piezas de oro y algunas mantas.  Cortés descubrió que Malinalli dominaba el náhuatl y comenzó a utilizarla como intérprete náhuatl-maya, mientras que un náufrago español rescatado del cautiverio por Cortés, traducía del maya al español.  Sin la ayuda de estos dos intérpretes no hubieran sido posibles los acuerdos entre mexicas y españoles.  Malinalli no tardó en aprender el castellano y eso dio origen a que a su nombre se le agregara el sufijo ẗzin" para indicar jerarquía y nobleza, transformándose así en MALINTZIN. Más allá de su labor como intérprete, MALINTZIN orientó a los españoles sobre las costumbres sociales y militares de los nativos, asimismo, es de suponerse que los haya asesorado sobre los caminos más viables entre uno y otro poblado y existen muchas probabilidades de que haya sido una de las precursoras en nuestro país en realizar trabajos de lo que hoy se conoce como "servicios de inteligencia".  Llegó a amar a Cortés, de quien tuvo un hijo (por cierto, considerado ilegítimo) y siempre le brindó apoyo en forma incondicional.   Sin duda alguna, MALINTZIN fue una mujer admirable y merece mayor peso en la historia, como el que Luis ahora le otorga.
 
Un trabajo brillante por parte de Luis Santillán en todos aspectos. En cuanto a su narrativa logra enaltecer a MALINTZIN y muestra su lado humano, así como las cualidades, habilidades y capacidades que tenía.  Por lo que respecta a su labor de creador y de dirección escénica hace gala del ingenio que posee al transmutar una historia narrada en un montaje pleno de dinamismo, color, algarabía y frescura.  Un edificio abandonado, casi en ruinas es suficiente para que Luis diseñe el espacio y lo aproveche a lo largo y a lo ancho.  Las actrices en constante movimiento intervienen en ejercicios coreográficos para representar simples charlas, contubernios, acciones bélicas, complicidad -susurrando parlamentos, al estilo de teatro intimista, frente a frente con los asistentes-.  Suple la musicalización de entorno con el Ave María de Mendelssohn la versión cantada del Padre Nuestro e, incluso, con percusiones que sus actrices realizan sobre sí mismas.
 
En razón de que no se da crédito alguno a diseño de vestuario, peinado y maquillaje, es posible que también sea creación de Luis Santillán y cabe señalar que todo esto, en su conjunto, es un gran acierto.  Las actrices aparecen uniformadas con un mismo atuendo para simbolizar en forma muy estilizada la época, lo mexica y lo bélico, siendo la prenda básica un bello corpiño de piel ceñido al cuerpo.  Sus largas cabelleras lucen elaborados trenzados. Para complementar la imagen, las jóvenes portan larguísimas pestañas en las que resaltan dos de  los colores mexicanos más característicos: turquesa y fucsia.
 
Loable el trabajo actoral, de expresión facial y corporal de Alexa Martín, Melanie Borgez y Guiureni Fonseca, además de que una de ellas cuenta con una voz privilegiada que se escucha armoniosamente con el Ave María y el Padre Nuestro. Guiureni Fonseca alterna funciones con Natalia Alanís. La producción ejecutiva está a cargo de Brenda Mitchelle.
 
Recomendamos ampliamente MALINTZIN, una forma lúdica de recordar los detalles de nuestra historia, desde un visión alternativa, en un montaje de gran belleza plástica con una frescura y una dinámica incomparables.  Nada raro será que una vez que acudan a ver MALINTZIN quieran ver todos los proyectos de Luis Santillán quien, al rendir homenaje a Malinalli mediante MALINTZIN, se coloca a sí mismo en el lugar que por derecho propio le corresponde en la nueva dramaturgia mexicana.
 
 
MALINTZIN
se presenta los sábados a las siete de la noche
y los sábados
en el MUSEO BRITÁNICO AMERICANO EN MÉXICO
ubicado en
Artículo 123 N° 134
delegación Cuauhtémoc

 

> cerca de la Estación Juárez del Metro
LOS ARREPENTIDOS
 
Eugenia Galeano Inclán
26 de octubre de 2013
 
 
En diversas ocasiones hemos escuchado la frase "De los arrepentidos es el reino de los cielos", sin embargo, esto no implica que quienes se arrepientan obtendrán un pase directo al paraíso.  Desde el punto de vista religioso, el significado de la frase es conminar a la gente a  arrepentirse de sus pecados, del mal que haya infringido, de aquello no hecho con buena intención.  Lo cierto -y también terrible- es que el arrepentimiento siempre conlleva dolor.
 
Marcus Lindeen nacido en Ängelholm, Suecia, en 1980, director teatral  egresado del Dramatiska Institutet en Estocolmo, quedó impactado por el tema del arrepentimiento.  Esto sucedió cuando un día, por azares del destino, escuchó la grabación de una plática entre dos transexuales. Lo que se dijeron el uno al otro motivó a Lindeen a investigar más a fondo el asunto.  Se dio a la tarea de recopilar imágenes, testimonios, documentos, correspondencia, etcétera.  Con todo el material decidió realizar un documental sobre los hechos.  Casi sin darse cuenta, se estaba alejando de su vocación, el teatro, para aventurarse en la cinematografía.  Lo curioso fue que en su debut  como director de cine también tuvo éxito y su documental, intitulado "Regretters" (Los Arrepentidos), fue uno de los más comentados, en su momento, hace unos tres años.
 
Tras su exitosa incursión en otro ámbito, Marcus Lindeen optó por regresar a sus orígenes.  Hizo ciertas adaptaciones al guión y lo convirtió en obra de teatro.   El texto de LOS ARREPENTIDOS es desgarrador.  Se puede conocer una historia que sea producto de la imaginación de alguien, al leer un libro, al ver una película o un programa televisivo o mediante una plática, pero cuando uno sabe que lo que se está dando a conocer son hechos de la vida real, en definitiva, resulta mucho más inquietante.  Los protagonistas son personas de carne y hueso y lo ocurrido proviene de su propia voz.
 
No cabe duda de que para comprender a alguien lo mejor es tratar de "ponerse en sus zapatos".  En la actualidad, cuando se habla más de homosexualidad y hay más apertura para "salir del closet", es decir, para que alguien asuma públicamente que es "gay", hay que reconocer que esta comunidad paso a paso ha ido ganando aceptación y respeto.  Lo que ya es más difícil de entender es la transexualidad.  Se trata de personas dispuestas a llegar hasta las últimas consecuencias por una reasignación de sexo y esto implica cirugía, dolor físico y hasta mutilaciones a su propio cuerpo.   En el caso de LOS ARREPENTIDOS, no sólo dieron este paso tan drástico como difícil, sino que, para colmo, se arrepienten.  Su vida con un sexo distinto al que tuvieron de nacimiento no les resultó como ellos la planeaban.  Al ver que sus expectativas no fueron cubiertas, ellos opta por tratar de revertir la cirugía y entran de nuevo al quirófano.
 
