Armados  tres

                                               XXX aniversario de Contradanza

 

 

Por Mariana Jano

 

“¿Por qué danza?

Porque ésta me ha permitido sumergirme en mis adentros y continuar en un viaje interminable, lleno de placeres y arrebatos infinitos, que cohabitan en mi alma y asemejan a otros” Así se expresa Cecilia Appleton fundadora de la compañía Contradanza, donde ha creado más de 20 obras.

En  Armados tr3s, su más reciente coreografía, los creadores, se expresan como hermosas almas románticas que inician un vuelo carismático lleno de movimiento y riqueza  expresiva. La obra, dividida en  Identidades, Tonos y  Desiertos causa en el camino gestos de admiración, especialmente la última parte a cargo de Yseye Appleton coreógrafo e intérprete cuyo público no pudo más que quedar enamorado y alzar el cuello para no perder detalle

Ha sido una muy buena experiencia ser testigo del XXX aniversario de Contradanza, en el Teatro de las Artes, del Centro Nacional  de las Artes donde se develó una placa para tal fin. “La compañía cumple tres décadas de experimentación con la sabiduría cognitiva entre el cuerpo físico y la percepción de la existencia para expresar las capacidades expresivas de cada uno de sus integrantes, como parte de una exploración profunda y creativa que determinará su lenguaje dancístico”.

Fundada y dirigida por Cecilia Appleton, artista quien se formó en México y en el extranjero. Ella,  entre su trayectoria, ha integrado la Compañía Nacional de Danza Clásica del INBA y Entre otros reconocimientos, recibió el Premio Bellas Artes de Coreografía y dos de sus obras fueron finalistas en el V Festival Iberoamericano “Oscar López”, en Barcelona, España.

En Armados Tr3s, obra de Contradanza,  el espectador encuentra aún la frescura  que alivia la fatiga de sus pasos, de sus ojos, de sus oídos, y lejos, quizá entenderá la presencia de un maduro nopal.                

 

 

RESEÑA TEATRAL. Los tiempos prístinos del VIH. Un corazón normal*


Cortesía de NotiEse: por Leonardo Bastida Aguilar
México DF, noviembre 30 de 2013.

¿Qué hacer cuando no sabes por qué el amor de tu vida fallece y no hay manera de evitarlo?, se pregunta Ned con la esperanza de que hubiera una respuesta para que su compañero Félix no muera de un virus "raro" que ha azotado a la comunidad gay de Nueva York de principios de los años ochenta del siglo pasado. 

Los hospitales reportan cada vez más casos de hombres gay con manchas moradas en la piel, extrema debilidad y que en pocos días fallecen por neumonía o cualquier otra complicación. Ante esto, Ned y un grupo de amigos se organizan para apoyar a los miembros de su comunidad. 

Para ellos, la sociedad los ha abandonado. El gobierno estadunidense se niega a reconocer la existencia de una epidemia que afecta a los homosexuales. Situación similar se vive en los medios de comunicación. 

También la comunidad médica padece la situación. No tiene recursos económicos para investigar la causa de la enfermedad e incluso carece de los medios para atender el problema.

 La situación es apremiante, Ned y sus amigos Bruce, Ben y Tommy buscan un diálogo con el alcalde de Nueva York para obtener su apoyo y poder rentar una oficina. Nadie en la Gran Manzana quería prestarles un espacio para para hacer su labor con los pacientes afectados. 

Las dudas no sólo surgen en el exterior. En el seno del grupo se plantean algunas preguntas ¿Qué estrategia seguir? ¿Salir del clóset? Muchos de ellos perderían sus empleos y sus vidas quedarían destrozadas. A lo mejor no tanto como si tuvieran el virus, cuestiona Ned. 

Regular el sexo y caer en contradicciones como terminar con el amor libre que predicaba el movimiento homosexual de finales de los sesenta, víctima de la represión en bares como Stonewall, es otra posibilidad. 

Basada en las vivencias del escritor norteamericano Larry Kramer, Un corazón normal revela los tres primeros años de la epidemia de VIH al interior de la comunidad gay neoyorquina. Dirigida por Ricardo Ramírez Carnero, se presenta los viernes, sábados y domingos en el Teatro Helénico. Consulte cartelera en www.helenico.gob.mx

 

                                                        Yo soy Carlos Marx

 

Por Mariana Jano

¿Se imagina a Carlos Marx, viviendo en una alcantarilla y buscando en la basura algo qué comer? Y junto a él su amada Jenny…

No, en definitiva. Ni siquiera en los primeros años que vivió en Londres, etapa en la que trabajó con El Capital, cuando él y su esposa vivieron ¡en la pobreza extrema! pero al parecer es cierto ¿Y Engels dónde estaba? Ahí, en su casa, en su mesa y en la obra como un maniquí bajo el argumento de Genny Pérez, ganadora con  esta obra del Premio Nacional de Dramaturgia Innovadora 2006.

¿Y los 6 hijos de este revolucionario? Hacia 1849, recuerde, esperaban el cuarto y en 1855 ya habían fallecido 3, a otro más lo dio en adopción, otra más se suicidó y a uno ilegítimo lo adoptó Engels. Así que en escena no hay ninguno, pero sí está su fortaleza de ideas, y su necedad de entender de economía política y capitalismo. “Testigo y víctima de la primera gran crisis del capitalismo (1830) y de las revoluciones de 1848, Marx se puso a desarrollar una teoría económica capaz de aportar explicaciones a la crisis, pero a la vez de interpretar al proletariado a participar en ella activamente para producir un cambio revolucionario”

Jugando con el tiempo y las circunstancias, la autora Genny Pérez introduce a otro revolucionario: Carlos Márquez casado también con su Jenny, pero ésta de apellido Castro. El lleva más de 30 años esperando que lo escuchen y no se da por vencido, ella, aunque lo ama, critica su doctrina: “Déjate de zalamerías…   Y escúchame con atención: El mundo lleva más de 150 años crucificándote día tras día, te culpan de todo… De la barbarie cometida por los comunistas rusos, por la ineficacia de los socialistas alemanes, la mediocridad de los llamados marxistas en toda  Europa… ¡Todos se han equivocado en tu nombre! ¡Sin hablar del tercer mundo, es decir, nuestro mundo...!

Cuatro personajes para dos conocedores actores: Gustavo Martínez Zárate, quien con soltura y seguridad demuestra por qué es un estupendo actor y Teresa Selma, premiada y por todos reconocida como primera actriz, ella, también la productora, nos permite acercarnos a esta obra con pasión y matiz bajo las líneas de dirección de Ylia O. Popesku, a cargo también de la ambientación escenográfica e iluminación.

Yo soy Carlos Marx, anuncia tan sólo una breve temporada, apenas, hasta el 26 de noviembre en el Teatro Coyoacán, acuda a verla, pues no sólo se va a enterar de algunos aspectos del gran revolucionario, también entre notas de humor, sarcasmo y tragedia saldrá conmovido.

 
 
 
Prohibido Desear
De : Efrat Steinlauf, Tomas Urtusástegui, Jacobo Levy y Hugo Yoffe
DIRECCIÓN: Enrique Singer. CON: Isabel Piquer, Héctor Kotsifakis, Juan Carlos Medellín,
Roberto Uscanga y Ricardo White.
Se presenta todos los jueves a las 20:30 horas Foro Shakespeare
 
En memoria de Esther Zychlinski falleció el 27 de octubre, periodista, critica y fotografa.
Zvi Ziman
                         .
 
Esta obra cuenta cuatro historias breves donde el deseo es la parte predominante, en un escenario que es manipulado por el propio elenco, que tiene como fondo  un departamento dibujado  y unos muebles que son manipulados, frente al público nos cuentan con la referencias propias del judaísmo, pero no excluyentes ya que las emociones son universales.
El verdugo y el condenado a muerte de Efrat Steinlauf
Un prisionero, mismo que será el último en ser ejecutado juega un macabro juego con su verdugo, donde los deseos de vivir de uno y de no morir del otro es la parte central de esta historia, que nos lleva a reflexionar sobre la vida de cada uno.
Eva y Adán de Jacobo Levy
En departamento ambos personajes se cuestionan sobre la culpa, sobre tomar café, por lo cual llaman a su vecino de arriba y este a su vez a otro personaje, que asemeja a un viejo rabino, con un final abierto reflexiona sobre el placer y la culpa.
La paloma de la paz de Hugo Yoffe
Cuatro amigos se reúnen para una amistosa partida de cartas, donde se van descubriendo la infidelidad, el machismo sobre todo cuando la mujer de uno de ellos gana más que ella.
¡Despierta, oigo ruido! de Tomás Urtusástegui
Con el estilo del autor hace que una pareja por el miedo, se encierre  en su cuarto, con sus bienes mas preciados, despiden al personal, pagando un precio muy alto por lo mismo con un final que toca lo absurdo y lo macabro.
No te puedes perder todos los domingos a las 18:30 horas Al Natural Centro Cultural El Foco donde el humor y el desnudo van de la mano, hablándonos de la relación de hermanos, el perdón y la naturaleza.
En memoria de Esther Zychlinski falleció el 27 de octubre, periodista, critica y fotografa.
Zvi Ziman

ECOS

 

Por Gloria Domínguez Castañeda

 

La iglesia de San Antonio en la histórica Tacuba alberga un sótano en el que se ha establecido un foro teatral. Como una catacumba, pues esa impresión da, es propicia al montaje de la obra teatral “Ecos”. 

 Escrita y dirigida por Genaro López Iniesta es ésta su ópera prima en el género del terror. De entrada, llama la atención su apuesta, ya que las obras de este género que se presentan en la ciudad de México son escasas. Tienen lugar las tradicionales representaciones de noviembre a propósito de la celebración de Día de Muertos, así como las puestas en escena de la obra de José Zorrilla: 

“Don Juan Tenorio”, que cubren la cartelera teatral en todo el país y de hecho se presentan en varios géneros, incluyendo la comedia. 

Al respecto, el autor y director nos comenta cómo surgió la idea de escribir esta obra: “Durante una sesión de lecturas de teatro contemporáneo en casa de uno de los actores, buscábamos una obra diferente para montar en escena y ninguna nos 

satisfizo. Pablo González, uno de los actores que trabajó al inicio en esta obra, me sugirió –dado que conocía mi forma de escribir y le gustaba- que la escribiera yo”. 

 Acerca del porqué elige este género para representarse, comenta: “A mí me gusta la literatura de horror y misterio; además, tenía el deseo de contar una historia de miedo diferente a todas las que hay en el mercado”. Agrega: “En México no hay mucho teatro de terror. El estandarte lo lleva “La Dama de Negro”, pero esta obra no está escrita por un mexicano. (“La Llorona” y “El Nahual” en 

Xochimilco sí son productos nacionales.) Además, maneja un cierto estilo de terror, no del tipo que presento yo en “Ecos”. Este proyecto es una obra cien por ciento diferente y cien por ciento mexicana”. 

Escritor y editor dedicado a este género, responde acerca de las fuentes que alimentaron su trabajo literario, así como el tipo de personajes que especialmente le interesan: “La figura del asesino en grandes piezas literarias y en la realidad: seres 

trastornados de la conciencia, de su razón, que deambulan en callejuelas solitarias y oscuras anhelando la sangre (por ejemplo, Jack el Destripador); figuras acusadas de ser personas calculadoras, frías, insensibles y codiciosas (Perry Smith, A sangre fría, de Truman Capote); casos legendarios de asesinos seriales que buscaron satisfacer su sed de sangre (La condesa Erzebeth Bathory; Vlad el 

empalador); personajes solitarios, atormentados por su pasado, ahogados por la figura materna (Norman Bates, “Psicosis”, Robert Bloch). Son hombres y mujeres, descendientes de Caín, que van de lo salvaje a lo increíblemente inteligente: el mundo ficticio y real de los asesinos”. 

 En cuanto al tratamiento de apariciones le interesan: “Las historias de fantasmas en la literatura universal tratadas por escritores como Oscar Wilde (El fantasma de Canterville), Gaston Leroux (El fantasma de la ópera), Charles Dickens (Cuento de navidad), y Edgar Allan Poe (Narraciones extraordinarias).

También las leyendas mexicanas coloniales, urbanas y de terror como La planchada, El fantasma de la monja, La niña fantasma de la calle Gabriel Mancera, La llorona, entre otras”. 

 Con esta visión y estudio sobre el tipo de personajes que le cautivan psicológicamente, su interés por el género es llevado al teatro, con un planteamiento de trabajo: “Lo que quiero mostrar con esta puesta en escena es que las apariencias engañan, y que el ser humano es, por naturaleza, carnal, sensual y diabólico, y quiero enseñar qué es un verdadero fantasma. “Ecos” es mi tesis sobre los fantasmas, la naturaleza humana, la justicia y el amor”.

 A grandes rasgos, justamente como acontece con el personaje del escritor Gaston Leroux, que vuelve célebre el Teatro de la Ópera en París, en “Ecos” se recrea una historia dentro de un teatro. Es una historia que sucede en el escenario, en donde el personaje central, habitante o dueño del foro, se encuentra con su pasado, la muerte, su mundo interior. Los varios personajes que lo rodean 

tienen relación con él, probablemente han sido víctimas de su violencia; son, en fin, parte del círculo formado por su historia personal, producto de su propia actuación como verdugo. 

 Al ser ubicada en un teatro, representa un punto atractivo e interesante porque significa, desde la óptica del espectador, estar ante una historia viva, digamos “que transcurre” ante sus propios ojos. Es decir, es el teatro dentro del teatro. 

 En este sentido, la historia, -tal como está escrita y conforma su estructura dramática-, amplía su espectro de acontecimientos al propio foro. De manera que, aunque cuenta de manera lineal una serie de acontecimientos que dan cuerpo a la historia, rebasa este orden para situarse en un espacio atemporal, digamos que en el presente, que termina involucrando al propio espectador. Este recurso es interesante porque, siendo desde luego una historia de muerte, sin llegar a romper con “la cuarta pared” de manera radical, como ocurre con muchas obras, viene a producir incertidumbre, inquietud en el espectador; lo involucra en la historia sorpresivamente. 

 La obra en sí misma se encauza hacia el terror al tener como base dramática de la historia la muerte, que en términos de anécdota significa la posibilidad del asesinato. Éste, tanto como la personalidad del asesino, es el eje sobre el cual se dispara la historia hacia su desarrollo insospechado. 

 Como tratamiento dramatúrgico se advierte que está definido un perfil claro del psicópata, por llamarle de algún modo. Así también, los demás personajes que tienen relación directa con el protagonista: muestran sus rasgos generales de personalidad, mismos que los llevan a contraponerse al protagonista. Otros personajes actúan como personajes difusos pero tienen un papel que cumplir. Tal cual son creados de este modo, en vista de la naturaleza fantasmal de la obra. 

 Asimismo se plantea, de acuerdo con la historia, un giro de perspectiva interesante, que lleva a un replanteamiento del carácter de dichos personajes. Es decir, la historia transcurre en varios planos: en éstos podemos advertir un perfil determinado que habrá de modificarse, de acuerdo a los cambios producidos en la obra. 

 Este es un planteamiento efectivo, en cuanto a que nos enfrenta a los estereotipos de un asesino, de un fantasma, etc., para situarnos, como espectadores, ante otra posibilidad de concebirlo. Al mismo tiempo, el hecho representa una vista más profunda, literaria, del personaje. Esto es: tenemos ante sí, una pregunta acerca de lo que es la naturaleza de los seres humanos, y 

cómo nos guiamos por cartabones; por ejemplo, en donde el malo es el feo, o el fantasma es un ser que pena por un remordimiento, es perverso, etc. Al romper con esta dimensión se diseña la obra con otra perspectiva, en tanto que aparecen otros móviles que sitúan a los personajes en su relación verdadera, -dentro de la lógica planteada por la ficción--.

 El esfuerzo de romper con los esquemas tradicionales de creación de personaje de terror es notable, desde la dramaturgia. Así también lo es el interés por mantener la sorpresa como un as bajo la manga, acerca de la verdadera condición de vida y psicología de los personajes. 

 El peso que tiene esta perspectiva es innegable. Descansa, desde luego, en el planteo de la historia, dirigida a la controversia del personaje como ser humano “fuerte” y el enfrentamiento de sus conflictos terrenales, que forzosamente ha de cuestionarlo Todo esto, asimismo, está definido dentro de la estructura dramática deseada (que se formula como pieza y llega a la tragedia). 

 Además de esta perspectiva, el riesgo que corre el autor/director es contar una historia de terror de un modo distinto, novedoso y con trampas para el espectador, que de pronto descubre los hechos de la historia, sorprendido. Hasta ahí sus recursos son impecables. 

 Por otra parte, el género de terror, como bien sabemos guarda sus propias exigencias. Una de ellas es el recurso del suspenso, usado en tiempos bien medidos, y en el momento adecuado. Otra cuestión importante tiene que ver con la historia misma, tal como es contada. ¿En dónde están los ingredientes que hacen posible el terror? ¿Cuáles son los recursos del terror en escena? 

 En “Ecos”, la historia se plantea en varias etapas. Estas, forzosamente mantienen un nivel dramático que le corresponde, sin duda. Existe una psicología bien clara entre los personajes, hay un conflicto, y una resolución del conflicto.

Pero el terror, de acuerdo a su exigencia natural, obliga a un juego en el que la historia requiere dar un giro, o varios, que produzcan, tanto el suspenso como el miedo, y que, asimismo, permitan que los recursos en escena sean más efectivos y sensibles para el auditorio. 

 En otras palabras, como estructura mantiene la obra un sentido lineal; le es preciso elevarse más todavía, es deseable una “vuelta de tuerca”, en el tono, que le permita llegar a un clímax total. Y esto mismo, (en vista del orden que guarda) puede ser ejecutado en los diversos planos, hasta alcanzar el punto fuerte, el final. 

Recuérdese por ejemplo, la manera como está ejecutado el cuento emblemático de Bram Stoker, El juez, en el que el recurso dramático y el del terror se engarzan y se sostienen en el suspenso; y todo ello está en el argumento. 

 En cambio, y esto es importante destacarlo, las escenas corresponden con la visión del autor-director, de plantear la presencia fantasmal, casi etérea, como provocación de inquietud en el auditorio. 

 En cuanto al engarce del terror con la obra dramática en su desarrollo, hay un punto que requiere atención: La historia plantea a dos personajes que guardan una psicología compleja: como en un desdoblamiento de personalidad, -perspectiva interesante-, nos muestra a una pareja común lanzada al extremo de una atmósfera en la que estará presente el crimen. Puede ser creíble este argumento, --y de hecho sostiene la tesis acerca de la naturaleza del ser humano, al margen de si es psicópata o asesino--. Sin embargo, es difícil sostenerlo, asociado al terror, desde la misma construcción de la obra. 

 Como señalara en algún momento Howard Lovecraft, la inclusión de una trama amorosa en historias de terror no es recomendable por ser géneros que difícilmente se pueden vincular. En este caso, Genaro López Iniesta los retoma para construir su obra, a partir de su tesis de trabajo. Y sin embargo, recuérdese al respecto lo interesante que es este método: partir de una tesis para hacer la obra, como lo ejecuta el dramaturgo Edward Albee en ¿Quién le teme a Virginia Wolf? 

Tiene pues, su grado de complejidad arriesgarse a un planteamiento así.  El punto es que, resulta difícil combinar una historia en la que subyace la tragedia de la muerte, la condición de toda una biografía, compleja en sí misma, y un conflicto conyugal, con una historia de crimen. Requiere, entonces, de dosis muy medidas de intervención de cada personaje, desde sus naturalezas. De tal suerte, romper con los estereotipos –punto nada fácil- obliga a una creación de personaje más en la mira de su psicología profunda, y a partir de ahí, asociada al terror. 

 Es importante mencionar otro recurso en escena: la literatura. De manera atractiva se incluyen pasajes oníricos, en los que la literatura juega un papel central como factor de “encuentro” de los fantasmas con su mundo en el más allá. En sí mismos, tales paisajes cuentan con una gran belleza plástica, tienen imágenes oníricas, y un lirismo realmente con mucho encanto. Como textos poéticos son cautivadores. Para la escena, hay que decirlo, no guardan una relación efectiva, en tanto que no conducen a la acción dramática. Sin embargo, es una propuesta escénica de “Ecos” y forma parte de la visión, romántica del entorno en el que se desenvuelve el personaje y sus fantasmas. 

 Su director menciona los recursos escénicos: “en la obra se utiliza el método interpretativo creado por Konstantin Stanislavsky (actor, director y pedagogo teatral); un elemento variante del monólogo llamado ‘aparte’; la tragedia en su expresión de Pieza. Así también, la iluminación y la música (en vivo), ayudan a que el público se convierta en un elemento más de la obra. La escenografía es mínima. Hay también un performance místico desarrollado por un actor que interpreta a un personaje antropomórfico. Con utilería sencilla se crea una atmósfera de inquietud, miedo y nerviosismo. Se añade la literatura como recurso metafórico y onírico. El planteamiento está pensado en que todo lo que ve, siente y escucha el espectador le está diciendo lo que de verdad está pasando en el escenario”. 

 En “Ecos” los recursos en escena –incluida la música en vivo- , producen una atmósfera sombría, y una inquietud, que hacen que el espectador se mantenga con interés. De manera atractiva, tiende puentes entre la ficción y la realidad. Las actuaciones son naturales y efectivas dentro del perfil planteado. La escenografía, por su parte, austera, imprime la atmósfera de abandono. 

 “Ecos” es una gran oportunidad para ver una obra diferente. Y es una gran veta de trabajo para su autor-director. 

Dirección y dramaturgia: Genaro López Iniesta. Actores: Yamile Durán, Juan David Amador, Rodrigo Hernández, Andrik Terrazas y Gael Terrazas. Reestreno a partir del 1 de noviembre hasta el 22 de noviembre todos los viernes a las 20: horas. Los días 1 y 2 de noviembre hay una promoción especial de 50 pesos de descuento a quien vaya disfrazado. Cita: Foro San Antonio de las Huertas. 8. P.m. Ubicación: Metro Normal, frente a la Normal de Maestros.

Esencialmente teatro

 Mozarteando a Ionesco

 

Por Mariana Jano

 

Mozarlequin, con creación de lenguaje corporal y acompañamiento de aro, música e iluminación

desarticula la realidad sin pizca de pereza mental y con gratitud danza por el diminuto escenario

del Foro Luces de Bohemia ubicado en Orizaba 193 en la colonia Roma. ¿Roberto Cuevas es acaso

la cereza antes del pastel? Ya veremos

Las notas de piano danzan extraordinarias, Jefferson Storn-mesa revive minuetos mozartianos, en

un piano que existe pero que no se ve ¿estamos aún en la cereza?

¡Inconcebible! Escena para cuatro personajes, nos muestra a 3 hombres que visten las mismas

ropas, y se conducen con los mismos gestos, juegan al juego de lo absurdo, porque a Ionesco, el

autor francés, nacido en Rumanía, la realidad le parece insoportable, indecente.