A través de la conversación que se sostiene en LOS ARREPENTIDOS se van revelando uno a uno los motivos que los impulsaron a pensar que lo mejor para ellos era obtener un cambio de sexo, así como sus pensamientos tras llevarlo a cabo,  cómo vieron los demás su transexualidad, ¿en qué grado vivieron aceptación o rechazo?,  cómo transcurrieron sus respectivas vidas, por qué razón llegaron a lamentar haber
reasignado su identidad sexual.  Uno de los momentos más inquietantes es cuando uno de ellos confiesa no ser homosexual.  Testimonios de primera mano en los que el dolor ocupa un lugar preponderante.  El sufrimiento físico es, desde luego, intenso, pero el emocional mucho mayor.  
 
LOS ARREPENTIDOS son Orlando Fagin y Mikael Johansson, quienes al convertirse en transexuales se autonombran Isadora y Mikaela, respectivamente.  Margarita Sanz  y  Alejandro Calva en un impresionante duelo de actuación dan vida a estos atribulados seres.  Tanto Margarita  como  Alejandro  ofrecen una verdadera cátedra y su labor no puede ser calificada sino como magistral.  
 
Para este montaje, la veracidad tiene un peso de gran relevancia.  Además del impresionante y emotivo diálogo, los personajes son caracterizados en tal forma que se ven como auténticos dobles de Orlando y Mikael.  Acertada labor la de vestuario a cargo de Josefina Echeverría y de diseño de imagen por parte de Francisco Iglesias para Margarita Sanz, y de Felipe Salazar y Olga Tehernova para Alejandro Calva.
 
La labor de dirección por parte de Sebastián Sánchez Amunátegui es estupenda.  Logra resolver bien el reto que implica la falta de movimiento de los protagonistas, quienes habrán de estar sentados en forma casi estática.  Al efecto, apoya las escenas con imágenes ilustrativas que son proyectadas en forma estratégica en una gran pantalla.  El ritmo escénico es preciso y con la mesura apropiada.  La escenografía por parte de Hania Robledo cumple con lo requerido a pesar de su absoluta sencillez.  La iluminación bien administrada por parte de Xóchitl González.
 
No siempre se tiene la oportunidad de conocer hechos de la vida real y menos aún cuando éstos son relatados de viva voz.  Cuando no se tienen problemas de identidad sexual es difícil comprender a quienes sí los tienen y más aún a aquellos que están dispuestos a llegar hasta las últimas consecuencias para tratar de ajustar sus diferencias.  Un montaje sencillo pero humano a carta cabal, a través del cual se obtendrán elementos de comprensión para lograr una mejor convivencia en nuestro mundo, donde cada vez existe más diversidad.   Todo esto, además de ver a dos primerísimos actores transformarse en otras personas y prestarles sus voces a fin de que se les escuche.
 
LOS ARREPENTIDOS
se presenta
lunes  y  martes  a las  ocho y media de la noche
en el  TEATRO HELÉNICO
Teatro de extreme close up
Teatro de extreme close up
CON SABOR A ENGAÑO
 
Eugenia Galeano Inclán
24 de octubre de 2013
 
 
 
Uno de los tragos más amargos para el ser humano es el engaño.  ¿A qué obedece una infidelidad?  Muchos ven la fidelidad como una imposición u obligación cuando en realidad si tienen a la pareja elegida por sí mismos deberían ser fieles simple y sencillamente por convicción.  No obstante esto, también existen personas que practican la infidelidad a modo de deporte "divertido".   En fin, mucho se habla del engaño y hay quienes afirman que  "¡Lo malo no es ser infiel ... sino ser descubierto!", al menos este es el lema que utilizan en CON SABOR A ENGAÑO, de la autoría de Víctor Hugo Rascón Banda, bajo la dirección de Oscar Flores Acevedo.
 
CON SABOR A ENGAÑO gira en torno a la vida de una pareja común en la realidad actual.  Dos jóvenes -Perla y Alfonso- que se conocen desde estudiantes, se hacen novios, deciden vivir juntos y compartir sus vidas y gastos.  Ambos son actores, pero ella se ve precisada a aceptar un trabajo de telefonista para poder subsistir, mientras que él hace programas de televisión y comerciales.  Va a todo tipo de "castings", tratando de conseguir nuevos trabajos.  El amor está presente, pero tienen dificultades para cubrir la renta y las facturas que irremediablemente van llegando unas tras otras, de vez en cuando quedan de lado, esperando la oportunidad de obtener recursos para poder cubrirlas, al igual que determinadas aspiraciones personales, por ejemplo, Perla no sólo se siente frustrada por haber tenido que renunciar a su carrera de actriz sino que, además, gustaría de ser madre.  Esto hace que los aqueje cierta inestabilidad aun cuando existe comprensión.  De pronto, en forma casi simultánea, les llegan de visita el hermano de él -Armando- y la hermana de ella -Paola-, lo cual hace que la supuesta estabilidad lograda se vaya al traste.
 
Alfonso y Perla llegan y se instalan a vivir con la pareja.  Surgen nuevos gastos y molestias.  El departamento de Perla y Alfonso es pequeño y tener huéspedes es algo que no habían experimentado.  Los momentos de intimidad que antes se daban en forma natural ahora son difíciles de encontrar.  Paola decide que también quiere ser actriz y comienza a perseguir al cuñado para que la oriente y le proporcione contactos. Para colmo, aprovecha la cercanía para coquetearle e insinuársele.  Alfonso sucumbe a la tentación ... ¿cómo lo tomará Perla? ¿qué habrá de suceder?  Si desea conocer más detalles, tendrá de ir al Círculo Teatral a ver CON SABOR A ENGAÑO.
 
En este montaje de CON SABOR A ENGAÑO sólo intervienen dos actores.  Ella es Mara Villagómez y él, Aldo Tabone.  Ambos dan vida a dos protagonistas, es decir Mara interpreta a Perla y a Paola, mientras que Aldo interpreta a Alfonso y a Armando.  La labor actoral y corporal de Mara y de Aldo es estupenda, destacando, sobre todo, la representación que hacen de los personajes alternos -los hermanos visitantes-, toda vez que en forma dramática y, en ocasiones, instantánea, cambian de actitud, de voz, de modo de caminar.  La dirección escénica por parte de Oscar Flores es admirable.  Mantiene un buen ritmo y marca en forma precisa los cambios de personaje. 
 