Para Eugene Ionesco la verdad de la ficción es más profunda, más cargada de significación que la

realidad cotidiana… pero ¿qué es todo esto? Sí, es el pastel.

Autor entre otras de La cantante calva, Las sillas, El rinoceronte o El rey se muere, hoy se puede

ver en cartelera La lección y El nuevo inquilino en el mismo montaje bajo la limpieza de dirección

de Renato de la Riva.

Desde las actuaciones hasta la utilería, todo el trabajo está más que cuidado, pulido, no en vano

la compañía de los RenaTentistas han trabajado desde 1988 con un elenco estable, han tenido

obras en cartelera como Dos Mundos de Tomás Urtusásteguii, A mordidas o cómo se inventó la

pornografía de Antonio González Caballero y entre otras, Impresiones del mismo Rento de la Riva.

Con Ricardo Brust, Gabriela Bermúdez, Manuel Castillo, Marcela Morett, Geno Sánchez, Nacho

Rodríguez, Diego Estrada y Pablo Montemayor entre otros.

Surgido en Paris en los 40’s y principios de los 50´s el teatro del absurdo elige como a algunos de

sus representantes a Jean Genet, Samuel Beckett, Arthur Adamov, Jean Tardiev y Eugene Ionesco

¿fuentes? Antonin Artaud con El teatro y su doble y entre otros los existencialistas Albert Camus y

Jean Paul Sartre.

Ciertamente, como dicen los eruditos, este tipo de teatro toca temas muy importantes

relacionados por ejemplo con cuán suceptible se encontraba la civilización después de una gran

batalla como la fue la Guerra Mundial. Se percibe a través de sus personajes la desorganización

que existía en la manera de comunicarse unos a otros, donde muchas veces no había un punto

de acuerdo entre todas las partes, pero sí un abuso de poder donde los ricos y poderosos

atropellaban a los más débiles y a los que menos posibilidades tenían entre tanto caos y confusión.

No espere sin embargo que Ionesco le haga la tarea, la respuesta, interpretación y análisis se los

lleva a casa o a merendar después de la función, que es espléndida, no la pierda.

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FESTIVAL INTERNACIONAL DEL GLOBO 2013
 
 
Eugenia Galeano Inclán
17 de octubre de 2013
 
 
 
En días recientes fuimos convocados a una conferencia de prensa para conocer los pormenores del Festival Internacional del Globo 2013 que año con año se lleva a cabo en la ciudad de León, Guanajuato.  Este Festival ha ido cobrando adeptos, personas que la primera vez fueron, quizá, por curiosidad, pero que quedaron tan impactados que durante el año esperan a que se llegue la fecha en que éste vuelva a ocurrir.  Este fenómeno no es exclusivo de los nacionales, sino que llegan visitantes de todas partes del mundo sin importar su lejanía.
 
En efecto, quienes lo han presenciado pueden dar cabal testimonio de que se trata de un Festival pleno de espectacularidad, colorido y magia.   No cualquiera tiene la oportunidad de ver de cerca un globo aerostático y, si a esto le agregamos, que en el evento se verán más de doscientos globos, todos de distinto tipo y forma, el interés se incrementa notablemente. Es indudable que los chiquitines lo que más disfrutan son los globos aerostáticos llamados "de fantasía", es decir con figuras de caricaturas populares, juguetes o animales.  Para este año se espera contar con la presencia de unos treinta mil visitantes.  Entre quienes han confirmado su participación se encuentran personas de países como Estados Unidos, Canadá, Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica los participantes se encuentran ya confirmados En cuanto a importancia, el Festival Internacional del Globo 2013 ocupa el tercer lugar en todo el continente americano y es el de mayor relevancia y fama en Latinoamérica.
 
Se considera que este Festival constituye una significativa derrama económica para la ciudad de León.  Los organizadores en forma muy atinada hacen del evento un suceso cultural, complementándolo con actividades paralelas que, entre otros, incluyen muestras gastronómicas, áreas diseñadas específicamente para pequeños y conciertos en vivo.  ¿Qué más puede uno pedir? Además de poder admirar de cerquita la enorme gama de globos aerostáticos, se podrán degustar exquisitos platillos, sean sencillos o exóticos, acorde a su presupuesto y, para cerrar con broche de oro, nada como gozar de un concierto de alguno de los grupos, músicos o cantantes anunciados.  Todo esto por una módica cantidad que en la actualidad suena a increíble.  El precio de entrada por persona es de cincuenta y cinco pesos.  Para los aventureros de corazón quienes gustan de salir a acampar, también tienen la opción de llevar su camper o tienda de campaña.  En este caso, el precio para acampar, por persona, es de cien pesos.
 
Pareciera que el clima también pone de su parte y se confabula para la celebración del Festival, toda vez que León es una de las ciudades con vientos más ligeros en toda la República mexicana, lo cual brinda condiciones climáticas ideales para el vuelo de los globos aerostáticos, así como estabilidad y seguridad al evento en general.
 
Como Embajador del Festival Internacional del Globo 2013 ha sido nombrado el comediante y conductor Adrián Uribe, quien presentó un video promocional, caracterizado como su personaje del "Vitor", invitando a la gente a vivir una experiencia inolvidable. 
 
Entre la amplia gama de actividades paralelas, se encuentran las siguientes.   Para los niños y los no tan niños juegos mecánicos durante todo el día,  Rodeo Infantil,  exhibición de TRIACA, perros entrenados a la alta escuela y para alto rendimiento Zooterapia, así como de Expomar,  exposición organizada por la Secretaría de Marina. Así mismo, se llevará a cabo el Festival Mundial de Poesía,   muestra gastronómica,  talleres diversos,  Rodeo (diurno y nocturno),  Noche Mágica, consistente en un espectáculo de luz y sonido con globos aerostáticos anclados.     
 
Los artistas que ofrecerán conciertos en el Festival Internacional del Globo Aerostático 2013 son:   DJ Arzibajo,  Banda el Recodo de Don Cruz Lizárraga y Pancho Barraza,  Molotov,  Nortec,  María José   y  Río Roma.
 
La cita para acudir al Festival Internacional del Globo Aerostático 2013 es del 15 al 18 de noviembre de 2013 en el Parque Metropolitano de León, ubicado en la Presa del Palote, ciudad de León, estado de Guanajuato.   Los boletos pueden adquirirse en las taquillas del Parque o en cualquier tienda Oxxo de León.
 
Más fácil, más económico, más espectacular sería difícil de encontrar.  Atrévase a vivir una experiencia nueva, algo que compartir con sus seres queridos, un interesante tema de plática para el inmediato y lejano futuro.  Igual y hasta se vuelve adepto y esperará con ansia el próximo Festival.  Imagínese lo mágico que podría ser ver a corta distancia un abanico de colores, formas y figuras en globos de Cantoya (como se les llamaba antiguamente, su despegue, su vuelo, una que otra pirueta y compartir la algarabía de todos los asistentes.  Permítase salir de la rutina y aproveche la oportunidad de gozar uno más de los inmensos placeres que nos ofrece el país, estemos orgullosos de ser mexicanos y disfrutemos al máximo.
 
Si requiere de mayor información, entre a la página:     www.festivaldelglobo.com.mx/
 
 
 
Analizan "El oficio del actor: entre el arte y ciencia"
 
Ø El español Borja Ruiz dio conferencia en la Feria del Libro Teatral 2013
 
Ø En el siglo XX se acrecentó la influencia recíproca de teatro y ciencia, dijo
 
Ø La aportación de Stanislavski: aplicar el método científico al arte escénico
 
En el segundo día de actividades de la Feria del Libro Teatral (FELIT), el farmacólogo y actor teatral español Borja Ruiz dictó la primera conferencia magistral del encuentro librero bajo el título El oficio del actor: entre el arte y la ciencia, en la que aseguró que desde la antigüedad ha existido una gran influencia entre el uno y la otra, y que en el siglo XX se acrecentó de manera especial.
En la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque del INBA, Borja Ruiz señaló que si miramos a los grandes maestros del arte de la actuación del siglo XX, desde Stanislavski a Eugenio Barba, observamos que muchas de sus teorías tuvieron una enorme influencia, a veces sutil, a veces determinante, del pensamiento científico de la época.
Más aún, expresó, en una curiosa paradoja, muchos de los científicos del siglo XXI, sobre todo en el ámbito de la neurociencia, ven en el oficio del actor un reflejo práctico de sus teorías más recientes, por lo que, dijo, explorar este seductor cruce de miradas resulta apasionante y fundamental para artistas e investigadores dedicados a documentar la historia, la teoría y la práctica del arte escénico.
Doctor en farmacia y posgraduado en teatro y artes escénicas por la Universidad  del País Vasco, Borja Ruiz comentó que las principales técnicas de enseñanza actoral en la actualidad parten de la puesta en práctica del método científico, es decir, de la investigación, la observación y comprobación, o no, de hipótesis.
En ese sentido, aseguró que la gran aportación del pedagogo teatral ruso Konstantin Stanislavski fue aplicar el método científico al arte actoral, sistematizando un método que partía de las emociones, dándole una estructura, una ética y una estética a un arte que desde la antigüedad ya estaba sentando sus bases.
Puso el ejemplo del actor griego Polux, quien en una ocasión interpretaba a Elektra al recibir en una urna las cenizas de su hijo. Polux, quien entonces había sufrido la muerte de su hijo, al realizar la escena, utilizó la urna con las cenizas de su vástago, a sabiendas de que con ello emergerían sus propias emociones y daría un mayor dramatismo a la ficción.
Casi dos mil quinientos años después, destacó Borja Ruiz, Stanislavski sistematizó, mediante el método científico, su técnica de enseñanza actoral a partir de las emociones y de la intuición del ser humano: “con ello pasó a la posteridad y Polux quedó en el olvido”.
De acuerdo con sus estudios, Borja Ruiz consideró que Stanislavski, con su método,  aportó cuatro puntos fundamentales para el arte teatral: una nueva concepción estética del teatro; un método de trabajo actoral basado en el rigor científico (ética de trabajo); la eficacia en la transmisión de su método a nuevas generaciones de actores (sistematización), y el aseguramiento de un conocimiento en cadena al hacer público sus métodos y técnicas de actuación.
El ponente, quien es  director de KABIA, un espacio de investigación escénica en su vertiente teórica y práctica, subrayó que las ideas del pedagogo ruso alimentaron nuevas aportaciones a lo largo del siglo XX, desde su discípulo Vsévold Meyerhold, pasando por Jerzy Grotowski y Eugenio Barba, hasta Lee Strasberg y exponentes del llamado teatro del cuerpo.
Todos ellos, dijo Borja Ruiz, han recurrido también al método científico y a las diversas investigaciones de hombres de ciencia, encontrando fuentes de conocimiento actoral en la neurociencia, la universalidad de las emociones y en estudios de la percepción de la realidad.
Finalmente, y parafraseando a un científico del siglo XX, Borja Ruiz coincidió: “Pienso que la ciencia debe humanizarse tanto como el teatro debe volverse más científico”.
La Feria del Libro Teatral, dedicada en su sexta edición a la titiritera recientemente fallecida Mireya Cueto, es organizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes, en colaboración con la Universidad Autónoma Metropolitana y la Revista Paso de Gato, y continúa sus actividades con presentaciones editoriales, mesas de trabajo, talleres, conferencias magistrales, lecturas dramatizadas, puestas en escena y conciertos, hasta el domingo 6 de octubre en el Centro Cultural del Bosque.

TEATRO. Estrenarán obra sobre transexualidad y arrepentimiento

  • Los Arrepentidos se presenta a partir del 7 de octubre
Cortesía de NotiEse, por Leonardo Bastida Aguilar
 
México DFoctubre 01 de 2013.

Una tarde, Marcus Lindeen entrevistaba en su programa de la Radio Nacional sueca a Mikael, un hombre que tras por un proceso de reasignación sexogenérica a los 50 años, se arrepiente y decide revertir el cambio, cuando recibió la llamada de Orlando, otro hombre que había pasado por lo mismo en la década de los 60. 

Esta experiencia provocó que Lindeen decidiera pactar una entrevista privada entre Mikael y Orlando para que compartieran su experiencia. El producto de este encuentro, presenciado por el comunicador y dramaturgo, fue la obra de teatro Los Arrepentidos, escrita a partir de este encuentro para mostrar que más allá de cualquier cosa o situación está lo humano. 

Al respecto, Lindeen, de visita en México con motivo del próximo estreno de la obra en el Teatro Helénico, primero fuera de un teatro europeo, comentó en conferencia de prensa que la representación profundiza, mediante el diálogo de Orlando y Mikael, en los motivos por los que ambos se arrepintieron de su decisión y los sentimientos desatados a partir de saberse diferente a lo que ellos mismos desean de sí. 

Conocedor de que el título puede causar polémica, el artista sueco comentó que si bien, el contenido de la obra no es el que muchas y muchos integrantes de la comunidad transexual quisieran ver en un escenario, explicó que en Europa la han visto muchas personas transgénero y transexuales y han observado que no hay una postura contraria a la diversidad sexual sino todo lo contrario, un retrato humano y reflexivo de dos integrantes de esta comunidad. 

Sobre este tema, Alejandro Calva, quien encarna a Mikael en la obra, comentó que ya hubo una función con el colectivo trans mexicano, en la que si bien en un principio se sugirió cambiar el título, tras observar la representación, estuvieron de acuerdo en que se llamara así porque era la esencia del drama. 

Para el actor, es muy importante que se monten este tipo de obras que intersectan y cuestionan temas como el género, la identidad y las preferencias sexuales; el ser hombre y el ser mujer en esta sociedad así como las determinaciones que esto implica ante los ojos de los demás. 

Sebastián Sánchez, director de Los Arrepentidos, celebró que este mes el Teatro Helénico permita que dos obras, cuyo contenido aborda temas de la diversidad sexual, encabecen la cartelera. En el caso de su proyecto, aseguró que lo más importante es darle un rostro humano al tema y hablar del arrepentimiento como algo válido. 

Sobre la posible presentación de la obra en otros escenarios, a partir de diciembre, mes en el que termina el proyecto en el teatro Helénico, sobre todo al interior de la República, el también productor, indicó que por el corte de la obra puede ser difícil presentarse en teatros de los gobiernos estatales, pero no descarta que se abran opciones en teatros alternativos, ya que el tema le interesa a mucha gente, principalmente a quienes desean ver otras cosas en el teatro. 

La actriz María Reneé Prudencio, traductora al español del texto, celebró la puesta en escena y que al fin el teatro haya abordado estos temas que en otras artes y disciplinas de estudios ha encontrado un gran empuje. 

Un corazón normal 

Aunada a esta obra se presenta Un corazón normal que narra la historia de Ned Weeks, un neoyorquino de los primeros años de la década de los 80 quien tras ver el problema social desatado ante la ignorancia sobre el sida, decide fundar junto con otros hombres una organización a favor de las personas que habían contraído el entonces mal llamado “cáncer rosa”. 

Los Arrepentidos se presenta en el Teatro Helénico, a partir del 7 de octubre, los lunes y martes a las 20:30 horas. Un corazón normal se estrena el viernes 11 de octubre en el mismo recinto. 

Homenaje a la Insigne actriz Maria Eugenia Rios este viernes 27 septiembre 2013, a las 18 hs.

Casa de la Cultura Juan Rulfo

Campana 59

Mixcoac D.F.

 

¡ Todos los amigos del Arte Teatral están invitados ¡

 

(Foto tomada en el homenaje a Marta Zamora)

Otra Vuelta de Tuerca
Zvi Ziman
Septiembre del 2013
 
De Henry James por Jeffrey Hatcher en traducción de Federico Campbel y dirección de Mauricio Jiménez con  Diana Fidelia y Tomás Rojas se presenta en el Foro Sor juana Ines de  la Cruz  en  Cultisur, al sur de la ciudad de Mexico  de jueves a domingo hasta el 27 de octubre.
Esta obra se ha presentado ya por varios años, la primera vez que la vi fue hace 5 años en el CCB, ahora le doy otra lectura, debido a que he tenido un mayor acercamiento al trabajo actoral activo.
Comienzan desnudos y se visten para interpretar a una joven institutriz  mientras el otro para ser varios personajes con cambios mínimos de vestuario y un gran trabajo para encarnarlos a lo largo de la historia donde un espacio obscuro y una silla juega un rol central.
Otro elemento que se aprovecha es una capa que sirve de falda, mientras el vestuario sobre todo de ella es de gran elegancia, aquí los cambios de luces juegan un rol central para llevarnos a un viaje a través de los personajes un trazo limpio y el aprovechamiento de un reducido Foro  donde al iniciar nadie puede entrar o salir.
Una historia donde los fantasmas, misterios y las posesiones juegan un rol central, ante un tío que  delega sus responsabilidades adquiridas que delega en una nodriza al llegar a los Naranjos conoce a los niños que por distintas circunstancias, los muertos así como la ama de llaves donde gracias a una biblia quitara la maldición y los secretos anquilosados.
En una obra donde el espacio vacío hace recaer en el  elenco  que con gran maestría de la Compañía EL Rinoceronte Enamorado resuelve en este y otros montajes, ante una historia de misterio con algún toque erótico.
 

ENTREGA DE PREMIOS A ESCENA A LO MEJOR DEL TEATRO EN
AGUASCALIENTES

Por Julieta Orduña

(socias APT)


La XI entrega de Premios A Escena estuvo dedicada este año al Conjunto Artístico de 
Drama y Comedia Hamlet por sus 80 años de trayectoria ininterrumpida; son ya más 
de 100 actores que han pisado las filas del Hamlet, algunos ya se nos adelantaron y 
otros como la familia Muñoz Alcalá siguen vigentes, dirigidos por el maestro Ambrosio 
Muñoz Alcalá, acompañado de sus hermanos: Enriqueta y Zenaido, al igual que por sus 
hijos, y otros actores y actrices que se han unido a este maravilloso grupo legendario y 
con gran tradición en Aguascalientes.
La comunidad teatral, familiares, amigos del grupo Hamlet y algunas autoridades 
se solidarizaron con esta gran fiesta y fueron parte del festejo de esta compañía 
octogenaria. Durante el evento se transmitió un reportaje de la vida del grupo desde
1905, cuando nació don Elías Rivera (fundador del grupo), hasta la actualidad, donde 
se señaló que la compañía sigue vigente presentando la obra  Sublime Venganza en 
pueblos, iglesias y espacios alternativos. Asimismo, subieron al escenario algunos
integrantes del Hamlet recibiendo el trofeo de manos de la mtra. Érika Ortiz, directora
del Centro Cultural Los Arquitos y del programa Alas y Raíces de Aguascalientes; unas 
emotivas palabras de la maestra, al igual que de Ambrosio Muñoz, agradeciendo el
homenaje a su grupo, y prometiendo que Hamlet seguirá por muchos años más.
También, como parte de este reconocimiento, se dieron dos fines de fiesta al estilo
Hamlet: uno de música,  dos tanditas de zarzuela a cargo de Cristina Macías (soprano)
y Rodolfo Llamas (tenor), acompañados por el pianista Jorge Díaz Zapata y, por otra 
parte, la danza, con una pieza flamenca a cargo de la bailaora Alejandra Imamura. 
También se dio la intervención de la lectura dramatizada:  Soliloquio de un actor,
autoría de Juan Manuel Bárcenas, y presentado por el promotor cultural Jaime Muñoz.
Con relación a la entrega de premios, fueron 29. La obra ganadora:  Los albañiles, 
de Vicente Leñero, dirección de José Claro Padilla, grupo Formación Actoral Al Trote. 
En la categoría de grupos de teatro: Ballere con  El juicio final en Danza-Teatro;  
Producciones Infrared con  El cadáver de la novia,  en Teatro Musical; el grupo de
Licenciados en Artes Escénicas con Subterráneos, Teatro Universitario; Teatro Bar con
Corazón de cabaret de La Carpa Ópera Teatro; Estudiantil con el grupo Rosa Guerrero
y la obra Bonanza, y en lo que respecta al Teatro Infantil, el ganador fue el proyecto 
de Alas y Raíces de Aguascalientes con la obra: El pozo de los mil demonios.
Los premios más esperados fueron Dirección: José Claro Padilla por  Los albañiles. 
Adaptación de texto: Rodrigo Torres  por Injusta omisión. Actor, Jorge Arenas por
Los albañiles. Actriz con trayectoria: María Marcucci por  Injusta omisión, y Anayeli 
Campos, Los albañiles.
Y las revelaciones que son tan comentadas en las redes sociales; en la categoría 
Dirección: Abdallah Téllez por  Bonanza y  Los fantasmas de Scrooge. Actor, Óscar
González, Los albañiles. Alejandra González, El cadáver de la novia.
Los premios especiales -además del grupo Hamlet- fueron para dos grupos:  Tranvía, 
que presenta la obra Dos vías, cuyo autor y director es José Guadalupe Domínguez, 
y que ha roto récord de más funciones en Aguascalientes: 700, así como el grupo de 
la Compañía Estatal de Danza por la obra: Pastorela Mexicana, dirección del maestro 
Jorge Campos y que cuenta con 10 años de funciones en el estado. El premio a la 
Producción se lo llevó: Brada, del grupo Belly Dance Gym.
Es importante destacar que también hubo premiaciones para los medios que apoyaron 
el teatro local en el 2012, y así se hizo patente el reconocimiento a los siguientes 
periodistas y  conductores: En prensa, El Heraldo de Aguascalientes, Hidrocálido y El
Sol del Centro: Mónica Quiroz, Araceli Cervantes y Javier Valdivia, respectivamente. 
En televisión, TV Azteca, con Sabrina Zamudio, por sus entrevistas, y Manuel Ruíz 
en Radio Grupo con su programa Lavando ajeno. En Internet, Jesús Ventura, con su 
canal Konecta TV. Dos empresas de medios de comunicación apoyaron a la difusión: 
La Jornada Aguascalientes con la cartelera teatral cada jueves, así como Radio y 
Televisión de Aguascalientes, difundiendo el teatro en su programa de noticias, con 
entrevistas y cápsulas.
Para finalizar, un agradecimiento especial a dos compañeros de A Escena: Alex Macías 
con su sección Ópera en radio, laborando desde 2006, y Maricarmen Figueroa, por su 
participación desde el 2007 en radio con la sección: El séptimo arte.
Gracias a todos los que contribuyeron para la realización de este aniversario en su 
onceava edición, y ya esperamos el siguiente con la expectativa de más propuestas 
teatrales, recomendando y esperando que no cese este arte, y que siga brillando por 
mucho tiempo esa luz llamada don Teatro.

Se estrenó en 1989, ¿sigue interesando?
Se estrenó en 1989, ¿sigue interesando?

Vimos Muerte Subita,

Se estrenó en el foro de Sylvia Pasquel, en la Condesa, dieron la patada inicial la joven actriz Daniela Luján y Benjamín Bernal (Presidente de la APT). 
Dijo Bernal: "Apostaron por una autora nacional, Sabina Berman, con un elenco de jóvenes entusiastas, la dirección es medida, sin excesos" si, como a todos nos constó, la escenografía es sencilla para reproducir un edificio decadente, vestuario sin grandes pretensiones, que más tarde escribiremos y describiremos con mayor amplitud.