El texto de CON SABOR A ENGAÑO es de buena  factura, una comedia ligera que logra captar y mantener el interés del espectador de principio a fin.   El diseño sonoro y el video fueron acertadamente manejados por Liliana Huacuja.  
 
CON SABOR A ENGAÑO  es una producción de la Compañía Escénica SextoSol y La Morada, de Cuernavaca, así que, además de tener la oportunidad de ver una puesta en escena que nos llega del interior de la república, usted tendrá la oportunidad de divertirse con las situaciones que vive una pareja contemporánea.  De algún modo, se tiene la manera de espiar lo que sucede dentro de su nidito de amor.   Usted no sólo reirá, sino que también podrá reflexionar sobre lo que implica el matrimonio y a lo que puede llevar la infidelidad.  ¿Valdrá la pena echarse una canita al aire?  ¿Qué es lo que realmente se busca en la vida? 
 
CON SABOR A ENGAÑO
se presenta en el FORO VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA
del CÍRCULO TEATRAL, ubicado en
Veracruz N° 107
colonia Condesa
> cerca del Metro Chapultepec
 
La temporada continuará por tiempo indefinido
Para mayor información, los teléfonos del Círculo Teatral  son:  5553 1383  y  5553 5039
 
 
 
 
 
 
 
BONY & KIN
 
 
Eugenia Galeano Inclán
18 de octubre de 2013
 
 
 
 
Es tan amplio el ámbito teatral que es imposible conocer a todos sus integrantes, sin embargo, cuando presenciamos el trabajo de alguien, de inmediato nos damos cuenta de si tiene talento o no, asimismo, el aprendizaje sale a flote, mientras que la experiencia no es tan fácil de detectar.   Oscar Flores tiene una trayectoria de casi treinta años como creativo, egresado del INBA, cursó un diplomado en la SOGEM (Sociedad General de Escritores Mexicanos), gracias a una beca auspiciada por el gobierno de Francia y el INBA, aprendió las bases de la técnica Lecoq -la cual versa sobre los movimientos a partir de su análisis y su pedagogía desarrolla integralidad tendiente a lograr un estilo teatral propio-- en L’Ecole Jacques Lecoq en París.  A su regreso a México, continuó tomando talleres y cursos impartidos por maestros tan prestigiados como Héctor Mendoza, Mercedes de la Cruz, Ludwig Margules y Susana Alexander,  cine con Felipe Cazals,  y  cabaret con Julián Pastor.  Posteriormente, su inquietud y ansia de aprendizaje  lo llevó hacia otros derroteros y volvió a viajar para inscribirse en asignaturas de compañías del exterior en Canadá, Cracovia, Italia e Inglaterra, además de cursar también talleres de voz, canto y piano.  Actualmente es becario del FONCA para el periodo 2012-2013 en el programa de Creadores Escénicos con Trayectoria
 
Con esa gran trayectoria, Oscar Flores decidió crear su propio Espacio Cultural y fue así como se originó LA MORADA, en Cuernavaca, Morelos, en donde se presentan obras de teatro, conciertos y espectáculos variados,  se imparten talleres  y  se llevan a cabo diversas actividades sociales, culturales y deportivas.  Un espacio muy agradable, donde pareciera haberse detenido el tiempo, con frondosos árboles, cuidados jardines y un foro cómodo diseñado como teatro-restaurante, donde los espectadores pueden degustar alimentos, beber cerveza o aromáticos cafés o tés.  Las especialidades son pozole y hamburguesas.  También cuenta con dos cabañas para hospedar a aquellos que deseen pernoctar para disfrutar de varias actividades, o bien, dar un paseo por la ciudad el día de la función o al día siguiente.
 
Con el propósito de dar variedad a su cartelera, por lo general, no hacen temporadas sino que van salteando funciones.  De cualquier forma, quien vaya saldrá contento y relajado.  Ver teatro al lado mismo de un ambiente de naturaleza pura es algo extraordinario. 
 
Formando parte del repertorio de la flexible cartelera de LA MORADA, se encuentra BONY & KIN, parodia de ciertos sucesos ocurridos en la vida de Bonnie y Clyde, cuyos nombres completos eran Bonnie Parker y Clyde Barrow, Una historia de la vida real de una pareja con mal ganada fama, sin embargo, lo que los hizo tremendamente famosos fue la multilaureada película estadounidense filmada en 1967.  En la época de los gángsters y la depresión, Clyde era un negociante fracasado quien, para obtener ganancias opta por convertirse en ladrón y se especializa en atracar bancos.  Varias veces fue a prisión-  En una de sus salidas de la cárcel conoce a Bonnie Parker, chica pueblerina algo desorientada, sumida en el aburrimiento. Se enamoran y, a partir de ese momento, Bonnie acompañará siempre a Clyde.  Entre ellos existe el amor y la ternura, pero en lo que sería su "trabajo", los atracos en los que participan van en ascenso y se convierten en un verdadero azote. Al ir recorriendo el Medio Oeste, el Este y el Sur de los Estados Unidos van dejando tras de sí un rastro de delitos y crímenes realizados cada vez con mayor crueldad.  Llegó el momento en que la policía anda de cabeza y lo único que desea es atraparlos.
 
Oscar Flores demuestra con BONY & KIN que sus estudios no fueron en vano y que su experiencia le ha valido un gran conocimiento de la escena.  En forma impecable cumple con los objetivos principales de la técnica Lecoq, toda vez que construye su propia dramaturgia escénica, llena el espacio vacío mediante gestos y dinámicas de movimientos y establece un equilibrio dinámico que conjunta las cualidades físicas con las emociones de los personajes.  En lugar de escenografía, con no poco ingenio se apoya en unas cuantas sillas a las que va asignando funciones distintas.  Oscar Flores no sólo funge como director en BONY & KIN sino que también asume el rol de Kin, en tanto que Gaby Rubio da vida a Bony.  Juntos forman una mancuerna perfectamente bien avenida, su labor actoral y corporal es de llamar la atención y no se diga la expresión facial que es verdaderamente sorprendente.  Se entienden el uno al otro con la mirada o con un gesto y aun cuando son fieles a la narrativa de principio a fin, de vez en cuando tienen la oportunidad de caer en la improvisación, misma que es otro de sus aciertos. 
 
BONY & KIN es una farsa cómica creada por Carlos Canales, quien toma como pretexto la parodia de Bonnie & Clyde para criticar el consumismo, a los medios de comunicación, la burocracia, la incompetencia de las autoridades y la doble moral que priva en algunos sectores de la sociedad.  En forma muy divertida capta el interés del respetable, pero también -quizá subliminalmente- invita a la reflexión sobre injusticias que no deberían ser permitidos.  Complementa el equipo creativo Liliana Huacuja, encargándose de la asistencia de producción y de dirección.  BONY & KIN es una producción de Espacio LA MORADA y de la Compañía Escénica SextoSol.
 