El Elenco son Claudio Morales, María del Carmen Félix (la vi en Lab trece, con"Cuál es la mejor droga para mi") y Ricardo Ian. Dirige Aída Andrade.

 

Lo más importante de ésta primera función septembrina: este pequeño foro siempre sigue recibiendo excelentes montajes, sigue vivito y coleando desde hace varios años -otros languidecen o de plano cierran-

Foto: Laura Alicia Gutieterrez Serratos
Foto: Laura Alicia Gutieterrez Serratos
Foto: Laura Alicia Gutiérrez Serratos
Foto: Laura Alicia Gutiérrez Serratos

El Universal publica:

 

La obra ‘E-mail, La Cibercomedia' de Rafael Paniagua cumplió 13 años y más de mil representaciones.

 

Fue una celebración por el gusto de hacer teatro de calidad, una comedia que se escenifica ahora en el Foro "San Antonio" de Calzada México-Tacuba # 70, Colonia Tlaxpana.

 

La placa conmemorativa fue develada por los actores Humberto Dupeyrón y Marcelo Córdova, acompañados por la joven actriz Daniela Luján, además del escritor y periodista Benjamín Bernal, Presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales APT.

 

Esta puesta en escena nos hace reflexionar en cómo han evolucionado las relaciones sociales en el Siglo XXI mediante el uso de la tecnología moderna. Por medio de la comedia esta pieza demuestra cómo los seres humanos pueden resultar alienados -sin realmente quererlo-, al fantasear a través del monitor de una computadora.

 

La soledad - acompañada es una de las características de la vida contemporánea, caminando, trabajando y estando en medio de la gente, sentirse solo es muy frecuente. Por ello algunos que tienen acceso a estos aparatos de comunicación plasman en sus ordenadores sus deseos más íntimos y fabrican sus más álgidos sueños eróticos. En un universo determinado por ilusiones que se cristalizan en base con dos simples números, ceros y unos.

 

La homosexualidad se ve retratada de manera pícara pero divertida en ‘E-mail, La Cibercomedia', el grupo de actores que la integra logra entretener con verdadero profesionalismo. Los temas son de la vida cotidiana, tocados con humor nacional y exponiendo la doble moral del mexicano.

 

(Estan rescatando un excelente y elegante forito: gracias a los sacerdotes, el grupo y claro: al público que acude)

Foto: Alex Bernal
Foto: Alex Bernal
Foto: Alex Bernal
Foto: Alex Bernal
DR. FAUSTUS
Zvi Ziman
 
Con: Virginia Amarilla, Franghia Ballesteros, Ramón Barragán, Diana Delgado, Katharina Haveritch, Stephanie Janaina, Jimena Luna, Sara Montero y Ana Zavala/Monica Del Carmen. Dirección: Emilio García Wehbi & Maricel Alvarez.
Funciones: Teatro El Milagro, del jueves 29 de Agosto al domingo 1ro. de Septiembre; Teatro Ell Galeón del Centro Cultural del Bosque, INBA, dell jueves 12 al domingo 22 de Septiembre.
Uno de los personajes emblemáticos  de Goete, es este personaje, de esta nace el termino pacto Faustico, donde un hombre hará todo conquistar a su amada, además de los textos del propio autor aparecen  como Lars Von Tiers controvertido director de cine que este año presentara una película llamada Ninfómana.
Este performance se presenta narrado en gran parte en ingles, británico, ilumanada en gran medida por una lámpara y estos led´s que son prendidos y apagados de puro tacto de la manera más diversas jugando un rol esencial durante el mismo un juego donde la sensualidad, el desnudo y la pintura apoyan un excelente trabajo corporal  por parte de las actrices, prácticamente a espacio vacío salvo por un sillón y una mesa. Apoyándose en una proyección con diversas palabras que reflejan emociones y sentimientos.
Una invitación a la reinterpretación sobre un clásico donde el firmar con sangre cobra un nuevo significado atravez de un personaje que ya es paradigma.
Zvi Ziman
 
1 de septiembre 2013
El Lado B de la Materia
Zvi Ziman
 
Tendrá temporada del 29 de agosto al 1 de diciembre, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000). Funciones: Jueves y viernes/20:00 hrs., sábados/19:00 hrs. y domingos/18:00 hrs.
 
El elenco artístico lo conforman: Tania Ángeles Begún, Rodolfo Blanco Tapia, Adriana Florentina Butoi, Renan Dias Santos, Mónicca Gabriela Gómez Gómez, Bernardo Gamboa Suárez. Bajo la dirección de Alberto Villareal con apoyo de Alejandro Luna.
Poco antes de entrar ante el velo de misterio, que rodeaba la obra, nos comenzamos a preguntar ahora como nos sorprenderá, Alberto Villareal, al entrar nos dimos cuenta, que el público se sienta del lado donde normalmente está el actor, y algunos actúan en el área del públicos entre ellos un oso polar, a la orilla una bailarina y al frente un tipo con  un raro peinado y un chava con una guitarra, la sorpresa apenas comienza.
 
La historia, donde una asesina, un oso polar o un tiburón, por citar algunos se jun tan con la mierda, hablada en varios idiomas con toques de ópera, rápidos  y complejos diálogos dichos de un soplido, y con claridad llegando a la posesión de algunos.
 
Resulta  una rara e interesante mezcla, que al llegar a escena no paran de sorprender, temas como la recurrencia,  en los temas ciclos y en este caso sumándose la biblia en un conjunto te diálogos, donde el resto reaccionan sin hablar o monólogos que hacia el final se mezclan con las varas a telón cerrado, a nivel casi de suelo o el uso de seguidores.
 
La vida  en un juego que escena combinan la irreverencia, del propio director con un gran trabajo actoral, apta para quien no ve en el teatro fronteras y gusta de ser sorprendido.
 
Zvi Ziman
29 de agosto del 2013
LA INAUGURACIÓN
 
Eugenia Galeano Inclán
27 de agosto de 2013
 
 
Los gustos van cambiando con el tiempo, tanto los particulares como los colectivos.  Un adulto puede recordar que de niño le encantaba comer cierto dulce, pero si se diera el caso de verlo años después y volver a probarlo, es posible que ya no sea de su gusto.  En lo general, las personas se guían por las tendencias.  Por ejemplo, si un programa televisivo tiene suficiente audiencia -lo que conocemos por rating-, no imparta si a la minoría no le parece.  La televisora lo transmite y si no se tiene algo más interesante que ver, se termina viendo el programa con rating.  Es en esta forma que el éxito de algunos programas de televisión se basa en el número de personas que quiera verlos.  Este fenómeno debe haber llamado la atención de Václav Havel, toda vez, que sitúa su obra LA INAUGURACIÓN en un entorno mediático.
 
El político, escritor y dramaturgo checo Václav Havel, a quien la vida le brindó una oportunidad muy particular, pues cuando era el primer mandatario de su país ocurrió la transición, tocando a él ser el último presidente de Checoslovaquia y el primero de la República Checa.  Desde sus inicios como escritor Václav Havel se preocupó por aquellos que detentan el poder.  Su libro más conocido se intitula "Ël poder de los sin poder", mismo que está conformado por una serie de ensayos de carácter político, en donde Havel sostiene su propia teoría, en el sentido de que "el mundo dominado por la técnica debe evolucionar hacia otro en el que una revolución existencial dote de un contenido auténticamente humano a las nuevas estructuras políticas y sociales".  Esta teoría también se hace patente en LA INAUGURACIÓN
 
En LA INAUGURACIÓN se abordan temas muy diversos.  Se habla de publicidad, medios de comunicación, programas televisivos, tecnología de punta, subliminalidad, relaciones de pareja, paternidad, amistad, consumismo, status económico, etcétera.  La trama versa sobre un matrimonio que pretende ser perfecto en todos los aspectos.  La escenificación ocurre en un estudio televisivo de grabación.  Michael y Vera están en espera de Ferdinand, el mejor amigo de ambos.  Al llegar éste, le comentan que en realidad se trata de LA INAUGURACIÓN de su nueva casa.  Por momentos, parecieran unos nuevos ricos que disfrutan del dinero tan solo para gastarlo, sin saber ni en qué.  Quieren que Ferdinand preste atención a todos y cada uno de los detalles, el mobiliario, los adornos, la decoración.  Comienzan a agobiarlo.  Le ofrecen bocadillos de gusto exótico y hasta las copas son de original diseño.  Se jactan de sus éxitos en lo labora, lo económico y lo personal, llegando incluso a hablar de su vida íntima.  Se percibe que en realidad, sutil y veladamente están criticando a Ferdinand por no ser tan "perfecto" como ellos.  Lo contrastante es que también conocen la ternura, pero ésta sólo sale a flote cuando hablan de su pequeño hijo, Junior.  El amigo ya no sabe si quedarse o salir corriendo.  Si usted desea conocer en qué terminará esta peculiar reunión, tendrá que acudir a ver LAINAUGURACIÓN.
 
Para la puesta en escena de LA INAUGURACIÓN, David Psalmon y Alena Pavelková tradujeron el texto original.  David Psalmon tuvo que recurrir a su experiencia para lograr que el mismo espacio fuera la estancia de una casa y un estudio televisivo.   En cuanto a su dirección escénica, su labor es sobresaliente.  Da a la trama un toque fársico que no es excesivo ni limitado.  En forma acertada maneja los cambios de movimiento.  En forma continua va entrelazando la vertiginosidad que se requiere dentro de un estudio de grabación con la tranquilidad necesaria para anfitriones que quieren quedar bien.  Así mismo, supo indicar a sus actores la forma en que cada personaje debía ser personalizado.  La inclusión de vídeos congruentes y oportunos realza las cualidades visuales y estéticas.   La música brinda el entorno adecuado y coadyuva a marcar la diferencia entre los intermedios y el supuesto programa.
 
Las tres interpretaciones son dignas de alabanza.  Hernán Mendoza da vida a Michael, el hombre rico y poderoso, capaz de administrar su tiempo en forma ideal, cumplir con todos sus compromisos laborales y sociales, así como dar todas las comodidades y obsequios a su adorada mujer.  Nailea Norvind es Vera,  la mujer que sabe desenvolverse en cualquier medio, bella, de estilizada figura, elegantemente vestida, muy educada.  Además de esto, Nailea cuenta con una capacidad acrobática que varias actrices envidiarían.  Sergio Ramos es Ferdinand, el amigo a quien hacen sentir tan incómodo los anfitriones.  Sergio tiene una vis cómica natural y espontánea que provee el chispazo de humor que siempre resulta grato.
 
El equipo creativo está conformado por:  Gerardo Tagle - director de producción,  Aura Gómez Arreola - diseño de escenografía y de vestuario,  ´Daniel Hidalgo - música original y diseño sonoro,  Alma Gutiérrez - producción ejecutiva,   Daniel Ruíz y Primo Martínez - videoarte,  Sergio Felipe López Villegas - diseño de iluminación,  Lila Avilez - coreografía,  Arturo Duran - asesoría y realización de esculturas.
 
LA INAUGURACIÓN es un montaje realizado con talento y frescura por un muy buen equipo.  Teatro contemporáneo digno de verse.  Quien la vea disfrutará de la obra y la diversión le durará varios días.
 
LA INAUGURACIÓN
se presenta los
miércoles a las nueve de la noche en el
FORO SHAKESPEARE
Zamora N° 7
colonia Condesa
cerca del Metro Chapultepec
 
Su temporada concluirá el miércoles 30 de octubre de 2013
 
(Obra nominada hace dos años por la APT a Mejor Dirección)
BAÑOS ROMA
 
Eugenia Galeano Inclán
26 de agosto de 2013
 
 
Como parte de los festejos del vigésimo aniversario de TEATRO LÍNEA DE SOMBRA se programó una residencia en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque del INBA.  Para tal efecto, fueron seleccionadas dos obras:  AMARILLO, la cual forma parte de su repertorio  y  BAÑOS ROMA, estrenada dentro de este ciclo.  Para completar el programa y toda vez que una parte integral de TEATRO LÍNEA DE SOMBRA es la organización que lleva a cabo año con año del Encuentro Internacional de Escena Contemporánea denominado TRANSVERSALES, invitaron a la compañía rusa Akhe Group --Russian Engineering Theater--, con la obra POOKH Y PRAKH.
 
TEATRO LÍNEA DE SOMBRA fue fundada en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, en 1993, pero al año siguiente fincó su sede en la ciudad de México al año siguiente.  Desde su inicio el objetivo principal fue convocar a creadores escénicos, investigadores y pedagogos, así como a actores, músicos, escenógrafos, artistas visuales, expertos en la elaboración de videos y practicantes de cualquier otra disciplina que pudiera resultar afín.  En sus instalaciones de Coyoacán se encuentra su centro de investigación, tanto para el aspecto creativo como para el escénico y ahí también es donde también es donde se imparten clases, cursos y talleres.  Otro de sus objetivos relevantes es explorar el quehacer teatral contemporáneo y diseñar mecanismos que permitan el conocimiento y el intercambio con las creaciones escénicas nacionales e internacionales.  Básicamente trabajan con dramaturgias nuevas, investigando, explorando y experimentando alternativas escénicas hasta lograr el resultado que visualizan.
 
Entre sus trabajos más comentados y reconocidos podrían citarse El CensorGalería de Moribundos, La mujer de antes y Amarillo.  Recientemente incursionaron también en el área de producción, al producir la obra Mujeres soñaron caballos, escrita y dirigida por Daniel Veronese.
 
El fundador y director artístico de TEATRO LÍNEA DE SOMBRA es Jorge A. Vargas, hombre talentoso, creativo y de mente abierta.  Comenzó estudiando teatro en México, para luego continuar sus estudios en Europa, es egresado de la École de Mime Corporel Dramatique, en Francia.   Es curioso, pero al principio no contemplaba la idea de ser director.  Las cosas se fueron dando y algo que marcaría su destino artístico fue un trabajo que realizó junto con Rogelio Luévano, para el cual Jorge se dio a la tarea de explorar la forma de unir el realismo que acostumbraba Luévano con el teatro que a Jorge le apasiona y que se fundamenta en la realidad física del actor.  Otra de sus influencias es Étienne Decroux, quien tiende a escenificar la visión política.  A partir del momento en que decidió dedicarse de lleno a sus propias creaciones, Jorge ha destacado por alejarse de lugares comunes.  Sus propuestas no son de teatro convencional sino de teatro interdisciplinario, en donde la corporalidad ocupa lugar preponderante, sin descuidar el entorno escénico y visual.  Sus escenografías son tan sencillas como naturales, pero, sin lugar a dudas, originales.  Su trayectoria es amplia y ha desarrollado un estilo propio que caracteriza su teatro.  Además de su labor teatral, Jorge A. Vargas es un orgulloso mexicano, nacido en Durango, a quien preocupa todo lo que pasa en el país y también le inquieta lo que sucede en el norte.  Sus dos trabajos más recientes se refieren a Ciudad Juárez (Amarillo  y BAÑOS ROMA). 
 
BAÑOS ROMA está conformada por tres temas distintos.  Es una especie de homenaje a José Ángel "Mantequilla" Nápoles, un boxeador que obtuvo el título de campeón mundial de peso welter y, en su momento, fue considerado entre los mejores del mundo.  El segundo tema es la vida en Ciudad Juárez, Chihuahua, mientras que el tercero es el impune asesinato de mujeres en aquella ciudad.  En virtud de que en TEATRO LÍNEA DE SOMBRA se apuesta por la exploración y el desarrollo de sus integrantes, por lo general, sus proyectos son de creación colectiva, siempre conducidos, revisados y dirigidos por Jorge A. Vargas.  En BAÑOS ROMA se da el caso de que los tres temas quedan totalmente amalgamados, relacionándose unos con otros, lo cual produce una continuidad precisa. 
 
A través de una dramaturgia estructurada se atrapa la atención del espectador al relatar diversos aspectos de la vida del famoso púgil, incluyendo fragmentos del cuento La noche de Mantequilla de la autoría de Julio Cortázar, escritor argentino, así como anécdotas no sólo de la época de gloria de Nápoles, sino de la triste realidad que vive hoy en día, ya mayor, con enfermedades y aquejado del implacable e intermitente Alzheimer que le hace olvidar el nombre de su esposa (Bertha Navarro), a quien prefiere llamar "hermosura" o "mi reinita" .  Se tocan algunos de los recuerdos del otrora campeón desde su niñez en Cuba y cosas que pocos conocen, como por ejemplo, su gusto por la música y los puros.  El tema fue tratado con respeto, en forma entretenida y con gratos tintes de humor.  De hecho, el ex-boxeador fue invitado por la producción a ver BAÑOS ROMA y salió encantado.  En cuanto a Ciudad Juárez, Chihuahua, lugar donde vive Nápoles desde hace dos décadas, se hace referencia a sus calles, sus comercios, sus bares o, mejor dicho, barras, como allá les llaman e incluso, los proyectos de urbanización que se tienen a futuro.  El título deBAÑOS ROMA  proviene de unos Baños que realmente existen en aquella ciudad, en cuyo edificio se encontraba el gimnasio donde solía entrenar "Mantequilla".  La violencia contra la mujer es retratada escénicamente a través de un baile, durante el cual el asesinato se sugiere sutilmente.  Previo a esto, dos actrices/bailarinas harán una semblanza de baile de tubo en unos "punching bags", de los que utilizan los boxeadores para entrenar sus golpes.
 
La concepción de BAÑOS ROMA es de Eduardo Bernal y de Jorge A Vargas, mientras que la creación es de Teatro Línea de Sombra, Zuadd Atala, Alejandra Antígona González, Jorge León, Alicia Laguna y Malcom Vargas, quienes también se apropian de la escena con su presencia escénica y extraordinaria corporalidad.  Los textos son responsabilidad de Gabriel Contreras, Jorge A. Vargas, con un extracto de Prometeo, de Rodrigo García, y Teatro Línea de Sombra.      La música ocupa un lugar preponderante en el montaje deBAÑOS ROMA. para coadyuvar a proveer el entorno requerido en cada cuadro. El diseño sonoro y la música original son creación de Jorge Verdín.  Para la escenografía, les basta con unas mesas, un televisor de circuito cerrado y diversos elementos alusivos a los diversos cuadros que se representan y que irán apareciendo en forma estratégica y casi imperceptible.  También se incluye una gran pantalla. Los encargados de imagen y video son Marina España y Malcom Vargas.  El cantante es Jesús Cuevas.  Participa con una breve aparición el grupo musical Centauros Olimpo.
 
La labor de dirección escénica por parte de Jorge A. Vargas resulta impecable, con un ritmo bien planeado y exacto. Fabiola Mata funge como asistente de dirección.
 
BAÑOS ROMA brinda la oportunidad de ver una propuesta alternativa de teatro de calidad realizado con creatividad, talento, ingenio y esfuerzo.  Una puesta en escena visualmente estético para dar a conocer detalles de la vida de José Ángel "Mantequilla" Nápoles, así como dar un vistazo a la realidad que se vive actualmente en Ciudad Juárez, y una reflexión sobre las mujeres que han sido asesinadas por aquellos lares.
 
Para ver BAÑOS ROMA habrá de apresurarse, pues su temporada termina el domingo 1° de septiembre.
 
 
BAÑOS ROMA
se presenta
jueves 29 de agosto  y  viernes 30 de agosto  a las ocho de la noche
sábado 31 de agosto  a las siete de la noche   y
domingo 1° de septiembre  a las seis de la tarde
en el
TEATRO JULIO CASTILLO
Centro Cultural del Bosque
--atrás del Auditorio Nacional / frente al Campo Marte
La entrada del público es por una puerta lateral del Teatro Julio Castillo
Notable soprano
Notable soprano

Las cartas de Frida

Zvi Ziman

 

Teatro de Ciudad del 23 al 25 de Agosto
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón mejor conocida como Frida Kahlo, al igual que su Diego Rivera, no solo compartieron, su pasión por el arte y por México o el comunismo, ambos tenían sangre judía, en el caso de Frida su padre Guillermo Kahlo, esta obra ha tenido varias temporadas, la más reciente en el Teatro de la Ciudad “Esperanza  Iris” con textos de la propia protagonista interpretada por Catalina  Pereda,  apoyada por un gran elenco y equipo creativo, y la orquesta en vivo.
Las cartas fueron encontrados en su baño abierto años después de su muerte por órdenes de Diego Rivera, en estas un conjunto de emociones y testimonios escritos sobre su vida y viajes a Nueva York y París, en la función se vende un excelente cd con un librito con las letras mismo que es auténticamente de colección.
Frida fue una mujer icono del feminismo, de lucha, que en su adolescencia tuvo un accidente que le marco,  para ser una luchadora, siendo su última aparición en una cama, se habla de sus relaciones con Trotsky y la fotógrafa italiana Tina Modotti que compartió con Diego.
Mal hablada y franca amante de la vestimenta tradicional como  como el usar pantalón o el gusto por el licor, junto con los dos matrimonios con Diego, sus separaciones y la relación con la elite cultural nacional de la época, los exiliados españoles, rusos y judíos así como  el conflicto con el otrora partido comunista que provoco que ella y Diego lo dejaron al no compartir las ideas de Stalin, sin olvidar el tabaquismo marcaron a una mujer  cuyo reconocimiento como pintora algo tardía aunque ella dijo que solo dibujaba, sus cartas revelaron otra faceta, como poetisa y escritora.
En la misma representación, el gusto por los monos también en escena, los pericos, en una 
escenografía formada básicamente por grandes cantidades de papel que sirven de pantalla, o en el suelo para diversos usos, una tina así como la silla de ruedas que marco su vida,  dicen que al abrir el baño las esporas causaron daños temporales a quien lo abrió, posterior  lo cual  Jesusa Rodríguez y Clarisa Malheriros  junto con la Marcela Rodríguez crearon esta ópera de Toilet que ya se presentó en la UNAM así  como en Alemania donde se estrenó.
Además del accidente que le impuso su corse  que plasmo en una pintura como varias que 
aparecen en la puesta padeció de polio, a pesar de ello una mujer de lucha y ejemplo para las presentes.
En la misma  una especie de marioneta con una altura como de dos metros, se ven con frecuencia al papel que ya mencione como un personaje propio , aunque sin duda la propia Frida.
Una propuesta escénica, con toques performaticos-operisticos-humoristicos. Que es altamente recomendable.
Zvi Ziman
24 de agosto del 2013

La Sangre y los Fantasmas

Zvi Ziman


 De Javier Malpica, dirección: Rodolfo Guerrero con Christian Cortez, Sofía Sylwin, Hasam Díaz, Sara Pinet y Abraham Jurado. La escenografía e iluminación es de Martha Benítez, el diseño de vestuario es de Lissete Barrios y el diseño sonoro de Hasam Díaz. 31 de agosto al 17 de noviembre Teatro el Granero CCB.

 

Uno de los temas más complejos, en la adolescencia son embarazos, y el cómo se trata para llegar a diversos públicos,  en lo particular a los adolescentes, en esta caso los personajes son cinco donde uno de  ellos es encerrado, sin celular y computadora, su madre no sabe su condición, y sus amigos en un ambiente gótico conformado por sillones rojos que van moviendo para crear los tiempos y espacios.

 

Con la influencia de la literatura vampírica, un novio y la obra de Bodas de Sangre, donde uno de sus amigos participa, el bulling , la nueva familia conformada por sus amigos, y una cierta homofobia,  están presentes.
Los mitos sobre el embarazo basado en el caso de la familia del director, en un tono de comedia chusca, sátira social, leyendas urbanas, envuelven está historia, que paradójicamente podría llegar a cada generación en diferente forma.

 

Una forma reflexiva de humor.

24 de agosto del 2013

BEAUTY FREE
 
Eugenia Galeano Inclán
23 de agosto de 2013
 
 
La fascinación que ejerce la mitología griega sobre la humanidad ha trascendido a través de años y continúa siendo fuente de inspiración para los autores contemporáneos.  David Hevia, reconocido director teatral, hace algún tiempo desarrolló su versión de Medea mediante Play Medea.   Ahora, le toca el turno a Helena de Troya, icono de la belleza femenina.  En forma paradójica, intitula su obra BEAUTY FREE, cuyo significado en nuestro idioma sería libre de belleza.
 
Para su propuesta escénica, David concibe una mezcla entre una sala de espera de un aeropuerto y una tienda de las denominadas duty free (libre de impuestos), quizá para reafirmar su juego de palabras y conectarlo con el título BEAUTY FREE.  La tienda también es representativa del consumismo que se vive, de la búsqueda de tener un status económico envidiable, de "comprar" glamour o de que el materialismo prevalece sobre la condición humana.  Aun cuando la ubicación exacta de la terminal aérea no se determina, por los caracteres arábigos que se ven, tiene que ser un lugar del medio oriente, tal vez podría tratarse de Siria, país que actualmente se encuentra en pleno conflicto bélico.
 
En virtud de que David Hevia basa su versión en Helena de Eurípides y no en el mito original, Helena queda eximida de toda responsabilidad por la guerra de Troya.  La Helena que nos presenta David es una mujer actual, vestida a la moda, pero preocupada por lo que ha dejado atrás en su vida, sobre todo, por lo que pudiera haber sucedido a su hija Hermione, con la sensación de haber sido utilizada, traicionada y, peor aún, separada de su esposo, a quien continúa amando, con la ilusión de un reencuentro.  De algún modo, David desmitifica a Helena, al hacerla más humana. 
 
La dramaturgia de David Hevia es de buena estructura y mantiene el interés de principio a fin.    Además de la belleza de Helena y sus vicisitudes personales, alude al choque de culturas que prevalece en todo el orbe  y a las diversas influencias que el ser humano recibe para comportarse de tal o cual manera, así como a la neurosis que provoca el tratar de lograr una identidad propia y la posibilidad de ejercer el libre albedrío, sin dejar de lado las pasiones que despiertan el amor y el desamor.  La labor de dirección por parte de David, es fluida, con atinado aprovechamiento del espacio escénico, sin embargo, en ocasiones los cuadros parecen prolongarse más de lo debido y esa lentitud provoca distracciones en el espectador.
 
Para BEAUTY FREE, Sergio Villegas diseñó una escenografía visualmente espectacular y plena de glamour.  Así mismo, Sergio es el responsable de la iluminación y del vestuario, todo lo cual fue diseñado en forma muy acertada.
 
Pedro de Tavira Egurrola es el encargado de la escenofonía y Efraín Pérez Alvarez funge como asistente de dirección.
 
El elenco está conformado por Marina de Tavira, quien además de su natural belleza aporta su talento y amplia experiencia para dar vida a la moderna Helena.  A manera de coro, si nombres asignados, participan Silvia Carusillo y Diana Sedano, ambas con buen desempeño actoral y de expresión corporal.  En la parte masculina: Carlos Orozco, Miguel Cooper, Pedro de Tavira Egurrola  y  Miguel Angel López.  De entre ellos, destaca Carlos Orozco en su interpretación de Teucro, Pedro de Tavira Egurrola  y  Miguel Angel López (Teoclímeno) cumplen con su labor, mientras que Miguel Cooper presenta diversos altibajos en su caracterización de Menelao.
 
BEAUTY FREE es una puesta en escena de calidad, con muy buen elenco.  Una grata forma de revisitar la mitología griega desde una perspectiva muy distinta a la original.  Teatro mexicano realizado con talento.
 
 
BEAUTY FREE
se presenta
viernes a las siete y media de la noche
sábados a las siete de la noche     y
domingos a las seis de la tarde
en el
TEATRO SANTA CATARINA
frente al Jardín de Santa Catarina
en Coyoacán
Su temporada es del 22 de agosto al 27 de octubre de 2013
 
Las localidades tienen un costo de $150.00
Descuentos del 50% a estudiantes, UNAM, INAPAM y jubilados del ISSSTE e IMSS,
al presentar su credencial
*  Jueves de $30.00
**   El domingo 15 de septiembre NO habrá función
 
La duración de la obra es de dos horas con veinte minutos
 
 

Beauty Free (Helena)

Por Zvi Ziman


En el teatro Santa Catarina se estrena, este montaje bajo la dirección de David Hevia, estará de jueves a domingo hasta el 27 de octubre en los horarios de costumbre.
Basada en el texto de Euripides nos lleva a la sala de espera en un aeropuerto actual las 
mercancías, en un Egipto que ahora igual de convulso busca su camino, los personajes se 
encuentran años después de la guerra de Troya, donde aparece en un rol central la pitonisa, hija y esposa del Faraón, todos con una vestimenta muy contemporánea. Mientras otras aquella propio del islam mas observante.
Los hechos, nos narran el después, con alguna mención al conocido caballo que entro en aquella ciudad ahora Turquía, varios actores hacen mas de un rol, una Helena, que en muchos sentidos es figurativa, su esposo y otros personajes  hacen un rol determinante.
Mencionan el termono griego barbaro que noes mas que extranjero, y me viene a la mente el caso del ex asesor de cia que estuvo semanas en el aeropuerto de Moscú y ahora recibe asilo, es sin duda una obra que nos hace ver que la historia no cambia, además de la relación HelenaHelenicos.
Resulta una interesante apuesta escénica. 
Zvi Ziman

 

Partir el Pan

 

Zvi Ziman


Sala Javier Villaurrutua de jueves a domingo en el CCB, hasta el 14 de septiembre, en los horarios de costumbre, los jueves a 30 pesos.
Donde estan las fronteras entre el teatro y el testimonial, en sentido estricto , toda obra es un testimonio de vida, lucha, algunas de exilios, forzados por la circunstancia com el caso que no cuenta esta obra que ha tenido ya varias temporadas,  su protagonista Hebe Roselle  judeocatolica, forzada a huir de natal Argentina, pasando por España y Francia nos cuenta su vida, la historia  de sus padres.
En escenario se ve en un caballete con al  pintura de su padre y en la mesa algunos objetos  adicionales,  se apoya bajo la dirección de Hugo Arrevillaga y los textos de la filosofa, Maria Zambrano, la interprete es actriz, cantante y compositora.
Además de  haber conocido junto con sus padres a Pablo Neruda o Atahualpa Yupanki es una luchadora social, fiel a sus ideas como las de sus propios padres, fue miembro de los montoneros razón por la cual huyo de Argentina.
Mas que un monologo, desnuda su alma y su vida, una lección de vida y ejemplo a seguir dentro y fuera del escenario.
Zvi Ziman

 
 
LAS CARTAS DE FRIDA
 
Eugenia Galeano Inclán
23 de agosto de 2013
 
 
En el año de 2004 se descubrió que dentro del baño de la casa que habitaron Frida Kahlo y Diego Rivera, conocida como la Casa Azul de Coyoacán, lo que Diego había decidido conservar al fallecimiento de su esposa.  Entre una serie de vestidos, enseres, cosméticos, morfina, se encontraron un diario y cartas de Frida Kahlo. Las cartas originadas en Nueva York, París y Coyoacán podrían dividirse en dos clasificaciones: las de índole personal son aquellas de puño y letra por Frida, mientras que las formales son las mecanografiadas.
 
Este hallazgo motivó a .Marcela Rodríguez a tomar el tema de las cartas para escribir una ópera .  Marcela Rodríguez inició su carrera como guitarrista para luego dedicarse de lleno a la composición, bajo la premisa de que por este medio podría desarrollar mucho mejor su creatividad.  Entre sus óperas más conocidas se encuentran La Sunamita,  Séneca o todo nos es ajeno  y  Bola Negra..  
 
Para  LAS CARTAS DE FRIDA, Marcela Rodríguez seleccionó textos y los musicalizó, en forma tal que los textos provenientes de la propia Frida son el hilo conductor de la propuesta.  Para el montaje tuvo el acierto de convocar a Jesusa Rodríguez y a Clarissa Malheiros, ambas muy conocidas en el medio teatral.  Jesusa y Clarissa formando una excelente mancuerna plena de imaginación, optaron por ubicar la escena justo en la tina de Frida y es por ello que las creadoras la denominan ópera de toilette (baño), en lugar de llamarle ópera de cámara que sería el género que le corresponde.
 
Las palabras que Frida hizo constar en su correspondencia, no sólo se pueden leer en sus cartas magnificadas en escena, sino también escuchar a través de la entonada voz de Catalina Pereda.  Una puesta escénica de gran espectacularidad, en la que se utilizan no pocos metros de papel y en donde están presentes en forma alegórica los changos, los judas y las calacas, inherentes a la personalidad de la pintora, además de su arraigada devoción por México, así como la recreación de algunas de sus máximas obras, como por ejemplo, Las dos Fridas, estableciéndose un sincretismo entre el minimalismo y el posmodernismo, en un entorno musical en donde suena la trompeta y retumban las percusiones además de otros instrumentos.
 
Al lado de la cantante Catalina Pereda, quien interpreta a una Frida muy joven y vital, aparecen en escena los actores Carlos Brown, Roldán Ramírez y Natyeli Flores.  El Director Concertador Christian Gohmer, al mando del ensamble de música contemporánea Tempus Fugit.
 
LAS CARTAS DE FRIDA es visual y musicalmente algo fuera de lo común.   Procure no perdérsela porque sólo estará en exhibición tres días.
 
LAS CARTAS DE FRIDA
se presenta
viernes 23 de agosto, a las ocho y media de la noche
sábado 24 de agosto, a las siete de la noche    y
domingo 25 de agosto, a las seis de la tarde
en el
TEATRO DE LA CIUDAD ESPERANZA IRIS
Donceles N° 38
Centro Histórico
> cerca del Metro Allende
Localidades de 98 a 197 pesos
50% de descuento a estudiantes, maestros, militares e INAPAM
 
 
MAL
 
Eugenia Galeano Inclán
21 de agosto de 2013
 
 
 
Cuando tenemos conocimiento de que hay una guerra en algún país del mundo, o bien, que está por iniciarse un conflicto, no podemos sino preocuparnos y compadecer a la pobre gente que habrá de padecer. Sabemos que no sólo sufrirán quienes están en combate, sino la población civil.  Tendrán que ubicar refugios, inevitablemente habrá carencia de alimentos, agua y todo tipo de artículos en general, además del riesgo de que ellos mismos o algún familiar resulte herido y, en el peor de los casos, quienes paguen con su vida por un asunto bélico en el que no tienen nada que ver.  En nuestro propio país se vive una lucha contra el narcotráfico y día con día nos enteramos de las frías cifras que nos indican el número de muertes que han acaecido a la fecha.  Todo esto es cruel y preocupante.  Sin embargo, por nuestra naturaleza, nos resulta más impactante cuando la crueldad atañe a una familia, quizá porque consideramos ésta como uno de los valores más grandes que tenemos.
 
En efecto, si a través de los periódicos o la televisión escuchamos noticias respecto de un joven que mató a sus padres o a sus abuelos, o de que un padre violó a alguno de sus hijos, el desazón que sentimos es supremo y nos es imposible encontrar una explicación y menos aún una justificación.  Hace algún tiempo, se supo de un caso ocurrido en Amstetten, una pequeña ciudad de Austria: un técnico electricista llamado Josef Fritzi secuestró a Elizabeth, su propia hija.  Para ello, se dio a la tarea de construir un sótano, cuatro metros abajo de su casa, mismo que iluminó con luz fluorescente.  Esta prisión constaba de tres dormitorios y un baño. El escaso mobiliario incluía un televisor.
 
Es inconcebible que Josef haya planeado el secuestro, construido y adaptado las habitaciones sin sentir el menor remordimiento.  Según él, se había enamorado de su hija y su mayor ilusión era estar con ella para siempre, sin que Elizabeth tuviera posibilidad de ver a nadie más.  Así que tomó la decisión de alejarla del mundo.  En alguna parte de su mente enferma es casi seguro que sabía que lo que hacía estaba mal, pero no esto no fue impedimento para concretar sus planes.  La pobre joven ni siquiera tenía una ventana por donde pudiera ver un solo rayo de sol o el transitar cotidiano de la gente.  Para el momento en que dio inicio su encierro, Elizabeth tenía diecisiete años de edad.  Josef la mantuvo enclaustrada veinticuatro largos años, durante los cuales Elizabeth dio a luz a siete hijos de Josef.
 
El despiadado técnico consideró que no existía mejor escondite que la rutina, así que continuó con lo que acostumbraba hacer diariamente en forma normal.  Lamentablemente, el tiempo le dio la razón porque nadie sospechó jamás que algo anormal ocurría en el subsuelo de su casa.  Se limitó a denunciar la desaparición de Elizabeth ante las autoridades y la búsqueda transcurrió sin éxito.  Cuando por fin optó por liberarla, Elizabeth contaba con cuarenta y dos años, pero su apariencia era la de una mujer de, por lo menos, setenta años.
 
Edén Coronado quedó muy impresionado con esta historia y decidió llevarla a escena a modo de reflexión.  Dejando de lado los aspectos filosóficos, teológicos, morales y de criminalística, se enfocó exclusivamente en el aspecto humano. La investigación que hizo de los personajes lo llevó a tal punto que es probable que produzca una trilogía sobre el mal. 
 
Edén forma parte de Teatro El Rinoceronte Enamorado, una compañía que reside en San Luis Potosí, con una trayectoria de dieciocho años de actividad ininterrumpida. A la fecha tienen su propio teatro y MAL viene a ser el décimo segundo montaje de la agrupación.
 
Edén Coronado elaboró una dramaturgia sencilla quizá considerando que una imagen habla más que mil palabras.  No se aventuró a narrar la historia completa sino que, a manera de prólogo, expone los hechos que acontecieron.  En momentos estratégicos de MAL incluye textos de José María Pérez Gay, Caryl Churchil, José Saramago, Pico della Mirandola y Alexander Sukorov.  Si bien la narrativa de Edén se queda un poco corta en cuanto a los breves diálogos que intercambian los protagonistas Josef y Elizabeth, esto queda compensado con su labor como director.  El montaje es verdaderamente impactante.  En forma acertada creó a un personaje adicional que por momentos pudiera considerarse como un alter ego, pero que en realidad encarna al MAL en su máxima potencia, es decir, el demonio mismo. 
 
Edén imparte un ritmo escénico preciso y supo inculcar en sus actores los sentimientos que él quería ver reflejados en la puesta teatral.  Para representar al padre, convocó a Mauricio Jiménez -uno de los más reconocidos directores escénicos que hay en México-, en tanto que para la hija, llamó a Karina Díaz -joven actriz, a quien recordamos en "Dinosaurios"-.  El Diablo corre a cargo de Jesús Coronado, otro miembro de Teatro El Rinoceronte Enamorado.
 
Las interpretaciones que nos ofrecen los tres actores son más que convincentes.  Mauricio da vida a Josef Fritzi, no como un demente sino como un hombre profundamente enamorado que lo único que desea es tener a su lado a Elizabeth, mucho más allá del bien y del mal, sin que nada ni nadie pueda cambiar su pensamiento.   Karina nos ofrece a una Elizabeth abatida por la impotencia, la desolación y el infortunio.  Jesús aporta personalidad y energía para representar al Diablo, llevando sobre sí la carga de ser quien enuncia los textos más preponderantes.  La labor actoral y de expresión corporal de los tres es digna de encomio.
 
El diseño escenográfico y de iluminación de Gabriel Pascal fue realizado en forma ingeniosa y atinada, logrando ubicar a los personajes dentro de una auténtica mazmorra en penumbras.  La construcción de la escenografía fue encomendada a Gerardo Prado Torres.  El montaje está ambientado por música original de Darío Parga para dar el entorno propicio.  El vestuario fue diseñado por Angustias Lucio en forma muy adecuada para los personajes.
 
En síntesis, un montaje digno de verse, teatro de calidad logrado por un gran equipo.   Si usted quiere adentrarse en este caso tan deleznable, en donde una jovencita fue privada de su libertad y de sus derechos, condenada a vivir casi un cuarto de siglo bajo el dominio de su padre, sin ver a nadie más, sin sentir el calor del sol, pariendo a sus hijos con dolor y sin asistencia médica, tendrá que acudir al Teatro El Milagro.  Apresúrese porque la temporada es muy corta y sólo quedan tres funciones más.  Otra sugerencia es llegar muy temprano, toda vez que el cupo se limita a treinta espectadores por función.
 
 
MAL
se presenta
el lunes 26 de agosto,
el martes 27 de agosto   y
el miércoles 28 de agosto
a las ocho y media de la noche.
en el
TEATRO EL MILAGRO
Milán N° 24
entre lucerna y General Prim
colonia Juárez
> cerca de las Estaciones del Metrobús  Hamburgo  y  Reforma
> más o menos cerca de la Estación Hidalgo del Metro

Hombre tenía que ser
Por Mariana Jano


Una mujer se prepara para ir a trabajar. Suena el teléfono, 
responde y se queda hablando largamente, ve el reloj, 
cuelga y se sigue alistando. Vuelve a sonar el teléfono ¿otra 
conferencia? ¿Pero es que esta mujer no tiene prisa?
No parece deprimida y sin embargo dicen que lo está. 

 

No parece solitaria y sin embargo así lo hace sentir ¿qué 
Hombre tenía que ser, es una tragicomedia donde a la 
protagonista le falta autoestima, luce un tanto solitaria y se 
queja entre la risa y el llanto de problemas mayores.

 

Es también el reflejo de la mujer que depende económica 
y psicológicamente de alguien,  que además  necesita 
revalorarse y enfrentar la vida.

 

La primera actriz Thelma Dorantes es la autora de esta obra 
que se ha presentado con diferentes elencos y va ya para las 
mil representaciones.

 

¿Su último lugar? La Carpa Geodésica.
Thelma Dorantes en el papel de Marcia da una 
actuación matizada y completa y su público le responde 
magníficamente. La acompaña en el reparto Mario Ochoa, 
músico profesional, que en esta ocasión juega y canta con sencillez y versatilidad.

Hombre tenía que ser mantiene despreocupado al espectador quien no pide más que

divertirse.

Mai-Sho-Gaku

 

Mariana Jano


He aquí un lienzo de arte vivo, un espectáculo 
multidisciplinario de danza y música japonesa que nos 
cuenta cómo un joven monje pretende purificar su 
Tiene que luchar con todos los estados de ánimo que se 
le atraviesan: odio, nostalgia, furia, miedo… Lo cobijan la 
música en vivo de fuertes tambores, la danza tradicional del 
Japón Kabuki Buyo y la Butoh y la expresión escrita.


Ma (danza) Sho (caligrafía) Gaku (música), trazos de fuego, 
es un gran viaje que estimula al espectador a conocer 
más sobre tierras lejanas donde dos bailarines sin duda lo 
marcarán con su danza.

 

El ambiente en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, en el 
Centro Cultural Universitario, se torna íntimo, un santuario 
lo enmarca, hay humo y una invitación a entrar a una 
experiencia espiritual y legendaria bajo la autoría y 
dirección de la primera creadora Irene Akiko.

 

El trabajo es exhaustivo, no sería correcto no mencionar 
por lo menos a parte del elenco: Irene Akiko, Arturo Tamés, 
Alejandro Méndez, Nahoko Kobayashi y Víctor Báez.
Arduo trabajo que nos permite purificar y guiar hacia cargas 
positivas, negativas y asociadas con aspectos psicológicos 
en donde fusiones y cambios ocurren a cada momento.

 

Es muy breve el tiempo que estará en cartelera, apenas 
hasta el 25 de agosto. No se la pierda.

Lo oriental está de moda
Lo oriental está de moda
Mai-Sho-Gaku
Trazos de  fuego
 
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
 
Agosto 9 del 2013
Este espectáculo multidisciplinario de danza, música y caligrafía japonesa de la autora y director Irene Akiko con Irene Akiko como elemental del Agua y Fude, Arturo Tamés como Elemental del fuego y Sumi, Yolox Medina Bonzo (calígrafo), Alejandro Méndez como Fujín (músico), Nahoko Kobayashi Raijin (músico) y Víctor Báez Kuroko  tendrá temporada del 8 al 25 de agosto en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz los jueves y viernes a las 20.00 horas, sábados a las 19.00 y domingos a las 18.00 horas.
Una de las referencias en la cultura México-Japón es Irene Akiko, ella es autora y directora de este show que se traduce  como trazos de fuego, algunos de los elementos presentes en es la caligrafía, que junto con el teatro y/o danza japonesa y sonidos e instrumentos de México y Japón nos llevan a un viaje visual y auditivo al interior de un monje que busca lidiar con su interior.
La fuerte presencia de percusiones y los vestuario representan a las dedidades de los elementos, base comunicante entre las culturas mexicanas y aquella aún viva del México de las culturas precolombinas, este programa de mano nos ayudará ya que incluye algunos términos usados en la obra.
Este performance resulta a pesar de su complejidad altamente relajante para el público y en un oasis de paz, siguiendo la tendencia actual en las artes escénicas en el camino de la fusión y el encuentro.
 
 
Ícaro corta temporada con Daniele Finzi Pasca
 
Zvi Ziman
Agosto 9 del 2013
 
En el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” se presenta los jueves y viernes a las 20.30 horas, sábados 13.00 y 19.00 horas, domingos a las 13.00 y 18.00 horas en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” en Donceles 36, a una calle de la estación Allende.
En la mitología Ícaro nos refiere a personaje cuyo padre le pegó con cera las alas hechas de plumas para poder salir del laberinto, cayendo cuando el sol calentó la cera, al suelo.
Cuántos laberintos estaos encerrados todo el tiempo, nos ponemos las alas y volvemos a caer, algunos para siempre y otros para volvernos a parar y tratar de nuevo.
Esta obra fue escrita en condiciones extremas cuando el dramaturgo estuvo en la cárcel, por oponerse a entrar al ejército, con más de 700 funciones, se puede decir que es un eterno work in progress que se ha puesto constantemente en diversas lenguas.
Comienza con un prólogo chusco de esta obra nacida para un actor y espectador, en un constante rompimiento de la cuarta pared.
Un espectáculo bastante inusual y divertido que acontece en un cuarto de hospital, con un estilo de clown bastante peculiar.
La historia se sigue desarrollando en un sueño donde la libertad, el deseo de salir, involucra al público y en lo particular a una de las personas cuyo rol es más activo.
En el juego de las emociones es un sueño, donde la libertad es el deseo, esperanza, sin duda algo distinto y sencillo.
 