Recomendamos ampliamente BONY & KIN, para ver buen teatro, degustar platillos con sazón casero, disfrutar de buen clima y de la naturaleza a pleno, aparte de divertirse a rabiar.  Una advertencia:  Deberá tener cuidado porque BONY & KIN le robarán la risa.  BONY & KIN se presenta una o más veces en cada mes.  En octubre será el sábado 19.  Si no puede verla, de cualquier forma le sugerimos revisar la cartelera de LA MORADA porque siempre encontrará algo digno de verse, o bien, buscar los días de noviembre y diciembre en que volverá a presentarse BONY & KIN.  Tenga presente que a fin de dar variedad a su cartelera, LA MORADA no acostumbra hacer temporadas sino que saltean funciones.  De cualquier forma, quien vaya saldrá contento y relajado.  Ver teatro al lado mismo de un ambiente de naturaleza pura es algo extraordinario. 
 
 
El Espacio Cultural LA MORADA se localiza en Calzada de los Reyes número 42, colonia Tetela del Monte, en Cuernavaca, Morelos. 
Puede hacer reservación previa al teléfono 01 (777) 31 74 161, en donde también podrá solicitar información sobre la cartelera y eventos a realizarse.
 
Si usted es usuario de la red social Facebook, también podrá consultar cartelera y obtener mayor información en la página La Morada Cuernavaca.
Fotografía de CONACULTA
 
 
 
 
Cuando la resistencia deja de ser una cualidad
para convertirse en una incomodidad en CARNADA
 
Eugenia Galeano Inclán
7 de octubre de 2013
 
 
Día con día se incrementa en el orbe el número de especialidades universitarias, a fin de que los jóvenes elijan la profesión que más les agrade o convenga a sus intereses.  No obstante lo anterior, aún no existe una escuela oficial que enseñe a ser padre o madre.  Algo que una gran mayoría llega a ser sin la menor idea de cuál es la fórmula para hacer de sus hijos gente de bien.   A lo largo del camino habrán de cometerse indistintamente aciertos y desaciertos, tal y como le ocurrió al rey Lear.
 
El Rey Lear, una de las tragedias más conocidas de William Shakespeare, sirve de inspiración a Bárbara Colio para escribir CARNADA, en donde Bárbara resignifica la historia original, mientras da una relectura a lo expresado por Lear.  En CARNADA el  único patrimonio del rey es un automóvil, en lugar de tener hijas -como Lear- tiene hijos varones, a quienes se ubica en distintas épocas, acorde a sus vestimentas, las cuales son representativas de tres décadas distintas, yendo de lo entallado a lo "punk", para llegar a lo pop-rap, es decir, de los años setenta a los noventa.  Así mismo, el bufón se convierte en un payaso.  Para Bárbara Colio, "CARNADA sucede entre carros, gasolina, arrancones, humo y caminos conquistados.  Una historia crepuscular, de consecuencias, donde el ser humano choca inevitablemente contra el destino que él mismo ha pulido con sus manos".
 
CARNADA, al igual que el rey Lear, versa sobre las debilidades humanas.  Al darse cuenta de que su final se acerca, al rey le asalta un deseo de permanencia y decide hacer un recuento de las vivencias compartidas con sus hijos, se pregunta cuál de ellos lo habrá amado con mayor intensidad, a fin de decidir a quién heredará su preciado patrimonio. Tras largo tiempo de ausencia, el padre regresa, sin siquiera saber el rencor que le guardan sus hijos al recordar aquellas veces en que los dejó encerrados en el auto, solos y, según él, para hacerlos más fuertes, arrojaba trozos de carne alrededor, como carnada para lobos hambrientos.  Las aterrorizantes imágenes de las fauces abiertas vistas por las criaturas jamás fueron olvidadas.  Todo lo vivido en presencia y en ausencia del padre detonará sentimientos encontrados, pasiones, rencores, envidias y, por ende, surgirán enfrentamientos con toda la irracionalidad de quienes intervienen en la contienda, dispuestos todos ellos a llevarla hasta sus últimas consecuencias. 
 
Los protagonistas de CARNADA son seis:  el rey,  sus tres hijos -Primero, Segundo y Tercero-, el payaso y un automóvil Ford Gran Torino, modelo 1975, de cuatro cilindros, faros de alógeno, asientos de piel, color azul chiclamino, en cuya placa se lee "LEAR 4-13"
 
El texto de CARNADA está bien estructurado, Bárbara nos muestra una nueva faceta, conjunta madurez y oficio, aprovechando su experiencia para ofrecer parlamentos de gran contundencia, entremezclados con ciertos subtextos que invitan a la reflexión.  Desde el inicio capta el interés del espectador, lo mantiene y lo va acrecentando a lo largo de toda su narrativa.  Con CARNADA, Bárbara Colio se posiciona en importante lugar dentro de la dramaturgia nacional e internacional.
 
A CARNADA le corresponde el número 34 en los montajes de la Compañía Nacional de Teatro, formando parte del quinto ciclo de su repertorio.  Fue estrenada en la Feria de Tàrrega, España, en la que el nombre de México quedó por todo lo alto, a juzgar por las notas publicadas, pues se sabe que la ovación surgida al finalizar la escenificación resultó memorable y el cúmulo de aplausos hizo que los actores tuvieran que salir a agradecerlos en cuatro ocasiones.
 
La dirección escénica de CARNADA fue encomendada al intrépido Richard Viqueira quien, conforme a las palabras que plasmó en el programa de mano, comenta que planeó el montaje a manera de tragedia a la velocidad de la Fórmula 1 y que el trabajo actoral fue implementado desde la noción de los pits de carreras, en donde en unos cuantos segundos todo el equipo debe concentrarse para cambiar el neumático con que se gana o se pierde la carrera. 
 
La labor de dirección de Richard es. como siempre, extraordinaria y precisa.  Imprime la escena con un dinamismo incomparable, contrastante y rítmico a la vez,apoyado por una sonoridad por demás estridente.  Tal como acostumbra, impone a su elenco retos actorales y físicos nada fáciles de vencer, así como acrobacias que no cualquiera podría ejecutar.  La adrenalina está presente en todo momento, a tal extremo que no sólo inunda la escena sino la total superficie del foro, exaltando a todos los participantes en el hecho teatral -equipo y público, sin distinción alguna-.  Para cerrar con broche de oro, el artífice Viqueira rendirá honor a quien honor merece y ceñirá una corona de laureles sobre la testa del chiclamino, al cual condona su destrucción para trastocarla en una inmolación plena de magia escénica y espectacular belleza plástica.  Por esta única ocasión, nuestro rey Midas del teatro opta por la plata y no por el oro.
 