Fresco como una lechuga
Fresco como una lechuga
LA LECHUGA
 
Eugenia Galeano Inclán
1° de agosto fe 2013
 
 
 
En esta época en que la gente ha tomado conciencia de la contaminación y de los daños que provocan químicos, lo naturista es lo más socorrido.  La tendencia general es elegir alimentos naturales en lugar de aquellos que han sido tratados, conservados o enlatados.  Conforme a este fuerte movimiento, cualquier persona que vea dentro de la cartelera teatral LA LECHUGA podría pensar que se trata de algo con tema ecológico, pero no es así.  El tema central versa sobre un infortunado hombre que al someterse a una cirugía ocular para eliminar cataratas, su organismo no pudo soportar la anestesia administrada.  A consecuencia de esto, queda en estado vegetativo.  Dado que no puede moverse ni hablar, sus familiares comienzan a considerarlo un vegetal y lo asemejan a una lechuga.
 
A través de un texto interesante, el autor César Sierra, joven de origen venezolano, nos narra la historia de LA LECHUGA.  El hombre tiene tres hijos, quienes viven bastante alejados entre sí.  Durante el año no se visitan y prácticamente no se hablan, pero a partir del accidente médico de su padre, mantienen la tradición de reunirse en el día de su cumpleaños con el pretexto de "celebrarlo", siendo la verdadera razón el saber cómo se encuentran y qué han hecho en los meses previos a la reunión.
 
Los hijos son:  Víctor (Miguel Conde),  Virginia (Alexis de Anda)  y  Vinicio (José Ramón Berganza).  Virginia está casada con Héctor (Juan Martín Jáuregui), joven argentino residente en México, funcionario de un instituto de Cultura, a quien aún le cuesta trabajo entender la idiosincrasia del mexicano, mientras que Dora (Paola Galina) es la esposa de Víctor.  El discapacitado siempre ha vivido con Virginia y Héctor, pero por el tiempo transcurrido, a ellos les parece injusto que Víctor y Vinicio se hayan desentendido del problema.  Cansados de la situación y considerando que la obligación debería dividirse a partes iguales entre los hijos, han tomado la determinación de ver cuál de los dos hermanos de Virginia  los releve del esmerado cuidado y cotidiana atención requeridos por el paciente.  Hay que tomar en cuenta que desde la cirugía han transcurrido nueve largos años.
 
En esta historia no hay villanos ni víctimas.  No se puede odiar a alguno ni reprochar a otro.  Cada uno de los miembros de la familia tiene sus motivos y razones, todos válidos y comprensibles.  Son seres humanos normales, con virtudes y defectos.
 
La escenificación se lleva a cabo precisamente el día del cumpleaños del padre.  Los primeros en llegar a la casa paterna son Víctor y Dora. Tras las compras de último momento,  aparecerá Virginia;  luego su esposo y, por último, Vinicio.  De pronto, en lo que parece una reunión familiar común y corriente, la daga del sarcasmo se hará presente.  Con un lenguaje plagado de humor ácido, unos a otros se dirán "sus verdades", a raíz de resentimientos ocultos o inconfesables, no sólo contra los demás sino contra sí mismos.  El caso es que el destino ha marcado este día como la fecha límite para adoptar las medidas a aplicarse para poder brindar al padre las mejores condiciones posibles.
 
Así como las críticas verbales van surgiendo, las preguntas también emergerán.  ¿Quién se encargará del padre enfermo?,  ¿con cuál de sus hijos vivirá el resto de sus días?,  ¿habrán de turnárselo por períodos?,  ¿quién asumirá los gastos?, y otras más.   Si usted desea saber cómo resolverá el problema esta familia, usted tiene que asistir a la representación de LA LECHUGA.  Igual y hasta tiene suerte de que le compartan una rebanada del delicioso pastel de cumpleaños.  En todo caso, no se arrepentirá, se divertirá a más no poder por la forma en que se maneja la trágica situación.
 
El texto de César Sierra es de buena estructura.  Hace que el interés del espectador vaya creciendo minuto a minuto.  La idiosincrasia de los personajes está perfectamente delineada.  La dirección a cargo de Sebastián Sánchez Amunategui es fluida.  El movimiento escénico es constante, con buen ritmo  y  bien distribuido.  Uno de sus mejores aciertos es el aprovechamiento total del foro, mismo que, por ser una casa antigua en la colonia Hipódromo Condesa le permite hacer posible a los personajes detalles como tocar el timbre, o bien, cerrar la puerta al salir.  Para denotar la presencia del padre, su habitación situada en el piso superior se mantiene iluminada. Isaías Martínez asume la iluminación utilizando también la existente en la casa, aplicando sólo alguno que otro oscuro para marcar tiempos.  Isaías funge asimismo como asistente de dirección.  La coreografía corre a cargo de Ruby Tagle, quien la imparte aplicando su reconocida experiencia.
 
LA LECHUGA cuenta con música original que se escucha en forma de grabación en momentos precisos de la trama.  La letra y melodía son de la autoría de Emmanuel Laboriel, quien además participa cantando y tocando la Guitarra, del Bajo se encarga Abraham Laboriel y de los Teclados, Abraham Barrera. La melódica voz es de Muriel Ricard. La producción general fue encomendada  a Claudia Aline González.
 
Todos los integrantes del elenco son jóvenes comprometidos en su labor actoral que se han adentrado en las particularidades de los miembros de la peculiar familia y, por ende, ofrecen interpretaciones convincentes, destacando, desde luego, Miguel Conde, uno de los mejores actores de las nuevas generaciones, polifacético por naturaleza, con experiencia, talento y sensibilidad de sobra para dar vida al personaje que le toque en turno en forma siempre atinada.  La temporada inicial de LA LECHUGA concluía en el mes de junio, pero al ver que continúan teniendo público, decidieron prorrogarla sin determinar hasta cuando.
 
 
 
 
LA LECHUGA
 se presenta los sábados a las nueve de la noche
y los domingos a las ocho y media de la noche  en
UN TEATRO
Nuevo León N° 46
colonia Hipódromo Condesa (frente a Parque España)
NOTICIAS DEL IMPERIO
 
Eugenia Galeano Inclán
8 de agosto de 2013
 
 
El reconocido escritor Fernando del Paso, para crear NOTICIAS DEL IMPERIO realizó una investigación meticulosa de la historia, a fin de proponer su propia visión, apegada a los hechos, de lo que él supone sentía y pensaba la Emperatriz Carlota.  Con base en este bien documentado texto se presenta actualmente en nuestra ciudad la obra teatral homónima.
 
NOTICIAS DEL IMPERIO es básicamente un recuento detallado de lo que vivió Carlota a partir de su designación como Emperatriz de México, al lado de su esposo Maximiliano de Habsburgo.  Una mujer nacida en Bélgica, entre sábanas de seda, con una riqueza que le permitiría vivir sin preocupación económica alguna, destinada a ser de la realeza y a codearse con mandatarios o reyes.  Carlota llega a México profundamente enamorada de Maximiliano -un amor tan grande que la llevaría hasta la locura-, ávida de experiencias nuevas, considerando el nombramiento de emperadores de un país desconocido como la gran aventura de su vida. 
 
En primera persona, Carlota narra pasajes de sus vivencias, en forma no cronológica, igual se refiere a su presente que comparte algún recuerdo del pasado.  Poco a poco hará un recuento de hechos relevantes, comentará su fascinación por la fauna y flora de nuestro país, su frustración ante ciertos rechazos por parte de los mexicanos, su enojo por las injusticias, su resentimiento por las mentiras y supuestas infidelidades del hombre al que ama, su coraje al escuchar que a Maximiliano se le llama "el usurpador".  Expresa su impotencia de no poder hacer algo cuando se entera de que su marido será fusilado. Rememora sus vanos intentos por obtener apoyo para evitar el trágico fin de Maximiliano. 
 
A través de su narración va dejando sus sentimientos al desnudo, se va revelando a una Carlota totalmente humanizada, una mujer que sufre su implacable destino.  Admiraba tanto a Maximiliano que se refería a él como "Emperador de México y Rey del Universo".   Mantiene la esperanza de recibir un paquete que le traiga NOTICIAS DEL IMPERIO y "un pedazo de su corazón"Se sabe que por haber sobrevivido a Maximiliano por muchísimos años, la locura de Carlota la llevó a ya no saber en qué tiempo vivía y a menudo confundía lo que recordaba con lo que imaginaba.  Su mente enferma, por un lado, la condenaba a no poder sostener conversaciones coherentes, mientras que, por el otro lado, quizá alivianaba la pena de haber sufrido tanto y de haber perdido al único amor de su vida.
 
Un recorrido nostálgico de los emperadores a lo largo y ancho de nuestro país, en donde se descubrirán cosas que no son comúnmente conocidas, como que aquel condenado a ser fusilado solía dar tres monedas de plata a cada uno de los integrantes del pelotón de fusilamiento, además de otorgarles el perdón, o bien, que a uno de dichos integrantes los altos mandos le entregaban un fusil con balas de salva, a modo que ninguno de ellos supiera quién había disparado la bala que cortaba la vida del fusilado.  Así mismo, el escuchar los comentarios de Carlota -como extranjera- reconociendo los "tesoros" de México, los mexicanos debemos tomar mayor conciencia sobre el beneficio de tener chocolate, mango, aguacate, chiles verdes, cebolla, tomate o chupamirtos.
 
Una historia entrañable que es llevada a escena por la compañía queretana Atabal Creación Artística, A.C., bajo la dirección impecable de Mauricio Jiménez, con solo dos personas en escena:  Ana Bertha Cruces (Carlota)  y  Ricardo Leal Velasco (el Guardavías).  Ambos actores ofrecen inolvidables interpretaciones.  Cabe hacer notar que Ricardo Leal Velasco, además de su laboral actoral, interpreta en vivo diversos instrumentos musicales.  Para constancia del absoluto compromiso del equipo hacia este proyecto, basta saber que la adaptación fue realizada en forma colectiva por el actor, la actriz y el director.
 
La hermosa escenografía consistente en una majestuosa estructura de madera es obra de Fernando Flores, quien también se encargó de la iluminación.  La Asesoría Musical fue brindada por Marta García Renart.  Por su parte, Javier Rivas asumió el diseño de vestuario y la elaboración del títere y de la máscara.  El vestuario fue confeccionado por Leticia Méndez.  Labor de todos ellos acertada y consistente con el proyecto.
 
Un relato histórico narrado en forma vívida que nadie debería perderse.  Teatro de alta calidad cuidado en todos sus aspectos.  Si usted quiere verla, tendrá que apresurarse, en virtud de que la corta temporada que presentan en nuestra ciudad está por terminar el miércoles de la próxima semana.
 
NOTICIAS DEL IMPERIO
se presenta los lunes, martes y miércoles
a las ocho y media de la noche en el
TEATRO EL MILAGRO
Milán N° 24
entre lucerna y General Prim
colonia Juárez
> cerca de las Estaciones del Metrobús  Hamburgo  y  Reforma
> más o menos cerca de la Estación Hidalgo del Metro
Zvi Ziman
 
Agosto 7 del 2013
 
Proyecto Siberia
Investigación escénica sobre la novela Crimen y Castigo de Fiódor Dostoievski, bajo la dirección de Mariana García Franco
Con las actuaciones de Gisela García Trigos, Marco Norzagaray,  Edson Martínez, Valentina Martínez Gallardo, Daniel Meza y Adrián Román se presenta esta obra en el foro La Gruta del Centro Cultural del Bosque todos los martes a las 20.30 horas  hasta el 22 de octubre.
Siberia en una región de Rusia, es una de las partes más frías de este Federación, donde por muchos años fue una prisión para presos políticos, muchos de ellos sujetos a trabajos forzados.
Por su parte la directora ha tenido un experiencia escénica interesante con el grupo “El regreso de Ulises”, montó una tetralogía algo atípica en el sótano de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y después en el Milagro.
Parte del elenco de esta obra ya participó con ella en dichos montajes, algunos otros con Shanti en uno igual de peculiar llamado, Dios Mío que estuvo en la colección de Teatro Alternativo el  año pasado, teniendo una breve temporada.
Si de por sí la literatura rusa es compleja al ser llevada y adaptada en este espacio una gran tela cubre el escenario con música en vivo, al inicio los actores acompañan distintos espacios, extrañamente vestidos.
Una fila de ropa al centro y cruzando se ve un cierto trazo de las obras anteriores en esta Siberia, es tan conjunto de elementos físicos, emociones, hechos y recuerdos, una obra donde el vestirse y desvestirse es por decir lo menos inusual mientras un texto nos remite con alegorías a esta tierra de nieve, conocida por el tren transiberiano.
Una historia sobre la protagonista de crimen y castigo cuenta su historia con ayuda de una especie de coro, así como de los hijos de ésta.
Francés, ruso y español conviven con el discreto y acertado uso del video, el término más acercado sería una paráfrasis escénica que ha estado en el teatro El Galeón entre otros foros.
Reflexión escénica sobre la libertad, el preguntarse ¿quién soy?, ¿qué hago?, ¿soy libre?, la puesta inquietante que no te puedes perder.
Lugar donde estuvo el autor como prisionero, marcándole y ahora transmite esta puesta en escena.
 
La lista un texto de Jennifer Tremblay, dirección Alaciel Molas con Mahalat Sánchez
 
Zvi Ziman
Agosto 6 del 2013
 
Con temporada del 5 de agosto al 3 de septiembre se presenta este unipersonal en la Sala Xavier Villaurrutia.
Cuántas veces hacemos listas de nuestra vida pendientes a plazos determinados o indeterminados buscando fijar  y cumplirlo.
En la personal, como hábito, hago estas listas tratando de cumplir las metas y los plazos.
La protagonista lo lleva al extremo para llenar su vacío existencial, cuestionándose sus acciones.
Comienza con una voz en off, donde su vida, lista y emociones se reflejen.
El juego del reflejo en un espejo se torna en más que una simple acción en  una búsqueda interna, una ama de casa atormentada aparece la relación con una vecina.
Se muestra un grado obsesivo de orden que no solo se refleja en la lista.  Ella se acaba de mudar con su familia a un pueblo envuelta en una sociedad machista.
A través de la voz de la protagonista  la vida de ella, el pueblo y sus habitantes, su propia familia, acciones internas pequeñas, aparecen mientras reúne fragmentos de vida, por estar un ejemplo un mantel que lo delata, se torna en personajes, jugando con las sombras.
Esta obra demuestra el gran talento tanto de la directora como la actriz que nos llevan en un tono bajo, la crónica de las soledades de dos mujeres y sus vidas.
Una invitación a la reflexión de la vida de cada uno.
 
 
 
El Mago de Oz, el musical con la producción musical de Gerry Bermúdez, guión de Oscar Ortiz de Pinedo
 
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
agosto 5 del 2013
 
Con las actuaciones de Natalia Sosa como La Bruja  Malvada del Oeste, Valeria Vera como Bruja buena del Sur, Ferry Graciano como Doroty, Kintaró Mori como espantapájaros, Efraín Berry  como  Hombre de hojalata, Jesús Falcón como león, junto con una producción de 20 actores en escena, se presenta en El Teatro López Tarso del Centro Cultural San Angel en Av. Revolución s/n Esq. Francisco y Madero, Col. San Angel con funciones a las 16.00 y las 18.00 horas los domingos 11 y 18 de julio.
Uno de los clásicos por ya varios años es esta historia donde Dorothy y Dodo llegan desde su natal Kansas a Oz, la única forma que tiene para regresar a su casa es recorrer el camino amarillo después de haber matado a la bruja mala y tomar sus mágicos zapatos.
La historia ampliamente conocida donde se conocerá al león, leñador así como al espantapájaros, combatirá a la bruja y sus huestes.
En realidad el Mago de Oz fue escrita por Frank Baum, va mucho más allá de la canción sobre el arcoíris, es un camino y modelo puesta de manera críptica, dos valores el corazón, el valor y el cerebro son en realidad  una búsqueda del e1uilibro y el desarrollo, las pruebas nos remiten al campo del héroe, resalta la labor en equipo que por cierto después de la función comentaron que pusieron la obra en tan solo dos semanas lo cual nos parece un trabajo increíble debido tanto a la preparación física donde el baile y la música están involucrados, así como el trabajo escénico de una puesta con sus dificultades.
A esta versión si bien faltan elementos como Toto o el tradicional tema sobre arco iris, marca una interesante variable no solo aborda temas presentes y sátira social o los temas musicales, el uso del video.
Comienza cuando Dorothy llega a una nueva secundaria donde confronta ciertas circunstancias, conociendo a ciertas personas, llega a Oz donde la secundaria aplasta a la bruja no faltan algunas bromas sobre la producción o algunas de corte Brechtiano, es decir el rompimiento de la ficción.
El gran mérito de este montaje se montó en dos semanas, donde la improvisación durante la función les permitió salir avante de pequeñas circunstancias, misma que comenzó tarde, lo cual no impidió un teatro bastante lleno, quedando aún cuatro funciones.
El mensaje en la última escena nos habla de una necesidad de unirse para resolver problemas con la cooperación de todos en lugar de dividirse, un esfuerzo que vale la pena, seguro con las puestas irán limando algunas cositas que solo el trabajar una obra puede dar.
 
 
 
Verdad como puños con la dirección de Ernesto Collado, textos, generación e interpretación Generación 2009/2013
 
Por Zvi Ziman
Agosto 5 del 2013
 
Se presenta en La Corrala del Mitote del Centro Cultural del Bosque de jueves a domingo a las 13.00 horas entrada libre del 1 al 11 de agosto, solo es necesario pedir sus boletos en la taquilla.
Una propuesta extraña e irreverente que comienza a burlarse, mientras en el mismo conocemos algunas historias de los propios intérpretes, el uso de letreros permite un apoyo extra y esencial.
El inicio el personaje nos dice que  quieren que sea él, cuando él quiere ser una chica almodovar.
Se mezcla una especie de lotería gigante, no sé hasta qué  punto es autobiográfico en cuanto a la vida de ellos.
Cachitos de la cotidianeidad con sonidos de la Ciudad de México.
Continúa en este extraño performance donde todo puede pasar en escena, de la tragedia a la comedia o el drama, explora todas las emociones, un peculiar montaje.
Reconozco el trabajo de estas generaciones cuyo trabajo es de gran calidad, se ve el amor por el teatro sobre todo cuando se enfrentan a retos como estos.
Estos son los actores que requerimos aquellos que entregan su vida buscando seguir con trabajos cada vez más atrevidos.
Zvi Ziman
Agosto 5 del 2013
 
 

45 minutos de Diván o  de Como el tiempo  es Caro

 

Por Zvi Ziman

 

Dirección Abril Lara con Carmín Flores y Amaranta Getino dentro del ciclo Opera Prima se presenta en el Foro la Gruta  los miércoles a las 20:30 horas

Uno de los tópicos mas comunes es el decir, fui al psicólogo o psicoanalista esta historia aborda, la historia de tres mujeres, en un ágil y donde las sillas juegan mas de un rol, comienza con varios rompimientos de la cuarta pared en una forma  por decir lo menos estridente y divertida.

En el foro la gruta el doctor es representado por un reloj y una percha que se va llenando de cosas incluyendo las bolsas de la actrices, donde sale cada cosa, que no para la acción en escena, los diálogos intercalados o separados,  aunque separados donde.

Se cuentan tres historias, que tienen en común un alto nivel de erotismo, en las palabras e historias que en escena cobran un cierto grado de erotismo, sugerido, si se define como teatro será correcto en lo personal lo veo como un divertimento escénico, con un grado de critica social.

El espacio casi vacío permite un alto desempeño de las dos actrices y los personajes que  representan: El Pirómano de  Jaime Chabaud, Cirugía Emocional de Elena Guiochins y Los Ángeles y el Paraíso de David Olguín.

Sin duda una obra para pasar un buen rato en compañía donde nos podemos burlar de nosotros mismos.

Zvi Ziman

Todos los tonos y registros histriónicos
Todos los tonos y registros histriónicos

12 hombres en pugna


Por Mariana Jano


Todo ocurre en Nueva York, dentro de una sala de jurados de la corte de justicia. Corre el año de 1957 cuando un joven de 16 años es acusado de asesinar a su violento padre. 
Doce hombres deliberan sobre su inocencia o culpabilidad. 


Si es declarado culpable será ejecutado en la silla eléctrica. Al parecer todos votaron rápido y están convencidos sobre su decisión, pero el 12avo lucha desde su asiento para que 
se dicte una sentencia justa y los jurados no voten por otras cuestiones, como el irse a ver el partido de esa tarde porque consiguió un par de boletos…

 

12 hombres en pugna es sin duda una obra vigente y muestra el individualismo de los individuos que sólo se preocupan por sus propias necesidades ¿podrá una 
reflexión a tiempo hacerlos cambiar?

 

La obra está basada en un hecho real que le ocurrió al propio autor estadunidense Reginald Rose (¡920-2002) y es notable que su versión cinematográfica dirigida por Sidney
Lumet obtuvo 4 nominaciones a los premios Oscar de la Academia.

 

José Solé, el director quien garantiza calidad, tomó en esta ocasión su varita y dirigió el drama en tono de comedia, con lo que acentuando algunos chistes y sin cambiar el texto 
provocó gran aceptación entre el público, que rio y rio a sus anchas. El día del merecidísimo homenaje a Gustavo Rojo,  el público aplaudió de pie la obra. La lección del director, sin 
duda resulta memorable.

 

La obra que produjo también Jorge Ortiz de Pinedo con grandes actores como Ignacio López Tarso en el 2008, no desmerece ahora con el nuevo elenco, no sólo porque es
de gran calidad y trayectoria sino porque está pensado también para el nuevo tono de la obra, en el actúan Pedro Sicard, Dario Ripoll, Héctor Suárez, Roberto Blandón, Luis 
Fernando Peña, Roberto Ballesteros, Fernando Ciangherotti, Fernando Becerril, Gustavo Rojo, Juan Ignacio Aranda, Darío T. Pié, Carlos de la Mota, Felipe Macías y Oscar Ortiz de 
Pinedo.

 

12 hombres en pugna, invita a cambiar lo superficial por lo profundo, lo intrascendente por lo trascendente dejando algo más que una sonrisa en el camino. Si usted vive en la 
ciudad véala porque pronto se va de gira.

Los Conjurados

Zvi Ziman


Dramaturgia y Dirección David Olguín con alumnos salientes del CUT, Teatro el Milagro, Esta obra se presentó , los sábados y domingos en el foro antes mencionado, parece que tendrán funciones esté fin de semana los a las 13 y 18 horas.
Comienza un poco caótico cuando tres jóvenes después de varios intentos de cruzar un muro donde suelen recurrir en sueños, se menciona una explosión misma que al apostre sabemos su historia, uno de ellos inicia un viaje en el tiempo y el espacio, donde una mosca juega un rol central entre otros personajes como Lenin, algunos aparecen más que otros como Andy warhol, extraños roqueros, granaderos y acotaciones o un cangrejo.
Todo parte en las años 20´s en Alemania donde el dadaísmo y el comunismo parten con 
personajes claves tomando distintos caminos, otro personaje es un muro que gracias a sus puertas y manipulación, nos lleva por cerca de 2 horas a un conjunto de realidades como una clínica del IMSS, café dada, o el interior de una ballena o la propia ballena  misma que juega un rol central.
Es una obra algo rebuscada, el manejo de muebles así como las constante salida y entrada de sillas y mesas y su maltrato, con el tiempo los tres primeros personajes se reencuentran a medias de igual forma la primera acotación que no para hasta cierto momento, algunas bromas para teatreros no pueden faltar.
Los rápidos cambios de personajes en algunos casos  o el movimiento constate entre juegos de palabras con giros bastante peculiares, ritmos y tonos de hablar por no decir acentos, esta obra demuestra la gran capacidad y talento para llevar una exigente puesta  en escena.
De gran calidad no apta para quienes, gusta del teatro convencional.

Salomé

Zvi Ziman


Dramaturgia. Oscar Wilde, Dirección Mauricio Lozano, elenco: Irene Azuela, José Sefami, 
Aída López, Leonardo Ortizgris, Américo del Río, Fernando Memije, Daniel Haddad, Adonay 
Guadarrama, Harding Junior, José Carriedo y Héctor Berzunza.  Teatro helénico  jueves a domingo.
Esta obra lleva el nombre de la caprichosa hija de Herodías esposa de Herodes, ella juega un rol de amante-enemiga del profeta Jokanaán, que conoce en el calabozo ubicado en las afueras del palacio cuyo espacio semi-circular nos remite a la antigua Judea.
Ella se enamora de él y buscara que la oportunidad, que ante la negación del profeta al besarla acepta bailar para su padrastro, después de muchos ruegos ante la oposición de su madre que después la apoya ante la petición de la cabeza de ese hombre encerrado que tanto la ha vilipendiado. 
Es una obra, que nos lleva a cualquier época, ya que el vestuario es en gran medida, de fashión o aristocrático, con actitudes que no pasa de época,  hay escenas muy bien logradas como la decapitación del profeta, un elenco de gran trayectoria que muestra lo suyo en las tablas.

Otro elemento que no puede faltar es la sangre,  que baila al ritmo de la sensualidad del baile de Salome con tambores en vivo y las profecías, es una buena adaptación al considerar que el escenario no es móvil, dando más valor a la actuación  de cada personaje.
Una versión muy amigable para conocer  la historia aun presente donde papi o mami hacen lo que sea por su hijo o hija aunque en el caso de salome lo obtuvo de su forma peculiar.

 

 

SALOMÉ
 
 
Eugenia Galeano Inclán
27 de julio de 2013
 
 
 
Cada vez que en la literatura, el cine, el teatro o la ópera se aborda una historia de conocimiento común, la expectativa se limita a la forma en que se hace la representación.  El hecho de eludir el interés que pudiera provocar no saber cuál es el final hace que quien se aboca a esta tarea corra un riesgo adicional a los que conlleva cualquier proyecto. Es difícil que alguien salga airoso de esta prueba.  Si el receptor de la información conoce los detalles y hasta sabe en qué terminará, podría optar por no adquirir el libro o no acudir al foro, o bien, si elige lo contrario, quizá asista con el prejuicio de que no le será ofrecida novedad alguna.
 
Mauricio García Lozano no sólo sale airoso sino que se anota un gran éxito en su carrera al decidir llevar a escena su visión particular de SALOMÉ, cuyo texto es de la autoría de Oscar Wilde, con base en la historia bíblica de Juan el Bautista.  A pesar de su juventud, la trayectoria de Mauricio es amplia y sus trabajos le han valido el reconocimiento general.  Es un director que sin alarde ha ido escalando peldaño a peldaño para llegar a la cumbre.  Gracias a su talento y a la vasta experiencia acumulada, logra aplicar sus conocimientos para presentar una SALOMÉ que los espectadores jamás podrán olvidar y que lo hará trascender como lo que es: uno de los mejores directores del país.
 
En su poética, Mauricio crear un puente que atraviesa espacio y tiempo para llevar al espectador al momento mismo de la acción y ver los hechos en forma directa cual si fuera testigo presencial.  Es factible que algún anciano diga"a mí me gustaban más las radionovelas que las telenovelas porque podía yo imaginarme a los personajes en lugar de verlos", lo cierto es que esto podría ser dicho antes de ver la versión de Mauricio García Lozano, considerando que él nos presenta una perspectiva que supera en todo sentido la imaginación de cualquier persona que hubiera leído el pasaje de Juan el Bautista en la Biblia.
 
La impecable labor de dirección de Mauricio García Lozano logra conjuntar en SALOMÉ la narración de un texto interesante, un ritmo escénico preciso y constante, así como interpretaciones entrañables por parte de su elenco.  Para este proyecto, el propio Mauricio realizó la traducción y la adaptación de la historia original de Wilde.  Así mismo, supo elegir en forma atinada a los actores, para quienes definió las características de cada uno de los personajes y la actitud que debían mostrar.  Dicen que para muestra basta un botón, por ejemplo, lo que desea proyectarse en  la escena del baile de Salomé (Irene Azuela) es sensualidad, por lo cual se deja de lado una coreografía complicada o rítmica.  En síntesis, una máquina con un engranaje perfectamente diseñado y concretado que funciona de maravilla.
 
En un solo acto se dan a conocer los sentimientos íntimos de los participantes en esta tragedia.   La pasional atracción que siente SALOMÉ, princesa de Judea, por Jokanáan (Juan el Bautista).  Los deseos ocultos que provoca Salomé en Herodes, su tío y padrastro.  La velada envidia que Herodías experimenta a causa de la juventud y belleza de su hija Salomé.  Se despliegan los sentimientos encontrados que surgen entre lo que se debe hacer y lo que no.
 
La escenografía a cargo de Jorge Ballina es elegante, práctica y funcional.  Bello diseño que evoca a Judea, a la vez que permite plena visibilidad al espectador y facilita el movimiento actoral.  Ingrid Sac, encargada de la iluminación, utiliza ésta en forma acertada para dar énfasis a momentos culminantes y cierta penumbra a aquellos de tensión o reflexión.  La música cuya concepción es de Pablo Chemor, sirve para crear un entorno particular en beneficio del montaje.  El vestuario atemporal, pero acorde a la idiosincrasia de los personajes fue diseñada con gran tino por Mario Martín.
 
Los protagonistas de SALOMÉ son José Sefami (Herodes), Aída López (Herodías), Irene Azuela (Salomé), Leonardo Ortizgris (Jokanáan), quienes refrendan la calidad de sus interpretaciones anteriores con un extraordinario trabajo. Complementan el elenco:  Américo del Río, Daniel Haddad, Harding Junior, Fernando Memije, Alexander Holtmann, Adonay Gaudarrama y José Carriedo.  Cabe hacer mención que la labor actoral de todos ellos destaca en sus diversos aspectos: corporalidad, intención, dicción y expresión facial.
 
SALOMÉ es una puesta en escena que nadie debe perderse.  Sin duda alguna un extraordinario trabajo de un gran equipo.  Un proyecto surgido de la inteligencia, del talento, de la trayectoria y de la sensibilidad de Mauricio García Lozano.  Teatro con una calidad de tal magnitud que enorgullece no sólo a quienes intervienen en SALOMÉ sino a todos los mexicanos.  Corra a comprar sus boletos.
 
 
SALOMÉ se presenta en el TEATRO HELÉNICO
del Centro Cultural Helénico,
ubicado en Avenida Revolución N° 1500
colonia Guadalupe Inn
- cerca del Metro Barranca del Muerto
 
Los viernes a las 8:30 P.M.,  los  sábados a las 6:00 P.M.  y  a las 8:30 P.M.,  y
los domingos a las 6:00 P.M.
 
La temporada es del 26 de julio al 22 de septiembre de 2013
 
 La duración de SALOMÉ es de aproximadamente ochenta minutos

Ruleta Rusa

Zvi Ziman


Todos los sábados y domingos en el Trolebús Doble Vida 8:00pm de Lola Arias Con Nora del Cueto, Sofía Espinosa y David Psalmon  bajo la dirección Max Zunino.
La ruleta rusa es un “juego” en el cuál se pone un sola bala  en la pistola pudiéndole tocar 
a cualquiera, que participe, sirve de pretexto para este juego donde en primera instancia 
conocemos a la primera pareja del exótico profesor que atrae a alguna alumna.
En esta primera pareja es escritora, no con mucho éxito económico, que cuida al hijo de la pareja, es una conversación telefónica muy vivida, con algún contacto físico, en esta conocemos al amor secreto del profesor, así como el peculiar portero de edificio de él.
Pasa a le sensual chavita que por un conjunto de circunstancias concluyeron en la cama de él, esta es una cínica y fría mujer, hija de un policía y conocedora de las armas, debido al espacio el contacto con el público es constante, esta chava jugara un juego erótico  con el profesor, en algunos diálogos pienso que son autobiográficos de los actores.
Una opción distinta de teatro, conviene reservar ya que son pocos lugares.

casi...
casi...
SI SÓLO VOY A VIVIR UNA VEZ QUIERO SER RUBIA
 
 
Eugenia Galeano Inclán
26 de julio de 2013
 
 
 
Para quien gusta del teatro y vive en el Distrito Federal resulta difícil elegir qué ir a ver, toda vez que la cartelera teatral es bastante amplia.  La elección puede ser por texto, dirección o elenco y, en ocasiones, por el título.  Las personas que optan por decidir con base al título pueden llevarse sorpresas.  El título de SI SÓLO VOY A VIVIR UNA VEZ QUIERO SER RUBIA sugiere una comedia divertida; sin embargo, es un análisis que hace Zuadd Atala, actriz y bailarina de carrera que también ha incursionado en la producción y actualmente funge como gestora de proyectos en la compañía Teatro Línea de Sombra.
 
El programa de mano indica que es una acción escénica que indaga acerca del auto sabotaje, los simulacros de libertad habituales, los personajes que escondemos y el culto del cuerpo que no es el propio.  A partir de las conclusiones a las que llega para la escenificación de SI SÓLO VOY A VIVIR UNA VEZ QUIERO SER RUBIA, Zuadd ofrece un buen inicio.  Comenta que la imagen que cada ser tiene de sí mismo es distinta a aquella que ven los demás.  Comparte algunas reflexiones y formula algunos cuestionamientos:  ¿Cuándo el otro mira siempre aparece el juicio? ¿Es posible reconstruir con las ruinas una pérdida grave? ¿Es oportuno mirar hacia uno mismo en medio de las circunstancias que atraviesa -esto que entendemos por- nuestro país?  ¿Es que en realidad somos un experimento o el resultado de la catástrofe social, política y/o individual, una suerte de documento vivo?.   
 
Una de sus teorías es que existe la posibilidad de que nos vemos en forma fragmentada, es decir, cualquier persona podría considerar que tiene  una linda sonrisa, unas bellas piernas, un cabello brillante, etcétera y que todo ello no es captado por una lente o por la mirada ajena como lo es por la propia.  Zuadd habla de frente al público y en forma fresca y natural entabla un diálogo directo con los espectadores.   Expone consideraciones sobre  sus propias cualidades y defectos.  Despierta el interés y el agrado general.
 
Tras este acierto -algo difícil de lograr, sobre todo, desde el inicio-, da paso a una coreografía irregular y algo estática durante la cual desdobla unos montoncitos de prendas ordenados en lugares estratégicos del escenario, mismos que al ser desplegados podrá verse que son pantaletas femeninas de todo tipo, incluyendo las de talla grande o pequeña, sencillas o elaboradas y diversa gama de colores y estilos, con las cuales jugará, ya sea arrojándolas, recogiéndolas o poniéndoselas.  Lo lamentable es que se enfrasca en su baile en forma tal que se le va de las manos el privilegio de haber logrado aquel contacto tan espontáneo con el respetable.
 
El resultado es una acción escénica fragmentada con un interesante inicio, una coreografía no lograda, un ciclorama en donde aparecen fotografías de la actriz/bailarina e incluso del público y numerosas preguntas que quedan en el aire, o bien, que el espectador, en su individualidad, podrá responder o no para sí mismo. Según Antonin Arnaud en El ombligo de los mitos (1925) "Vivir no es otra cosa que arder en preguntas .."
 
La acción escénica de Zuadd tuvo dos únicas funciones en UN TEATRO, nuevo espacio teatral ubicado en Nuevo León N° 46, colonia Hipódromo Condesa (frente a Parque España).  La idea original, creación e interpretación es de Zuadd Atala,  la dirección corrió a cargo de Diana Cardona y Zuadd Atala, la dirección técnica es responsabilidad de Juanpablo Avendaño, colaboraron artísticamente Ignacio Velasco, Alicia Sánchez, Rocío Zúñiga y Jorge Arturo Vargas.  Una producción de Teatro Línea de Sombra.

Coquus

 

La carne Jamón ibérico en siete lonchas de Cecilia Lemus

 

Zvi Ziman
Julio 26 del 2013

 

Con las actuaciones de Fernando Briones , Xóchitl López, Sharon L’Eglisse y Nancy Cordero en el Teatro El Granero del 18 de julio al 8 de septiembre los jueves y viernes a las 20.00’ horas, sábado 19.00 horas y domingos 18.00 horas se presenta esta obra.
Uno de los elementos más representativos de la cultura español es el jamón serrano, es para muchos parte esencial como sus valores culturales como los toros o la herencia gitana, mora o judía.
Todos estos elementos están presentes en esta puesta en escena, donde un conjunto cuyo inicio es un poco antes llegar, no puede faltar en la misma el zapateado, los característicos colore rojo y negro.
Las matanzas y la crianza del cerdo para este manjar a la par de la crueldad de la guerra, misma que se refleja también en el texto, y que transcurre a través de siente cuadros, en un espectáculo que escapa a las definiciones convencionales.
Es un exquisita puesta escénica, y para quienes os gusta el jamón serrano se repite además de una rica copa de vino.
Esa obra para cincuenta espectadores resulta un interesante viaje a una cultura hermana, más allá de los problemas y juicios -por ejemplo acerca de los toros-

Porque así son las cosas de Verónica Musalem
Sobre el amor y sus naufragios bajo la dirección de Silvia Ortega Vettoretti
 
Zvi Ziman
Julio 20 del 2013
 
Se presenta los jueves y viernes 20.00 horas, sábados 19.00 y domingos 18.00 con los actores Irela de Villers y Marcos García.
Sin duda el amor y los encuentros son cosa de casualidad y causalidad, dos personas se encuentran la primera es una prostituta cuya historia conocemos al final, después que un hombre con un estuche de guitarra llega.
Con el tiempo en ese espacio casi vacío cuya rampa nos recuerda a una obra de la misma directora “La confusión de las Lenguas”, en ésta el juego erótico se torna ríspida entre diálogos conectados o monólogos simultáneos, otros que ocurren para conocer las emociones de uno de ellos.
El Hadés hace referencia al lugar donde los muertos llegan, éste parece ser el final de dos amantes donde buscan reencontrarse, para curar sus heridas del pasado.
Esta obra nos deja con un sabor extraño sobre todo al final, resulta una interesante propuesta escénica donde la parte corporal como ya es tradicional en los montajes de esta directora juega un rol central.
El amor y el desamor juega mientras conocemos a una pareja que muestra cansancio de la vida donde ciertas prohibiciones solo hace que se unan más, resultando un interesante montaje donde el drama con ciertos toques de humor nos llevan al plano humano.
Donde las sorpresas en escena son constantes, lo que se ve hacia el final nos da interesantes indicios del lugar junto con la música original.
 
 MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES
 
                                                                                             Eugenia Galeano Inclán
 
                                                                                             13 de julio de 2013
 
 
Para quienes gustan del teatro es una alegría saber que se crea un nuevo foro, que nace una productora o simplemente que se estrena una obra.  La expectativa de lo desconocido, el no saber qué habrá tras el umbral de la puerta que se abre se traduce en una motivación.  Si se topa uno con algo bueno, la ilusión se ve colmada, pero si lo que se halla es malo, la desilusión puede ser grande.
 
Se nos anunció que surgía la productora DEGARC, Entretenimiento, Comunicación y Capacitación, S.A. de C.V. e iniciaría sus actividades con la "obra teatral" FRENTE AL ESPEJO. Como dato curioso en los créditos el nombre oficial y completo de la empresa es acortado a DEGARC Teatro.  
 
La creación de la productora y el estreno de FRENTE AL ESPEJO se llevarían a cabo con bombo y platillo. Personalidades del medio fungirían como padrinos y todo el evento sería motivo de festejo.  Si bien la prensa fue convocada, no fue tan bien recibida, pues para su ubicación les fueron asignadas las últimas filas del tercer piso del teatro. 
 
En el boletín elaborado para los medios de comunicación se indica que el guión teatral es de Luz Elena Domínguez Derio y de Andrea Bustindui  Si bien el guión aplica sólo para cinematografía y televisión, es bueno que lo etiqueten como deseen porque la dramaturgia brilla por su ausencia. Queda claro que si se toman al azar conflictos sociales para convertirlos en un hecho escénico el resultado puede ser desastroso.
 
Esto sucede en FRENTE AL ESPEJO, en donde pretendieron narrar la historia de tres sufridas mujeres para plasmar conflictos tales como la violencia intrafamiliar -un alcohólico que golpea a su mujer-, los celos profesionales de un hombre no calificado, cuya esposa consigue mejores puestos laborales que él, y el abuso infantil, en donde se podría llegar incluso a la violación.  En forma fragmentada se van desenvolviendo los problemas elegidos con un texto tan plano que no logra captar interés alguno por parte del espectador.
 
El movimiento escénico, por así llamarle, es lento y forzado.  Las interpretaciones jamás convencen.  El vestuario común y corriente.  La iluminación prácticamente fija.  Lo cierto es que resulta bastante pretensioso llamar pieza teatral a la conjunción de un texto que cualquiera puede escribir, un elenco de desconocidos -de aquellos que creen que son actores, pero al subir a un escenario no logran transmitir emoción alguna- y de una dirección escénica carente de aciertos.  Lo que se presenta en escena pareciera salir de un festival escolar -con el respeto que este tipo de festivales me merece-, en donde lo único que se busca es ampliar las actividades de los alumnos y darles oportunidad de mostrar sus habilidades o debilidades para entretener a familiares y amigos.
 
Sobre la escena aparecen:  Yessi González, Andrea Barcelata, Rolando Hernández, Nancy Salinas, Mauricio Rivera, Saha Moreno, Onodi Rojas, Renata Arana, Marco Dzul, Joaquín Fresán y Michel Zuloaga.  La dirección corre a cargo de Luz Elena Domínguez Derio.
 
Los asistentes deben haber agradecido el cocktail que, aparte de la tradicional copa de vino, incluía bocadillos gourmet, tras haber tenido que sortear las inclemencias del tiempo, bajo la intensa lluvia que se cernía sobre el sur de la ciudad.  La  madrina de honor del estreno fue María Luisa Alcalá, acompañada de una actriz de televisión y un supuesto maestro de teatro que -no lo conozco y tengo años en esto-  y de las personalidades anunciadas, el único que asistió fue el reconocido actor Rubén Cerda.
 
FRENTE AL ESPEJO tiene una duración de una hora, quince minutos y se estará presentando en el TEATRO DE LA COMEDIA WILBERTO CANTÓN -José María Velasco N° 59, colonia San José Insurgentes, delegación Benito Juárez, los SÁBADOS a las SEIS DE LA TARDE.  Su temporada es del 13 de julio al 28 de septiembre de 2013.
 
 
 
 
                            JACKSON PAN
 
                                                                                                 Por Eugenia Galeano Inclán
                                                                                                         12 de julio de 2013
 
 
El Foro Cultural Carretera 45 Teatro fundado por Antonio Zúñiga, con apoyo del INBA, CONACULTA y FONCA,  es un proyecto ambicioso, cuyo objetivo principal es enaltecer el teatro mexicano y brindar una nueva alternativa tanto a creadores reconocidos como a nuevos talentos.  No poco esfuerzo se ha hecho para lograr que una casa se transforme en foro, haciendo adaptaciones, remozamientos  y ajustes, adquiriendo equipos con tecnología adecuada y, finalmente, seleccionando obras de interés para estar en posibilidad de  ofrecer al público una cartelera que cubra variados gustos. Por otra parte, en el Foro también se imparten talleres de creación literaria y redacción para principiantes  y de dramaturgia.
 
A pocos meses de iniciado el proyecto, se presenta JACKSON PAN, teatro para niños, con títeres.  JACKSON PAN es un espectáculo fresco, hecho por jóvenes talentosos.  En este aspecto, el Foro Carretera 45 brinda una gran oportunidad a estos chicos para que comiencen a darse a conocer.
 
JACKSON PAN gira en torno a un niño de corta edad, carente de recursos económicos que vive solo von su madre, toda vez que el padre optó por abandonarlos y lo único que les dejó fue un puerquito.  JACKSON PAN desea conocer el mundo.  Es un chiquillo curioso y la falta de dinero no detendrá sus aspiraciones.  Un día se "cuela" en un circo y, entre chácharas, adivinanzas y chanzas, no tiene ojos sino para observar el famosísimo show de las pulgas brincadoras, el cual la atracción principal es el piojo colombiano.  Al final de la función, el boletero se percata de que JACKSON PAN está en la función sin haber pagado su entrada, así que lo saca de inmediato y, peor aún, le "canjea" un costalito de semillas, supuestamente mágicas por su cerdito.
 
JACKSON PAN es ingenuo y confiado.  Quiere mucho a su mamá, pero no se da cuenta de que ha canjeado lo que hasta ese momento era el patrimonio familia.  De cualquier forma, con la inocencia de la niñez y las ganas de vivir, JACKSON PAN no se arredra y, a partir de ese momento, comienza la aventura de su ´vida.
 
A pesar de que JACKSON PAN se considera a sí mismo un "outsider", lo que él traduce como un aventurero por naturaleza, en realidad lo más lejos que ha llegado es al mercado del pueblo. En su trayecto, JACKSON encontrará sorpresas y dificultades.  Conocerá por primera vez a los indios Cherokee, cuyo jefe es Gran Pluma Dorada Mágica, así como a Gigantón (truhán que se lleva todas las cosechas) y a la bella princesita, hija de Gigantón.
 
El espectáculo es pleno de color y movimiento.  Los títeres son de excelente manufactura y su manipulación es bastante atinada.  Proyectado para niños, los adultos se divierten tanto como los chiquitines. En ocasiones, alguno que otro toque de doble sentido fino hará que los mayores rían más que los pequeños.
 