El desempeño actoral es sobresaliente, tanto en intención como en lo corporal.  Héctor Holten, quien lleva una trayectoria incólume, actor de oficio que se entrega en forma total al personaje que le toca en turno.  Hasta ahora, nadie ha podido recriminar su trabajo -ni siquiera en forma ínfima- en sus muy variados roles. Para CARNADA, en forma magistral, da vida, cuerpo, mente y corazón al payaso, personaje algo sombrío que interactúa con el rey en forma lúdica, fungiendo en realidad como la conciencia de éste al procurar dar algo de lucidez a su pensamiento y acciones.  Luis Rábago ofrece una de sus mejores interpretaciones al representar a un rey confundido, prepotente, egoísta, indeciso en el umbral de su vida. resistente a aceptar cambios u opiniones en contrario -realmente odioso.  Octavio Michel Grau, en su papel de Segundo, aporta frescura, gracilidad -por su tan elaborado peinado- y dinamismo.  Everardo Arzate, en su papel de Primero en forma ágil logra cambios de estado de ánimo muy marcados.  Adrián Aguirre representa bien a Tercero, el hijo más tímido del rey, con un carácter algo apocado, aun cuando también sabe "sacar las uñas".  Luis Rábago, Everardo Arzate y Héctor Holten son actores residentes y forman parte del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), mientras que Octavio Michel Grau y Adrián Aguirre son actores invitados.
 
El diseñador del Gran Torino, verdadero portento escenográfico, así como de la iluminación es Jesús González.   El diseño de vestuario está a cargo de Mario Marín del Río. El diseño de maquillaje y peluquería fue encomendado a Maricela Estrada.  La producción ejecutiva la maneja Claudia Shelley.  Fungen como asistentes de dirección Octavio Michel y Blanca Loaría.  Del entrenamiento físico también se encargó Octavio Michel.
 
CARNADA es un engranaje donde todo encaja perfectamente en su lugar. Un montaje distinto en muchos aspectos.  Un concepto teatral íntegro, desde que se comenzó a gestar el texto hasta la opinión que pueda tener el respetable.  Una obra imperdible.  Si fue tan elogiada en Tàrrega, ¿por qué no enorgullecerse uno de tener teatro de tan alta calidad en México? y acudir lo más pronto posible para mostrar el apoyo coterráneo aplaudiendo a rabiar.  La temporada es corta.
 
CARNADA
se presenta
jueves  y  viernes a las ocho de la noche  y
sábados  y  domingos a las seis de la tarde
en el Teatro de las Artes
ubicado dentro del Centro Nacional de las Artes
en Río Churubusco y Tlalpan
> cerca del Metro General Anaya
 
La temporada es del 6 al 27 de octubre de 2013
 
Su duración es de sesenta minutos, sin intermedio
Adolescentes y Adultos
 
Cualquier lugar es teatro
Cualquier lugar es teatro
Iluminación creativa
Iluminación creativa
Siempre en close up
Siempre en close up
MICROTEATRO
POR SEXO
 
 
 
Eugenia Galeano Inclán
30 de septiembre de 2013
 
 
Hace unos tres años, el reconocido director de teatro, cine y televisión Miguel Alcantud (nacido en Cartagena en el año de 1971) se encontraba sin trabajo.  Cansado de esperar un llamado, decidió tomar cartas en el asunto y comenzó a planear una forma de generar ingresos.  Se le ocurrió una idea algo disparatada, a la cual denominó Microteatro.  Rentó un edificio en pleno centro de la ciudad de Madrid, el cual se encontraba abandonado porque todos sabían que antes era un prostíbulo.  Convocó a dramaturgos, directores y actores y les expuso su proyecto.  En esos momentos, Alcantud no podía prever que su idea se convertiría en una franquicia mundial.  Actualmente el concepto tiene sedes en Madrid, Valencia y Málaga, así como en Miami, E.U.A. y también en México.  Además, falta muy poco tiempo para que el proyecto tome forma en Buenos Aires, Londres, Nueva York y Barcelona.
 
En nuestro país, la Directora General de Microteatro México es Alejandra Guevara,  la Coordinación General está a cargo de Jaina Andrea Novelo  y  el Productor Asociado es Juan Pablo Rivas.
 
El concepto es ofrecer una gama de obras de teatro cortas, en sitios alternativos, es decir, que no sean foros teatrales,  auspiciar la cercanía, a fin de lograr que el público y los actores establezcan una relación de mayor intimidad a la acostumbrada.  El formato básico indica que cada obra no debe durar más de quince minutos, que el espacio no sea mayor a quince metros cuadrados y que el número de espectadores no exceda de quince.  La temporada es corta, por lo general un solo mes, pero las funciones en ocasiones son más que en las temporadas normales, toda vez que, por su brevedad, son varias al día.
 
Desde su inicio, la respuesta del público fue sorprendente.  No cabe duda que el concepto les agradó.  El estar en un lugar alternativo también es atrayente.  No cualquiera tiene la oportunidad de ver teatro en un lugar que fue prostíbulo, cárcel o casa habitación.  En Microteatro pueden verse diversas obras en un mismo día, sin tener que trasladarse de un lugar a otro.  Al comprar el boleto en taquilla, se les hace un programa con las obras que desean ver, se les indican los horarios -cuidando que no se empalmen- y el número de la Sala en donde se llevará a cabo cada obra elegida.
 
El éxito hizo crecer el concepto y, a partir, de que fue implantado, de tiempo en tiempo se realizan convocatorias distintas, bajo un título.  En México se inició con Microteatro por dinero, en una casa ubicada en la colonia Narvarte.  Actualmente se están presentando los seleccionados de la segunda convocatoria que se denomina Microteatro por sexo, en la que será la sede oficial de Microteatro, en la colonia Santa María la Ribera.  La siguiente temporada será "Microteatro por tus muertos" y las funciones serán en octubre y parte de noviembre.
 
Son trece las obras que conforman la selección de MICROTEATRO POR SEXO.
 
APLAUSOS de la autoría y bajo la dirección de Antón Araiza versa sobre el secuestro de una artista plástica.  Su secuestrador es un fanático que tiene cierto fetichismo hacia las manos y confiesa que lo que más le excita de la artista son sus manos al momento de aplaudir.  Lo impactante que es estar al lado de la pobre joven sin poder auxiliarla, ni siquiera consolarla, genera un gran desasosiego. Si bien se desconoce lo que motivó a privar de la libertad a esta mujer, el entorno de intensidad creado por el autor/director y sus actores es indescriptible.  Los personajes son interpretados por Nicolás Mendoza y Nora del Cueto.  Como asistente de dirección funge Andrés Tena, como iluminador Roberto Paredes y del mobiliario se hizo cargo Sergio Jaramillo.
 