Un gran trabajo por parte de todo el equipo.  Excelente la dirección a cargo de Bernardo Benítez en todos sus aspectos, agilidad, secuencia constante, versatilidad, aprovechamiento de espacio escénico y movimiento.  En síntesis, JACKSON PAN es muy recomendable. La duración de JACKSON PAN es de aproximadamente cincuenta y cinco minutos.  Una oportunidad inmejorable para que cualquier niño inicie su gusto por el teatro y para divertirse en familia. 
 
La coordinación técnica y el diseño de iluminación son de Rafael Covarrubias, la producción de Bruno Benítez, la construcción de los bellos títeres corrió a cargo de Bruno Benítez y de Bernardo Benítez.  El crédito de las fotografías corresponde a Patricia Ortiz. La adaptación musical y el apoyo vocal son de Alvaro Flores  Asur Zagada, Alejandra Chen, Jimena Delgadillo, Abril Gamiño, Claudia Bosco y Bruno Benítez.
 
El Foro Carretera 45 tiene muy buena acústica e iluminación, lo único malo es que el espacio destinado para el público es bastante incómodo, cuenta con bancas corridas y unas cuantas sillas.  De modo que si tiene algún problema de espalda, tendrá que llegar temprano para ser de los primeros en entrar y sentarse en donde tenga respaldo.  Para colmo, la distancia entre una y otra fila es mínima, de tal forma que pareciera que uno va sentado dentro de un vagón del Metro en horas pico.  Esperemos que en el futuro se atienda este problema y logren distribuir mejor el aforo.
 
JACKSON PAN se presenta durante todo el mes de julio de 2013,. los SÁBADOS y DOMINGOS a la una de la tarde en el CENTRO CULTURAL CARRETERA 45 TEATRO ubicado en Juan Lucas de Lassaga número 122, en la colonia Obrera, a espaldas del Metro San Antonio Abad.
Entre juglares y bufones unos misterios te contaremos con la Compañía Actores del Método2 Infantería de Bufones, autor y director Luis Camacho
 

Esther Zychlinski y Zvi Ziman

 

Siguiendo con el Segundo Ciclo del Clown en el Teatro Orientación se presentó esta puesta los días jueves 11 y viernes de julio con las actuaciones de Daniel González, Edgar Escamilla, Donovan Reygadas, Francisco Hernández y Valentín A. Beltrán con la actuación de la actriz Jazmín Curiel, solamente faltan dos puestas más Revelaciones con la Compañía Kami Zama Arte Clown con la idea original y dirección de Fernando Huerta Zamacona, el intérprete Fernando Huerta Zamacona, guitarra Gregorio Villegas, pian o Alejandro Muraira y bajo Agustín Montañez esto será el jueves 18 y viernes 19 del 2013.
 
Termina este ciclo con Agraciadas Damitas con la Compañía La Sensacional Orquesta Lavadero bajo la dirección de Jesús Díaz, con Nohemí Espinoza, Roam León, Jhovatan lozano, Alejandro Quintero y Jesús Díaz, el jueves 25 y el viernes 26 de julio en el mismo Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque  a las 20.00 horas igual que Revoluciones, les recordamos los jueves de teatro con boletos de 30.00 pesos, vale la pena comprarlos antes.
Uno de los personajes históricos que marcaron al mundo fue Jesús, más allá si existió o no éstos fueron milagros o interpretaciones sobre los sucesos e hace unos 2,000 años.
Como hemos visto en este ciclo de Clown y otros, puede tomar múltiples caminos, generar varios espectáculos, mismo que suele causar controversia.
 
Este comienza desde la primera llamada con música grabada y en vivo y tradicionales.
El milagro de las bodas de Canaán de transformar el agua en  vino, se cuenta con humor, no pueden faltaren el vestuario los zapatones, vestuario a rallas, las narices rojas y el maquillaje.
Se cuentan por supuesto en tono de clown con humorismo y algo tropicalizado al Distrito Federal.
El segundo la resurrección de Lázaro, es un sketch con elementos propios de la pantomima, donde la entrada a verlo se vende, con un rompimiento de la cuarta pared en varios momentos en una corrupta y cómica crónica.
La transición se marca de una manera interesante dando paso al tercero, regresar la vista a un ciego y el caminar a un tullido, donde al iniciar hay un duelo de “miserias” buscando compasión y buscando ayudar para completar, no faltando la burla del precio del huevo así como algunas actitudes comunes de muchas personas y la flojera y la situación global.
.La última transición se narra con una especie de marometa a obscuras, pasando a un clásico del humor, llevándonos a un juego de cartas con vino, entra música del inmortal pachuco haciendo referencia a la última cena, el trece y la muerte.
El clown puede ir de lo más tradicional a lo más innovador, la gente responde dándoles la oportunidad de conocer las diferentes opciones, vale la pena su asistencia sobre todo si aprovechan  los jueves de 30.00 pesos.
 
 
Julio 14 del 2013
Olga Martha Dávila, estimada por todos los Teatristas
Olga Martha Dávila, estimada por todos los Teatristas

Alrededor de 200 amigos acudimos a festejar el cumpleaños de Olga Martha Dávila, fundadora del Famoso Foro de la Conchita.

 

Algunas de las obras que vimos ahí, en las calles de Vallarta, junto a la plaza de la Conchita:

 

"Espacio vital, Carretera del norte, Volver, La paz de la buena gente, A puerta cerrada, Una cita con la muerte, La ronda del amor, Titus Andrónicus, El Círculo de tiza, Abolición de la propiedad, ciclo cinco Dramaturgos Mexicanos, La Grieta..." Muchos de ellos estan en la historia de los mejores dramaturgos del siglo XX, así como actores y directores de este teatro que fué plataforma de lanzamiento.

 

NUEVO LIBRO

 

Presentaron el libro "Testimonios de una vida por el Teatro" que reúne a los actores, directores, promotores que pasaron por este importante foro al que llamé en Novedades, el off Insurgentes, porque se hizo teatro de calidad, sin necesidad de altos presupuestos.

 

Varios de los capítulos son producto de la pluma de Olga Martha, quien al finalizar recibió murales de sus nietos, dos Diplomas, uno de Tomás Urtusástegui (AMCT) y otro de APT, un óleo monumental, ramos de flores y el abrazo de todos y cada uno.

Extrañas danzas
Extrañas danzas
Push Up de Roland Schimmelpfennig con traducción de Margit Schmohl bajo la dirección de Hugo Arrevillaga
 
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Julio 11 del 2013
 
Con las actuaciones de Gerardo Dávila, Ana Cobos, Morena González, Alberto Ontiveros, Yésica Silva y Luis Guerrero, se presenta los días jueves 11, viernes 12, miércoles 17, jueves 18 y viernes 19 de julio al as 19.00 horas en la Sala del Centro Cultural del Bosque, así como con funciones el sábado 13 y domingo 14 a las 19.00 horas y lunes 15 martes 16 a las 20.30 horas en la Galería Luis Adelantado en Laguna de Términos 260 entre Mariano Escobedo y Lago Iseo, después tendrán temporada en la capital de Nuevo León y una gira por Tamaulipas.
Este título podría evocar a las lagartijas del dramaturgo Roland Schimmelpfennig.
Nos lleva al mundo corporativo, se ve una oficina donde seis ejecutivos buscan ascender por medio de varias historias.
Vestidos un poco como cliches como la propia obra, no es un elemento de ficción sino, un cruel reflejo de la realidad que no tiene nacionalidad.
No es la primera obra que aborda este tema sumándose a varias pero el tratamiento lo  es, se ve la falta de piedad, el sacrificio, juego de hombres y mujeres son iguales, cada cual con sus argucias para lograrlo.
Esto nos pone a pensar si el teatro es un escape, reflejo o solo fruto de su tiempo.}
Esta obra tiene un conjunto de “caos” en donde el movimiento marca una extraña dinámica, comienza con un conjunto de movimientos que sigue con la crónica de Enrique el policía, momento que da  paso a la primera historia.
Una entrevista donde una mujer de traje azul mientras quién la recibirá a esta gerenta tiene una relación con el dueño, situación que marca la situación de ella ante la joven ejecutiva y su gestión.
Se devela parte de la vida de la joven ejecutiva y su peculiar neurosis cuando ella s viste, entra el juego de los parecidos entre ambas, su forma de se y ascender hasta el piso 16 donde se encuentra la gerencia y las metas de la ejecutiva mientras la dura jefa tiene mucho de parecido.
Las diferencias y acercamientos en un mundo femenino no menos duro que varonil, las herramientas de seducción para escalar.
La segunda mezcla el sexo como un tema al cual se hace referencia.
Esta con la tensión sexual, celos profesionales como la relación de la ejecutiva con el dueño, el arribismo gracias a un logro profesional.
Hay muchos hechos que son narrados algunos dirían narraturgia, diálogos que se repiten con pequeñas variables con el mismo sub-texto.
Se ve la tensión por la movilización o estancamiento según cada personaje.
Esta obra derriba los mitos de la debilidad de la mujer tan cacareada por diversas entidades nacionales e internacionales, temas como la psicología del color.
El ya tradicional movimiento de muebles por el elenco da paso a cada escena envueltos en una extraña coreografía.
En cada una de las escenas el resto sirven como una especie de coro, los pensamientos que privan la vida y pensamientos de ambos ejecutivos, uno sueña con ir a la India mientras el otro se descuida, el primero hace ejercicio, repitiéndose el patrón de diálogos casi iguales, dodne el ciebersexo no puede faltar.
En la conferencia Hugo comentó que es amiga de Ana Cobos de mucho tiempo, esta compañía de Monterrey tiene 15 años de creada, se presentan en lugares no convencionales es por eso que decidieron hacerlo también en una Galería.
También salió que todos los cuadros son entre dos, sin que los demás actores salgan del escenario.
Tiene un humor parecido al “Dragón Dorado” que ya vimos en Santa Catarina del mismo dramaturgo.
Vale la pena ver esta puesta en su corta temporada, seguro algo nos va a dejar o quizás nos recuerde alguna situación que hemos vivido.
Un reflejo de la vida actual donde los trabajólicos dejan a un lado otro tipo de necesidades mismas que forman parte de la vida diaria, siendo importantes para el equilibrio de cada persona.
 
Tangram se estrena en el Teatro Julio Castillo de Hugo A. Wirth, dirección de Ernesto Álvarez
 
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Julio 10 del 2013

Del 8 al 24 de julio se presenta esta puesta con la Compañía de Los Necios de Siempre, esta obra tuvo una lectura dramatizada en el marco del ciclo de Teatro Emergente en El Milagro en 2009, después fue seleccionado por el Sistema de Teatros de la ciudad de México para recibir asesorías y consultorios de producción y marketing para 2012, también hubo una lectura en el Teatro A poco no, donde el público fue dividido en tres partes para que pudieran conocer los tres elencos, las nueves posibles combinaciones de un destino que el espectador decidirá esa misma noche.
El elenco está formado por Juan Pernas, Georgina Ságar, Ricardo Esquerra, Virginia Araujo, Mario Alberto Monroy, Patricia Madrid y Miguel Conde que fue el que nos tocó a nosotros alternando con Juan Carlos Medellín, Voz en Off de Rosa María Bianchi, las funcione serán los lunes, martes y miércoles a las 20.00 horas en el Centro Cultural del Bosque  en el Teatro Julio Castillo.
Dos hermanos discuten en torno a lo cotidiano done la hermana y la mamá han hecho una familia hasta la llegada del hermno, ante un censo de circunstancias.
Los diálogos se van intercalando sobre la misma línea, la espera de un ser querido que pasó a mejor vida, a diferencia de la lectura donde los tres elencos hacen los tres diálogos con distintos finales en torno a la decisión final, la infidelidad es otro tema presente.
La madre omnipotente aunque no aparezca, su voz y los diálogos están presente en su propio lenguaje.
El movimiento simultáneo con o sin diálogos o en cero, acciones bien medidas, la eutanasia entra a debate en esta obra, un poco al estilo de “polvo de hadas” donde se debate no solo la vida, sino la vida digna, lo cual es eterna discusión.
Uno funge como contexto con la audiencia que conduce a que el público opte por el desarrollo que marcará el segundo acto.
Qué tan válida es la vida de una persona enferma cuya calidad de vida no es la óptima, cuando el final está cerca sin saberse cuándo y a dónde           quedan los cuidadores cuya calidad de vida también sufre mermas.
Lo interesante de este trabajo es que se espera que ninguna puesta sea igual debido a la decisión que pueda tomar la audiencia.
En general los diálogos alternados de los tres grupos de actores con una escenografía  idéntica y con los trazos escénicos de cada uno de ellos mientras uno habla está muy bien logrado.
Sin duda un conjunto de conflictos presentes que de alguna forma nos cuestionan a través de lo realizado en escena.
Reconocemos el trabajo tanto de los actores como del director para poder lograr esta coordinación además del trabajo de aprender nueve finales por parte de los actores.
 
 
Juana in a million de Verónica Araico y Nir Paldi, dirección de Nir Pandi, actuación de Vicky Araico
 
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Julio 10 del 2013
 
 
En el Foro La Gruta se presentó esta obra que ya terminó temporada los martes a las 18.30 y 20.30 horas.
Uno de los retos más complejo es el presentarse en este caso una sola en escena, como en el caso de la protagonista y más aún en inglés, más aún para una mexicana.
Esta obra que cerró temporada en La Gruta ha tenido varias representaciones, resulta una historia muy humana, dura donde situaciones como la drogadicción están presentes en el llamado continente.
Vestida con sencillez en un espacio vacío se presenta mezclando diversas artes escénicas como teatro y danza, ésta fue apoyada por el Consejo Británico.
El surgimiento de esta obra desde 6 años cuando la protagonista y co-autora estaba trabajando en Canadá sin papeles en este momento recibió una beca del FONCA que le permitió estudiar en Londres, donde descubrió el lado menos brillante de la capital británica, vivió como mexicana en la Ciudad Big Ben, el famoso reloj de la torre de Londres.
La Conquista Española nos narra  a México y las voces de tristeza así como la alegría de un México que vive y llora, la migración y la extorción que provoca dicha actitud.
Acusaciones sobre el pasado y el presente, con rasgos autobiográficos visto de forma no lineal.
Esta obra en inglés y español lleno de cliches, en una extraña y divertida como crónica de preceptos aún presentes, basada en la “pantomima.”
Realmente salimos fríos de cómo fue manejada la información, esta obra fue ganadora del Premio Fringe First en el Festival Fringe de Edimburgo 2012 y beneficiaria del programa Rutas Escénicas del FONCA 2013 y nominada a un premio Offie (Off West End) 2014 como mejor actriz.
Sin embargo cómo tratamos aquí en México a los migrantes que viene de otras partes en su paso a Estados Unidos, países latinoamericanos, así como el trato a muchos de los indígenas de nuestro propio país y qué decir de algunos grupos que son discriminados por sus preferencias sexuales.
Un trabajo excelente donde la actriz logra mantener la atención de los ahí presentes, si ven esta obra en cualquier otro foro no se la pueden perder, si bien conocemos todas estas situaciones en ocasiones preferimos cerrar los ojos y no ver ni oír nada.
 
 
Estar Guar´s en el Xola
Estar Guar´s en el Xola
Cómo tener éxito en los negocios...
Cómo tener éxito en los negocios...
Arrabal de Tomás Urtusástegui. Dirige Maricela Lara
Arrabal de Tomás Urtusástegui. Dirige Maricela Lara

Estas semanas, de junio 2013, han tenido mucho talento sobre escena:

 

En el Teatro Usigli: Arrabal: obra de Tomás Urtusástegui, dirigida por Maricela Lara. Encabeza Marta Zamora. En breve hará temporada.

 

En el Xola: Estar Guar´s, excelente resumen fársico de la saga Star War. Cada martes.

 

En el Rafael Solana: breve temporada de "Cómo tener éxito en los negocios, sin esfuerzo" de la Escuela de Comedia Musical de Beto Torres y Marco Antonio.

Ionesco es violencia
Ionesco es violencia
La lección de Eugene Ionescu bajo la dirección de Humberto Castro, Ixchel de la Rosa, Paola Quintana, Liz Brambila y Berenice Huitrón
 
Zvi Ziman
 
Julio 8 del 2013
 
En el Centro Cultural de la Diversidad en la Calle de Colima 267 y 269 se presenta esta obra con una pequeña temporada del 1º al 12 de julio de lunes a viernes a las  20.30 horas, sábados al as 15.30 horas y domingos a las 17.30 horas.
 
Una de las obras más representadas de Ionescu donde una alumna llega con un peculiar instructor donde la ama de llaves juega un rol no tan pasivo.
En este montaje en un absurdo se pretende resumir el conocimiento en un conjunto de materias donde la alumna anexa un rol con toques eróticos y  pícaros hacia su mentor, cuya relación comienza de manera tensa y concluye en este mismo ritmo.
Se ha representado en diversas épocas y lugares donde la dinámica es la misma, cabe destacar que hace algunos años el título a obtener sí se podía, todavía hace varios años en la secundaria se estudiaba las materias de español, matemáticas, ciencias naturales e historia además de civismo, por citar algunas, ésta cambió a asignaturas lo cual complicó el conocimiento como antes la absorción de un año equivalía a un día o un mes actual, por lo cual eso de que con pocas preguntas se pueda asumir que sabe todo, es un ironía.
 
El trabajo actoral es todo un reto en este tipo de obras además tener una temporada muy corta, ésta es muy productiva por ser todos los días, algo de llamar la atención, por lo cual hay muchas más opciones para poder verla.
En este caso nos trae a un presente en vestuario y escenografía.

Lo único real es que esta obra está vigente, dicen que “no hay nada nuevo bajo el sol”, en fin los invito a conocer todas las demás puestas de este foro en sus diferentes teatros, además de un servicio muy bueno en su cafetería.
 
Sombreros con patas y alas de Las Primadonas, dirección de Luis López, actuaciones Luis López, Bernardo Espadas y Oskar Ixta
Por Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Julio 6 del 2013.

Como parte del Segundo Ciclo de Clown en el  Teatro Orientación los días  4 y 5 de julio se presentó con música en vivo con Bernardo Espadas además de ser el encargado de los sonidos requeridos en esta puesta, Oskar Ixta en el manejo de los diferentes títeres de esta historia así como Luis López con la dirección y actuación quien también estuvo manejando a los títeres que aparecen en escena.
Faltan dos presentaciones el día 11 y 12 de julio con Entre juglares y  bufones unos misterios te contaremos de la Compañía Actores del Método2, infantería de bufones; Revelaciones el 18 y 19 de julio con la Compañía Kami Zama Arte Clown y se clausura el 25 y 26 de julio con Agraciadas Damitas con la Sensacional Orquesta Lavadero, todos trabajos muy diferentes entre sí pero a los que  amamos el clown nos deleita, esto en el mismo Teatro Orientación a las 20.00 horas, les recordamos el jueves de teatro que es de 30.00 pesos, conviene comprar los boletos antes o temprano para asegurarlos.
El clown es un conjunto de técnicas que nos llevan al mundo del niño que todos llevamos dentro, es el volver lo simple-complicado y lo complicado-divertido.
Este se vale de un conjunto de rutinas o gags, el juego de la alegría, nostalgia, transita de un estado de ánimo a otro, donde el público puede pasar a ser parte activa como se ve en este caso.
Esta comienza rompiendo la cuarta pared, la música en vivo al estilo de cine mudo, el gesto y la pantomima suple a la palabra continuando con este estilo, por ejemplo de Buster Aniton o Chaplin.
Una persona quiere dormir pero diversas circunstancias se lo harán muy complejo, el uso de títeres resulta muy interesante, un clown hasta cierto punto tradicional.
Las Primadonas  es uno de los grupos que mejor se han colocado en el clown, mostrando siempre su gran calidad y versatilidad, han ido inclusive al género de la ópera pero en plan chusco.
Hay algo muy interesante en esto ya que como dice Jesús Díaz el clown “debe estar serio a la hora de actuar”, buscando sacar al público una sonrisa, lo cual logran en muchos casos.
De uno a otro ritmo, donde un reto extraño donde el muñeco parece hablar, llevándonos por la música por distintos escenarios como el uso de una cámara de fuelle, resulta una divertida puesta donde no puede faltar el amor.
De verdad los invitamos a conocer los distintos grupos cuya misión es invitarnos a meditar a través de este género con distintas tendencias, puede ir desde el más tradicional al más innovador, puede tomar un tema como Mastorna y por medio del clown conocer esta historia como pudimos ver en este mismo ciclo, lo importante es el trabajo de cada grupo y la necesidad de ir creando nuevas generaciones, de verdad a través de este ciclo hemos visto cómo se divierten tanto los adultos como los niños, con situaciones que no requieren de mayor explicación.
Nuestras felicitaciones al INBA y todos los involucrados por tener estos ciclos, esperamos que el año que viene cuente con más grupos y nuevas generaciones que lo sigan ya que seguramente nosotros estaremos esperando al año que viene para las sorpresas que nos puedan traer.
 