EN CUERPO PRESENTE escrita por Rosa María Trujillo y Eduardo Castañeda, bajo la dirección de Antón Araiza.  Se trata de un monólogo, a través del cual una joven bailarina cuenta intimidades con su pareja, un chico rebelde que anda en motocicleta, a quien le gusta experimentar cosas nuevas en el sexo.  La actriz que interpreta a la bailarina es la propia co-autora Rosa María Trujillo. Ofrece un movimiento escénico con una corporalidad adiestrada.  La dirección por parte de Antón imprime diversidad y agilidad.  La asistencia de dirección corre a cargo de Diego Alberico y la escenografía y el vestuario fueron diseñados por Mario Marín, mientras que la iluminación fue asumida por Braulio Amadis y Rodríguez Pérez.
 
ILUSIÓN  es de la autoría y bajo la dirección de Alberto Estrella.  Una obra muy redonda que refiere la diferencia de las clases sociales y lo que ésta puede afectar a las parejas aún cuando exista el amor.  Una pareja de recién casados, en el momento en que el ilusionado esposo lleva a su mujer a conocer el departamento que acaba de rentar para poder dejar de vivir en la casa paterna.  Para él es la puerta de salida, pero ella no dejará tan fácilmente las comodidades a las que está acostumbrada.  La asistencia de dirección corre a cargo de Víctor Carpinteiro.  A los jóvenes esposos dan vida Berenice Mastretta y Martín Reynaldo.  La iluminación fue asumida por Arturo Nava y la música por Lucía Alvarez.
 
LUNA, de la autoría y bajo la dirección de Xandra Orive.  Un monólogo, a través del cual Luna comparte fragmentos de su vida.  Ante el carácter autoritario del padre, una joven opta por la libertad.  La falta de amor la suple enamorándose de quien aparezca en su vida, sin importar si es niña, hombre o mujer.  Convincente interpretación por parte de Valeria Lordughin.  Impecable dirección por parte de la autora Xandra Orive. La asistencia de dirección fue asumida por Denis González  y  la asistencia de producción por Lizette Cervantes.   Alterna funciones la actriz Neyla Jaén.
 
ROSA VENUS Y TAMALES OAXAQUEÑOS, de la autoría y bajo la dirección de Jorge Carlos Ramírez.  Una farsa deliciosa, muy entretenida y mucho muy divertida, con un elenco de primerísimos actores: Carlos Aragón, Ricardo Ezquerra  y  Miguel Conde.  El título alude a los nombres de dos mujeres, una es Rosa y la otra Venus, mientras que los tamales son el tono de teléfono elegido por Rosa.  Un diputado decide echarse una canita al aire, llama a su esposa para inventarle que está en una sesión muy importante.  Para su sorpresa, dos hombres descuartizados tratan de advertirle desde el más allá que la sexoservidora con quien está podría terminar asesinándolo.  Carlos Aragón refleja toda la seriedad y doble moral del diputado.  Ricardo Ezquerra y Miguel Conde están soberbios como los difuntos.  Como asistente de dirección funge José Ramón Chávez. La ingeniosa escenografía fue diseñada por Humberto Valladares.  Del maquillaje se hizo cargo Fernando de Legarreta.
 
100 COSAS QUE HACER ANTES DE MORIR  Dramaturgia de Beto Cohen,  dirección de Julio Bekhor y Fernando SMA, protagonizada por Julio Bekhor y Rodrigo Virago
Sinopsis: Alex se lanza por un paracaídas completamente desnudo, Fernando vuela en un globo aeroestático, Alex escala una montaña en calzones, Fernando se come una cucaracha… Con estás “actividades” ambos amigos van tachando de sus respectivas listas las 100 cosas que quieren hacer antes de morirse, pero esto deja de ser una diversión –o por lo menos para Fernando- cuando la lista de Alex empieza a crear una especie de tensión sexual entre los dos… ¿Hasta donde puede llegar la amistad? O mejor dicho ¿Qué estarías dispuesto hacer por tu mejor amigo?
 
AFRODITA AL SOL.  Dramaturgia de Verónica Falcón,  dirección de Marius Biegai,  protagonizada por Verónica Falcón y María Goycoolea Artís
Sinopsis: Frustración, amor, miedo, fantasías, autoestima, deseos, risas, vodka, lágrimas, cigarros y prejuicios. Afrodita y Venus. Un cocktail de humor negro en una playa del Caribe Mexicano”. ¿Desde cuándo hablar de sexo ha sido suficiente?
 
BESITO SOÑADOR.  Dramaturgia de Sergio Galindo,  dirección de  Antonio Castro,  protagonizada por Mariana Burelli y Paulo Sergio Galindo
Sinopsis: Ella, es una actriz que ha encontrado como única opción de trabajo: “Se tira a su prima y la graba” una producción fílmica de bajo presupuesto. Él, un experimentado actor del género pornográfico, intentará guiarla para explotar al máximo su talento.
 
LA VENGADORA.  Dramaturgia y Dirección de Juan José Arjona,  protagonizada por Mariana Azcárate, Silvia Santoño, con Saúl Hernández y Rumania Olivares.
Sinopsis: Una mujer, engañada por su marido, decide Vengarse, pero ¿cómo llevar a cabo dicha venganza?Juana Gamuza la asesorará detalladamente en los pros y contras de las distintas opciones.
 
EL ÍDOLO.  Coproducción de  Felipe Tovar  y  Microteatro México,  Dramaturgia de Mario Ramírez Monroy,  dirección de Luis Koellar,  protagonizada por José Antonio de la O y Alessandra Pozzo.
Sinopsis Un roquero cuarentón que vive sus noches haciendo todo lo posible por ligarse a las groupies de los 20, se encuentra con la noche más especial de su vida… y todo  por sexo.
 
GERONTOFILIA.   Dramaturgia y Dirección de Ignacio Flores de la Lama, protagonizada por Alejandra Maldonado.
Sinopsis Una enfermera angelical con el deber de asistir a los adultos mayores en el último trance de la vida hacia la muerte, les prepara el camino otorgando la muerte chiquita antes del último aliento…quién pudiera morir 4 o 5 veces al día.
 
HORA DE TRABAJAR.   Dirección y Dramaturgia de Luis Eduado Yee,  protagonizada por Ignacio Escárcega y Natalia Solián.
Sinopsis:  Toda primera vez se queda en la memoria; tu primer cumpleaños, tu primer día de escuela, tu primer. El primer día de trabajo reforzará este lazo entre padre e hija al mismo tiempo que pone al límite sus vidas.
 
TANGA DE JAMAICA.  Asesoría Escénica de  Bruno Bichir, Agustín “Oso” Tapia y Emilio Portes, Dramaturgia de Jorge Carlos Ramíre, protagonizada por Laura de Ita y Jorge Karlóz.
Sinopsis:  Una fiesta, mentiras, alcohol, creatividad, engaños, deseo y una absoluta falta de confianza, son los ingredientes necesarios para que dos personas se reencuentren y enfrenen su cruda… realidad. TANGa de Jamaica nos deja un sabor de boca tan familiar que sin duda refrescará tu memoria y te hará revivir ese momento en el que despertaste así: sin recuerdos, sin tranquilidad y… sin calzones…
 
 Un concepto novedoso, una gran oportunidad de ver varias obras de teatro sin tener que movilizarse, historias interesantes, ya sea impactantes o divertidas.  La temporada actual de MICROTEATRO POR SEXO concluirá el domingo 5 de octubre, le sugerimos haga lo posible por acudir a verla.  Si no pudiera, esté muy pendiente de la próxima temporada, que será Microteatro por tus muertos, misma que correrá de octubre a noviembre. Consulte la cartelera para ver las fechas exactas.
 
MICROTEATRO POR SEXO
se presenta
jueves 3 de octubre a partir de las ocho de la noche
viernes 4 de octubre a partir de las ocho de la noche
sábado 5 de octubre a partir de las siete de la noche  y
domingo 6 de octubre a partir de las seis de la tarde
en la sede de Microteatro México
Roble N° 3
colonia Santa María la Ribera
casi esquina con Insurgentes
Estación del Metro:  Buenavista
Estaciones del Metrobús:  Buenavista  y  El Chopo
 
El boleto de entrada para cada obra es de:  $60.00
Combo para ver tres obras:      $150.00
 
Mayor información en:
Facebook:     Micro Teatro México
Twitter:      @MicroTeatroMEX
INVITACIÓN AL SILENCIO
 
Eugenia Galeano Inclán
15 de septiembre de 2013
 
 
 
Es natural que los autores acudan a sus experiencias de vida para escribir una obra, incluso, habrá quienes incluyan datos autobiográficos, tal es el caso de  la francesa Marguerite Donnadieu (1014-1996), su nombre real antes de adoptar el seudónimo Marguerite Duras y convertirse en una afamada novelista, guionista y directora de cine.  Nacida en Saigón (en la actualidad llamada Ciudad Ho Chi Minh), pasó su infancia y adolescencia al lado de su madre en la Indochina Francesa. para luego trasladarse a Francia a cursar sus estudios de Derecho, Matemáticas y Ciencias Políticas.
 
A Marguerie Duras le tocó una vida azarosa.  A los veinticuatro años se casó  con Robert Antelme.  Tuvieron un hijo que lamentablemente falleció a muy corta edad.  La pérdida hizo que Marguerite quedara sumida en la depresión y optara por solicitar el divorcio.  Sin embargo, su esposo fue apresado y enviado a un campo de concentración.  A su regreso, Marguerite lo vio en condiciones tan penosas, que prefirió quedarse a cuidarlo-  Estos hechos son relatados por la autora en su novela "El dolor". 
 
Quizá el fallecimiento del hijo haya recordado a Marguerite el intenso dolor que sintió al perder a su hermano, quien también murió prematuramente.  Esa vieja herida quedó plasmada en "Agatha, obra de teatro, en donde Marguerite escribe un extenso poema sobre amor y deseo.  Se trata de un amor incestuoso que por su imposibilidad se convierte en obsesión.  Esta obra, en particular, ha sido calificada como un punto clave en el universo literario de Marguerite Duras.  Las voces de los dos hermanos van adentrándose en forma lenta pero inexorable por el escabroso camino de lo inconfesable.  La narrativa es tan idílica como intensa. 
 
La intensidad de las palabras de Marguerite Duras ha de haber llamado la atención de Lydia Margules, talentosa autora y directora teatral, para su proyectoINVITACIÓN AL SILENCIO, inspirado en "Agatha", para el cual Lydia retoma ciertos textos de Marguerite, en los que se habla primordialmente del deseo.  Esa fuerza avasallante que ha inundado el corazón del ser humano.  Por el deseo se ha renunciado a un trono, se han roto lazos familiares o amistosos, se han infringido leyes y hasta se ha llegado al asesinato. 
 
Para este montaje, Lydia opta por una escasa iluminación, con un mar imaginario, a fin de situar al espectador en un ambiente muy íntimo con la tranquilidad que da el sonido del agua.  Para la escenografía, le bastan una estructura de madera y un cordel rojo que habrá de entramarse al igual que la pasión se va entrelazando en los seres humanos.  Los personajes son tres, dos ellas y un él.  Una de las ellas aparece sentada en forma estática y silenciosa, mientras que la otra ella y él, elevarán sus voces con los textos de Marguerite elegidos en forma estratégica por Lydia para esta representación-homenaje al deseo.  Así mismo, se escuchan en off las voces de otra ella y otro él, quienes habrán de repetir los mismos parlamentos, ya sea al unísono o en forma alterna.
 
Aun cuando los textos se escuchan en forma repetitiva, esto hace que se fijen más en el espectador, de manera que se adentre más en la historia.  Se evoca la mirada del ser amado, su caminar, su olor, su voz, sus costumbres, en cuanto a lo físico, así como su manera de ser, sus pensamientos y otros detalles, en cuanto a lo intangible.  Con su gran sensibilidad natural, Lydia logra que el espectador experimente y se sienta coludido en ese deseo del que se habla, introducido en el entorno ideal diseñado para tal objeto. 
 
El elenco está conformado por Antón Araiza (él) e Ichi Balmori (ella), quienes prestan su voz, con entonación precisa y extraordinaria dicción, Tania Olhovich (ella), aportando su imagen con la corporalidad requerida para estar casi estática a lo largo de la función, así como por Aída López (ella) y Arnoldo Picazzo (él), con sus potentes y claras voces en off, mismas que a todos resultan conocidas.
 
En INVITACIÓN AL SILENCIO, Lydia Margules, además de aportar la idea original y la adaptación, asume los roles de dirección escénica,  producción,  puesta en escena  y  diseño de iluminación.   El resto del equipo creativo está integrado por Teresa Rovalo en el diseño del espacio,  Ricardo Cortés en el registro sonoro,  . Marie Christine Camus y Neli Rusic en el diseño y la realización del video,  Alberto Cera como asistente de dirección.
 
El talento, la experiencia y el discernimiento particular de Lydia logran llevar a buen puerto este poético montaje sobre el deseo que, sin ser una obra teatral, es una puesta en escena vanguardista que conmueve a propios y extraños.  Un éxito más en la carrera de Lydia Margules como creadora teatral y directora.  Recomendamos ampliamenteINVITACIÓN AL SILENCIO, en donde usted habrá de experimentar algo distinto.
 
INVITACIÓN AL SILENCIO
se presenta
lunes  y  martes  a las ocho de la noche
en el
TEATRO EL GRANERO
de la Unidad Cultural del Bosque
atrás del Auditorio Nacional
(a un costado del Campo Marte)
>cerca del Metro Auditorio
 
Su duración es de aproximadamente 45 minutos
 
La temporada concluye el día 7 de octubre de 2013
 
LOS CORDEROS
 
 
Eugenia Galeano Inclán
12 de septiembre de 2013
 
 
 
El prestigiado y multilaureado actor, titiritero, dramaturgo y director teatral Daniel Veronese regresa a México desde su natal Argentina.  El motivo de su regreso es la puesta en escena de la obra LOS CORDEROS, originalmente intitulada Del maravilloso mundo de los animales; Los Corderos.  Tal y como es costumbre de Veronese, toda la carga dramatúrgica recae sobre la capacidad histriónica de su elenco, sin dar relevancia al espacio escénico, la iluminación o elementos de apoyo (maquillaje, vestuario, filmaciones, etcétera).
 
A Daniel Veronese lo que más interesa es el yo interno de cada uno de los personajes que crea.  Le gusta mostrar los sentimientos más íntimos, aquello que yace en algún lugar recóndito y que en ocasiones resulta inconfesable.  Juega con esas pasiones y las lleva de un extremo al otro, lo cual da un carácter extremadamente humano a esos seres sobre quienes escribe.  Es común presenciar enfrentamientos en lo que narra.  Aunado a esto, por ser el fundador del grupo El Periférico de Objetos, cuya meta es lograr la integración del actor con objetos, es previsible que haya uno o más objetos formando parte integral de su trabajo -en LOS CORDEROS se trata de una maleta-.
 
La dramaturgia de Daniel Veronese es algo complicada y, en ciertos casos, indescifrable.  Por lo general, sus obras no tienen principio, ya que son fragmentos en la vida de alguien sin información sobre antecedentes u orígenes y, por lo que hace al final, lo más probable es que lo deje a criterio del espectador. Lo más admirable de Daniel Veronese es su poética teatral, a través de la cual atrapa la atención de principio a fin. La vertiginosidad de la acción escénica no permite distracción alguna.  Habrá quien trate de buscar pistas, a fin de unir piezas cual si se tratara de un rompecabezas, o bien, quien haga su mejor esfuerzo por tratar de adivinar en qué terminará la maraña de ideas y sentimientos que presencia.  El caso es que el público se concentra en forma tal que todo lo que quede fuera del foro deja de existir durante la representación.
 
Para cualquier actor es un privilegio trabajar con un director de la talla de Veronese, pero sin duda alguna, también implica un enorme reto, en virtud de que habrá de prestar su cuerpo, corazón y expresión para poder reflejar fielmente la amplia gama de estados de ánimo y pasiones que propone Daniel Veronese en cada uno de sus montajes.
 
La escenografía de LOS CORDEROS es muy sencilla, de estructura muy similar a la utilizada en "Mujeres soñaron caballos", sólo que ahora, en lugar de ser un comedor como en la obra mencionada, es una recámara que también hace las veces de sala, para representar un apartamento de personas de escasos recursos económicos.  La iluminación es casi fija, con unos cantos cambios.
 
En LOS CORDEROS la trama versa sobre un matrimonio fracturado, Berta (Nailea Norvind) acaba de separarse de su esposo Toño (Alejandro Calva).  Para todos los trabajos caseros que requieren de fuerza masculina, ha optado por acudir a su buen vecino, Fermín (Carlos Valencia).  La hija de la pareja (Andrea Guerrero) aparenta mucho más edad de la que sus padres dicen que tiene.  La trama comienza un día cualquiera en la vida de esta "familia", la hija se entretiene con un juego electrónico, cuando aparece Toño demandando su atención.  Tras extraer las pilas del juego, comienza a toquetear a la hija, pero no en la forma en que lo haría un padre.  Tan pronto como ambos se van a una recámara, llegará Fermín con un hombre atado y encapuchado.  Se trata de Gómez (Arturo Barba), un amigo de Berta y Toño, a quien no han visto en veinte años.  Poco después, se sabrá, entre otras cosas, que Gómez fue el novio anterior de Berta.  ¿Qué pasará en esta casa?, ¿para qué habrán "secuestrado" al amigo?, ¿por qué razón Toño no se comporta como un padre normal?, ¿con cuál de los tres hombres querrá Berta quedarse?.  Para conocer la respuesta a estas preguntas y a otras más, usted tendrá que acudir a ver LOS CORDEROS.
 
La labor de Daniel Veronese como director es escrupulosa y precisa, a fin de alcanzar el acelerado trazo que impone su dramaturgia.  La labor actoral, corporal y de expresividad por parte de tres de los protagonistas es extraordinaria.  Alejandro Calva ofrece una interpretación memorable representando a Toño, con marcados cambios de temperamento, sorprendente cuando realiza movimientos mitad katas, mitad yoga, a los que él llama viñetas e hilarante al brincar la maleta.  Nailea Norvind da vida a Berta, mujer inmadura, pero muy sensual, ingenua, pero dispuesta a aprovecharse de cualquier situación, madre cariñosa, pero desapegada.  Carlos Valencia, pleno de carisma, como Fermín, da el toque humorístico, contrastando con su propia dualidad, aparenta ser mucho muy acomedido pero no deja de ser un truhán.  Los otros dos integrantes del elenco realizan interpretaciones convincentes, con atinada corporalidad.  Arturo Barba, en su papel de Gómez, un pobre hombre que no tiene idea de cómo llegó a ese lugar y no sabe si alegrarse o asustarse de ver a sus antiguos amigos. Andrea Guerrero, como la hija, candorosa y alocada. 
 
Ver teatro de otros lugares del mundo resulta interesante.  El que uno de los grandes creadores de teatro, reconocido en todo el orbe, venga a nuestro país a mostrar su trabajo es una oportunidad que nadie deberá perderse. 
 
LOS CORDEROS
se presenta
viernes a las nueve de la noche
sábados a las seis de la tarde   y   ocho de la noche
domingos a las seis de la tarde  en
SALA CHOPIN
Álvaro Obregón N° 302
Colonia Roma
> cerca del Metro Sevilla
 
La duración de LOS CORDEROS es de
aproximadamente 65 minutos
 
Su temporada es del 13 de septiembre  al  17 de noviembre de 2013