Trío sin Simone de Kristo Sagor, dirección de Irina González y traducción de Claudia Cabrera
“No fui yo, así que debió ser uno de los otros”
En el Centro Cultural Carretera 45 Teatro en Juan Lucas Lassaga 122, Co. Obrera cerca del metro San Antonio Abad se presenta esta fuertísima obra los lunes y martes a las 19.00 horas del 10 de junio al 16 de junio, con  Ricardo Cortés, Emiliano Yáñez de la Mora, Carlos López Tavera.
Uno de los grupos más pujantes es Carretera 45, conocida antes como Alborde Teatro, comenzó hace pocos años; ahora es un referente.  Su calidad en dramaturgia le han permitido estar presentes en importantes foros y festivales.
Además cuenta con Antonio Zúñiga que además es un muy buen dramaturgo, tratando temas muy difíciles en muchos casos porque la mayoría de este grupo viene de partes de la República del Norte donde la violencia siempre ha sido noticia, aunque algunos ya viven en el Distrito Federal, tuvimos el placer de conocerlos cuando empezaban en el Foro Shakespeare en el Foro Alternativo que es un pequeño cuarto donde entran muy pocas personas con dos obras de Chejov, de ahí  se han levantado con muy gratas sorpresas.
Reciéntemente abrieron su foro, donde además de que se presenta esta obra de Kristo Sgor hay talleres y le han abierto sus puertas a otros grupos con sus trabajos, lo cual nos habla de un foro que trabaja   de lunes a domingo, incluyendo programación infantil,
Esta obra con solo dos funciones hasta ahora nos cuenta la historia de una violación donde tres actores en el Centro Cultural Carretera 45 bajo la dirección de Irina González nos cuentan las razones y sin-razones del a violación de Simone.
Los tres sospechosos en una sala de espera comentan en torno al hecho delictivo, mientras esperan ver al director de la escuela, ahí en ese lapso se narran algunos de los pormenores, la confrontación entre los tres probables acusados, mientras buscan un chivo expiatorio.
Tres caracteres totalmente diferente donde sale a relucir la vida de cada uno de ellos y sus relaciones con sus seres más cercanos, con mucha violencia y un humor muy negro donde las sillas de plástico juegan un papel muy importante con un trato bastante brusco en algunos momentos, además de marcar el cambio de cuadro.
Sin importar lo que ocurra con ellos y de todas las confesiones que ahí son dichas, vemos sin embargo que sin importar lo que se hubiera dicho adentro, siempre se interesan por lo ocurrido con el director, que por cierto solo está representado por un silla y un actor en uno de los extremos del pequeño escenario, donde el público está muy cerca de los actores, es cuando se puede sentir hasta la respiración.
Al final la muchacha tiene una actitud que quizás hemos visto en muchos casos, este personaje al cual no hemos sabido cómo llamarlo a pesar de haber preguntado a varios es el eje de la obra sin estar presentes, estos personajes resultan muy interesantes y más cuando en este caso los actores hacen que podamos imaginarla no solo a ella sino a todos los demás mencionados.
Una pieza íntima en un teatro íntimo donde en todos los sentidos, incluyendo a las sillas como se dijo arriba son un rol central ayudando a entenderla mejor.
Los invitamos a apoyar este tipo de pequeños teatros con propuestas tan diversas e interesantes con público para todos los gustos, un trabajo muy bien hecho con actores que lograron convencernos con sus personajes además de una reflexión sobre los jóvenes y cómo actúan.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
 
Julio 4 del 2013
Stabat Mater de Humberto Leyva, dirección David Jiménez Sánchez
Esta se presenta los miércoles a las 20.30 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico en Av. Revolución 1500 cerca del metro Barranca del muerto con las actuaciones de  Marilú García Luna, Adriana Montes de Oca, Gerardo Miranda y Paola Torres Rico.
Stabat Mater es una composición que significa “estaba la madre”, como una secuencia o troppo de Aleluya Gregoriana escrito por el Papa  Inocencio III y el franciscano Jacopone Da Todi en el siglo XVII, donde se habla del sufrimiento de María madre de Cristo.
Acorde a diversos tratados internacionales muchos de los cuales se quedan en papel mojado, uno de los derechos del niño es jugar.
El juego es uno de los primeros mecanismos de socializar, roles como líder y seguidor se comienzan a perfilar en esta dinámica social, las reglas dinámicas y el rol son de las primeras actividades que al crecer asumirán.
La protagonista retorna a casa y comienza a jugar con sus amigos, de alguna forma entran en el mundo que les tocará, el espacio de la puesta se torna en un espacio donde se ven estacas y algunos puntos de distintos colores, éstas son acomodadas y reacomodas según el cuadro, apoyándose con estambres con los mismos colores que los puntos, mismos que son cortados pro los mismos actores   antes de cada cuadro, creando figuras distintas, éste es un espacio índico con todo lo que implica.
El espacio casi vacío nos presenta a cinco protagonistas, así como pocos elementos en punto cero, mismo que ya explicamos en test(i)go, el silencio se rompe de pronto aunque el movimiento comienza un poco más tarde de manera pausada.
Los protagonistas rayan en la adolescencia, un interesante trabajo corporal que nos habla de mucha preparación además de varias técnicas, incluyendo una interpretación muy buena de tap con punta y tacón, de twist de la época de los sesentas, un teléfono todavía de disco como un personaje para entender lo qué pasa con uno de ellos que solo es mencionado pero no aparece, pero que le da un sentido a  la historia.
Una relación entre una madre, su hija, una amiga que por cierto está embarazada, una madre que regresa de una clínica por un problema de alcoholismo, una amiga del hermano de una ellas que por cierto ha estado desaparecido por un año, aquí es donde es importante el teléfono por cierto  todavía de disco, estas historias se van vinculando mientras la escena se va transformado, marcando un retículo, ésta se va tornando aún más inusual a lo largo de la misma llevándonos a la respuesta de lo ocurrido con el hermano.
Una obra que si bien ocurre como entre juegos y ejercicios de diversos tipos, de hecho el vestuario nos recuerda el utilizado cuando los están practicando.
Un trabajo que vale la pena conocer, los invitamos a dejarse llevar por estas historias que seguramente les dejarán alguna reflexión sobre los adolescentes y su mundo.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Julio 4 del 2013
Minimalismo extremo
Minimalismo extremo

El final


Por Mariana Jano


Con una patada, de una institución de beneficencia un anciano es echado a la calle. Sufre, como la mayoría de los personajes de Samuel Beckett, pesimismo dentro de un panorama nihilista, obscuro, sombrío; pero sus palabras demandan ser seguidas, escuchadas. Aquel día, vistió ropas de un muerto “Las prendas –zapatos, calcetines, pantalón, camisa, chaqueta y sombrero, -no eran nuevas, pero el muerto debía ser poco más o menos de mi talla… Es decir, que él debió ser poco menos alto que yo, un poco menos grueso, porque las prendas no me venían tan bien al principio como al final. Sobre todo la camisa, durante mucho tiempo, no podía cerrarme el cuello postizo…” En esas ropas que “olían a azufre” inicia la obra ¿”El final”? no, sigue, sigue, como el personaje de Beckett que se arrastra en el lodo, como el que sigue con suspiros como los que esperan… como todos aquellos personajes que le hicieran ganar el nobel.

El final surge a partir de una novela corta escrita en 1946 en prosa, y ahora podemos disfrutarla en apenas una hora. La dirección de Ana Graham, productora, actriz y ahora ya 
probada directora, hace que el actor, el espléndido Arturo Ríos, se mueva en una pequeña tabla de aproximadamente metro cuadrado, la posición no es fija, y dentro del cuadro 
cabe un pequeño banco del que amarra en ocasiones al protagonista a un banco. Lo que le rodea es obscuridad, una vida prácticamente estética, sin cambios ni variaciones, marginal, donde no hay mucho caso dar un paso adelante, atrás, no hay nada, acaso un animal, una rata. A esta intención que trata de hacer literal, la enriquece Víctor Zapatero con la iluminación y escenografía.
Esta es su oportunidad para conocer o ahondar más en un texto conmovedor, bello, y al mismo tiempo apreciar un techo una palabra de amor, de aliento, de lo que podríamos tener siempre a  la mano y vivimos prácticamente sin percibirlo. 

Mastorna adaptación de Jesús Díaz del guión inédito “El Viaje Mastorna” del Director de cine italiano Federico Fellini
 
Como parte del Segundo Ciclo del clown en el Teatro Orientación se presentó esta puesta se presentó los días 27 y 28 de junio del 2013 con Luz María Camarena, Carmen Coronado, Patricia Meneses, Lucía Pardo Ríos, Karla Marina Armendáriz, Geralldy Nájera, Claudia Ivonne Cervantes y Jessica Bastidas. Cuando Clara Mastorna sufre un accidente aéreo y despierta en un mundo irreal onírico desconocido donde hay personajes que fueron parte de su vida.
 
Clara tendrá que enfrentar esta pesadilla en búsqueda de reencontrar su vuelo y volver a su realidad.
 
Uno de los grandes misterios es la muerte, qué pasa después, esta pregunta probablemente la responde la protagonista de este guión de cine llevado al teatro clown.
 
El elenco puramente femenino que actúa, baila y ejecuta instrumentos nos presenta esta historia donde ella, después de un accidente de aviación, llega al limbo después de pasar una serie de peripecias donde una estructura juega un rol central al ser manipulada por el elenco, algunas con múltiples cambios de vestuario y personajes.
 
El vestuario corresponde a cuando esta película siendo de colores muy chillones como el naranja, así como los uniformes en tonos grises y rojos que usaban las azafatas  con faldas, actualmente ya vemos el uso de pantalones, la música que si bien es italiana tiene un toque de tango.
 
La protagonista se confronta con ella misma, sus miedos, temores, conceptos que ha recibido, el amor por su esposo teniendo la oportunidad de poder volver al a vida, dudando en algún momento de su decisión.
 
Aunque esta obra no es clown, la base de la misma sí lo es por lo cual resulta un experimento interesante, una historia que si se contará en drama sería mucho más complejo, dándole la comedia el chance de ser más ligera, que no menos reflexiva.
 
Los invitamos a este ciclo al cual todavía le faltan varias puestas distintas, la semana que viene estará Primadonas con dos obras muy distintas, una el jueves y otra el viernes a las 20.00 horas en este Teatro Orientación, vale la pena aprovechar el boleto de teatro a 30.00 pesos los jueves.
 
Esta puesta muy bien trabajada a los que aquí escribimos nos movió una serie de sentimientos y preguntas, uno de los que escribe aquí es alérgico a la anestesia por lo cual ha tenido dos pérdidas del sentido, según el personal de recuperación así como un familiar cercano viene a nuestra mente toda nuestra vida donde transmitamos por nuestros recuerdos.
 
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
 
Junio 30 del 2013
 
 
 
 
Mi amigo Max de Bertha Hiriart bajo la dirección de José Caballero
 
“La vida cotidiana está llena de milagros”
 
En el Teatro Orientación los sábados y domingos a las 12.30 horas con la actuación de Sofía Vogel, Alberto Palavicini, Eunice Rocha y Jesús Herrera, con música de Jesús Herrera, máscaras de Yadira Pérez, Jimena Delgadillo, Sofía Vogel y la asesoría de máscaras de Alicia Martínez, un agradecimiento a los magos Rafael del Río, Ariel y Ferche; tendrán temporada del 8 de junio al 25 de agosto.
 
Los actores al final de la obra se quitan las máscaras.
 
Una niña puede adquirir la sabiduría de un viejo y este viejo a su vez siente el entusiasmo de la niña, este milagro requiere un poco de imaginación, además de ponerse uno en el lugar del otro.
 
El teatro infantil es una parte esencial para crear una conciencia sobre  ciertas temas que por duras y quisquillosas deben ser manejadas.
 
La tendencia ha sido ésta, si bien siguen siendo importantes los cuentos clásicos.
 
En esta puesta vemos la muerte de un hombre que vive en la calle, mismo que fue un mago muy famoso de un circo pero al quebrar éste se dedica a tomar perdiendo a su familia.
 
Vive en una banqueta por donde pasa una niña que se cae en un hoyo perdiendo sus lentes, este hombre la ayuda y recupera sus lentes, de aquí nace una amistad donde ella aprende a enfrentar la vida, de hecho hay un grupo que molesta a los niños, el miedo no les permite enfrentarlos si embargo este hombre hace algo para que sean dejados en paz, de hecho le dice a la niña que la violencia no se ataca con violencia además de que la unión puede ayudar para enfrentar ciertas situaciones, pero aceptando los riesgos.
 
Este mago tiene dos tesoros que al sentir cercana su hora por medio de una carta se los deja a esta niña, de esta forma él siempre estará presente en su vida.
 
Le enseña que la magia es una ilusión que no resuelve nada, sino ver la realidad con toda su crudeza.
 
Con un vestuario muy adecuado para la obra, con una escenografía muy sencilla con dos huacales con diferentes usos de donde salen diferentes elementos, una especie de pared de papel y transiciones muy limpias, conocemos el pasado de este mago que vino a menos, conocemos su mundo interior tan rico como el de este personaje que, aparentemente por su situación nos involucra y envuelve demostrándonos un lado humano muy profundo, de cómo dar amor y recibirlo, sintiéndose amado.
 
La magia está presente, pero no solo de los trucos, sino la de la vida, donde cada momento debe ser aprovechada para vivirla y poder mostrar nuestros sentimientos en todo momento.
 
Una obra con un lenguaje tan sencillo que puede ser entendido por los niños, de verdad los niños ahí presentes estaban atentos con un silencio absoluto, además con un mensaje de que cuando nacemos lo único cierto es que en algún momento nos iremos siendo la muerte algo natural y como parte de la vida.
 
Nos hace ver que la muerte física es decir cuando dejamos este cuerpo, siempre nuestro recuerdo queda en la mente de nuestros seres humanos.
 
Una obra totalmente recomendable para niños y adultos, para cualquier duda sobre la edad, pueden checar la cartelera tanto del Centro Cultural del Bosque.
 
Esther Zychlinski
 
Junio 30 del 2013
 
 
 

 

Comodidad aunque sea para dormir
Comodidad aunque sea para dormir
Como sardinas
Como sardinas

EL HOMBRE SIN ADJETIVOS

 

Por: Alejandro Laborie Elías


Conversando, en el lobby de un teatro, con el gran escenógrafo e iluminador mexicano, Alejandro Luna, me comentaba que el primer requisito del teatro con relación al espectador, es que se le ofrezca una butaca cómoda, ya sea para que disfrute de una buena puesta en escena o en su defecto se pueda dormir a placer si se trata de un bodrio.

Lo anterior viene a colación porque en la Ciudad de México día con día se abren nuevos espacios alternativos para representaciones teatrales, sin embargo, uno de los inconvenientes que afrontan es la incomodidad de los mismos. Este es el caso del Foro Shakespeare, donde se acondicionó una habitación –un cuarto que fungía como recámara de la casa que lo alberga- y la verdad apiñan al público como si se tratara de sardinas enlatadas, literalmente hablando.

En lo personal, los espacios alternativos me atraen porque requieren de creatividad para acondicionarlos y montar sin todas las ventajas de los teatros convencionales, de ahí mi interés por asistir a la representación de El hombre sin adjetivos, de Mario Cantú Toscano, bajo la codirección de Paola Izquierdo y Jesús Díaz.

Tres jóvenes inician un viaje que se vera inmerso en una serie de situaciones complejas y al mismo tiempo inmersas en el humor fino. No se trata en estricto sentido de una comedia sino de un texto con tonos fársicos, que invita a reflexionar sobre la muerte, trastornos emocionales, la comunicación entre los seres humanos, el miedo, la dificultad para interrelacionarnos, el rechazo… Un viaje para asistir al entierro del familiar de uno de ellos que termina en la llegada puntal al velorio de uno de los tres.

Juan Acosta, Carolina Vidal y Adrián Alarcón dan vida a tan singulares personajes que durante un poco más de una hora se convierten en el deleite de los asistentes –pese a las incomodidades-, los momentos de hilaridad transcurren unos tras otros. Lo más interesante es que el cuerpo de actores actúa con toda la seriedad que el buen teatro exige, por más que haya humor en el fondo del texto.

Una obra que en concreto se centra en el tema de la locura y plantea la interrogante: ¿Quién decide quién está loco? La respuesta se puede encontrar en el Foro Shakespeare, de la Ciudad de México.

 

Junio 2013

Test(i)go  bajo la dirección escénica y coreografía de Andrea Catania

Con la dramaturgia y asistencia de Alex Catona con Yonatán Espinoza, Edith Pérez, Gersaín Piñón, Jorge Ronzón, Sheila Rojas e Irasema Murillo, música de Dona Dumitru Smiínica, Professor Doctor Doctor, Carlos  Reigadas, Handel, Coil, The Jon Spencer Blues Explosion, The Holly Cole Trío y Alex Catona; las funciones son del 27 al 30 de junio, jueves y viernes 20.30, sábado 19.00 horas y domingo 18.00 horas en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”.
Es la obra cuyo título, que por medio de sus lapsos desnudos-vestidos, mientras fuma o toca un timbre para ordenar un conjunto de acciones.
Al inicio se acomoda una especie de dormitorio en un espacio vacío donde los diversos cuadros transcurren, a manera al parecer de sueños de la “protagonista” que fuese como testigo, aunque en algunos casos se torna en un ente activo como ya se expuso en este texto.
Esta coreografía donde diversas técnicas se ven de alguna manera como la manipulación corporal, es decir manipular a un compañero en punto cero, o como se dice comúnmente congelado o las estatuas de marfil.
Varios personajes entran en lo que aparentan ser los sueños y las pesadillas, incluyendo al parecer la reina de la belleza con todo y todo.
Resulta una obra  en una tendencia que comienza hace 50 años, donde el video juega un rol en ciertas partes de la puesta.
En la conferencia de prensa comentaron que tuvieron muy poco tiempo para ensayar, formaron dos elencos de dos escuelas de danza, una de ellas el CEPRODAC, escogieron a los intérpretes gracias a videos que fueron enviados antes, la coreógrafa costarricense estuvo muy poco en México para esta puesta, la primera semana fue para escoger elenco y conocer la obra y las segundas y terceras semanas fueron ensayos.
Se comentó sobre la técnica de piso que es una de las que podemos ver en ésta, además de que cada grupo de intérpretes lo van a bailar de forma diferente.
En ocasiones conviene no tratar de entender sino observar y ver qué nos deja, creemos que éste es el caso, el trabajo corporal es muy bueno y nos habla de mucho profesionalismo por parte de este equipo que tuvo que trabajar a pasos forzados así como de los intérpretes.
Simplemente el hecho de poder estar en este bello teatro es todo un placer por su belleza y sonoridad.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Junio 28 del 2013
El ganador del premio a Dramaturgia 2012
El ganador del premio a Dramaturgia 2012
                  MEDEA ANTES DEL VIAJE
 
 
                                                                                                             Eugenia Galeano Inclán
                                                                                                                   
26 de junio de 2013
 
El tamaulipeco Medardo Treviño es un apasionado de los mitos, por lo cual siempre ha existido un estrecho vínculo entre estos y su obra.  Medardo ha desarrollado la especialidad de trasladar la esencia de aquellas historias ancestrales a nuestra época, a través de una relectura total, logrando narrativas tan frescas como actuales, en las que opta por mantener los nombres de los personajes originales.
 
En esta ocasión presentó en México "MEDEA ANTES DEL VIAJE", para la cual se basó en los textos de Eurípides.  Tras todas sus penurias, Medea se sentirá devastada al saber que Jasón -el amor de su vida- contraerá nupcias con la hija del rey.  En su desesperación, decide tomar venganza haciendo que sus hijos lleven un vestido a la contrayente, bajo el engaño de que es símbolo de buena voluntad y perdón.  Lo que no dice es que previamente envenenó la tela de dicho vestido.  Una vez cumplida su venganza, no le queda otro camino que huir.  Saldrá de Corinto en un carro tirado por caballos alados. Es justo en este punto en donde inicia "MEDEA ANTES DEL VIAJE".  En la versión de Medardo, Medea no viaja en una troca ni en un carro blindado, sino en un destartalado Volkswagen.
 
Medea es una mujer fuerte, de campo, al igual que sus hijos.  Jasón es machista y prepotente.  Siente que si puede ser consorte de la hija del "rey" del lugar, sea éste un gran hacendado, un famoso político o el Jefe de un Cartel, puede lograr absolutamente todo.
 
En un torbellino que zigzaguea entre lo onírico y lo real, el viaje implica vivir una y otra vez las situaciones desde distintas perspectivas, pero siempre, de la mano con la muerte.  Es indiscutible que Medardo tiene la capacidad de lograr que el horror llegue a ser visual y plásticamente bello.
 
Mediante técnicas más utilizadas en el cine que en el teatro, como por ejemplo, el freeze (congelamiento), Medardo capta la mirada y el interés del espectador de principio a fin.  Escenas donde los personajes son cruelmente asesinados para luego revivir siendo ellos mismos o intercambiándose unos con otros.
 
Otro de los aciertos de Medardo es utilizar elementos cotidianos y sencillos, como sarapes o sandías, en forma simbólica para transmutarlos en forma extraordinaria.
 
El equipo de Medardo, acostumbrado a trabajar con él, lo apoya incondicionalmente y juntos  logran una complicidad perfecta -siempre aplaudida en teatro. Convincentes interpretaciones ofrecen Larisa López, Edgar de la Sancha, Arely Padilla, Carlos Avendaño, Alejandro Lustrial, Omar Lustrial y Néstor Lobo.  Oportuna y. ¿por qué no? generando el toque de alegría (que más que contrastar, complementa), la musicalización a cargo de Juan Antonio Rotuno.  Sonia Flores muestra originalidad en iluminación y escenografía. Como asistente de Dirección fungió Gloria Sada.  La dramaturgia y la dirección son por parte de Medardo Treviño, quien refrenda su creatividad, dejando en claro que lo que proyecta lo lleva a la escena en forma precisa.
 
En el programa de mano no se menciona el nombre del diseñador de vestuario pero éste se adapta a la trama como un guante a la mano.  La producción es de la Compañía de Teatro Tequío.  Un montaje digno de verse, teatro de reflexión, buenas actuaciones y plasticidad.  Esperamos pronto se vuelva a presentar en esta ciudad.
 
MEDEA ANTES DEL VIAJE se presentó en el Teatro El Galeón, dentro de un ciclo en el que las temporadas duran unos cuantos días. Actualmente, dentro del citado ciclo se presenta "LAS TRIBULACIONES DE VIRGINIA" de los hermanos Oligor, del 26 de junio al 7 de julio, de miércoles a domingo, en los horarios acostumbrados.  Entre semana a las ocho de la noche, sábados a las siete de la noche  y domingos a las seis de la tarde.
Teatro Transportable
Teatro Transportable
LA CORRALA DEL MITOTE SEDE DE LA PRUEBA DE LAS PROMESAS
 
Por: Alejandro Laborie Elías
 
El escenario trashumante de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) conocido como La Corrala del Mitote, tiene una nueva sede temporal, la Plaza Ángel Salas, con la puesta en escena de La prueba de las promesas, de Juan Ruiz de Alarcón, oriundo de Taxco, Guerrero, nuestro representante más importante en el marco del denominado Siglo de Oro de las letras españolas.
 
Llamaba la atención que la CNT no contará en su repertorio una obra del citado dramaturgo, sin embargo la laguna se ha subsanado con esta interesante comedia de enredos donde un mago concede ilusiones, revela intenciones, todo inmerso en la hilaridad.
 
Ahora bien, qué es La Corrala del Mitote: Diseñado como un mecano adaptable con forma circular, este foro cuenta con un escenario en templete con balcón, columnas y plafón, una arena a ras de suelo y dos niveles superiores de graderías, desde las que se aprecian escenario y audiencia. Con una capacidad aproximada para 423 personas, el espectador puede observar a tres frentes, en una perspectiva de casi 180 grados, inclusive a la luz del día.
 
La prueba de las promesas se estrenó en marzo de 2012, en la Sala Héctor Mendoza, en la sede de la CNT, en la categoría de Teatro mexicano, posteriormente se represento en el XXXV Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, España y en las XXXI Jornadas Alarconianas, en Taxco,teniendo como escenario la Corrala del Mitote.
 
Entre los atractivos de este nuevo espacio, es que los espectadores podrán disfrutar del montaje como sucedía en el Siglo XVI o como actualmente se ofrecen las puestas en escena en El Globo, de Inglaterra o el Corral de Almagro, España.
 
La prueba de las promesas se presenta bajo la dirección de Carlos Corona, con un elenco de primer nivel, como son Rosenda Monteros, Óscar Narváez, Mariana Gaja, Yulleni Pérez, Héctor Holten, Everardo Arzate y Eduardo Candas, entre otros.
 
Teatro dentro del teatro, humor, gracia y, por qué no, hasta la ingenuidad de las historias de antaño, no por ello menos serias y con la ventaja del verso del que se vale el dramaturgo para desarrollar toda la trama.
 
Carlos Corona y su equipo agregan un prólogo tomado de una escena de La Cueva de Salamanca y la letra de la canción que abre el segundo acto es un fragmnento de Las Paredes Oyen, ambas obras de la autoría de Juan Ruiz de Alarcón.
 
Cabe aclarar que la entrada es libre, dos horas antes de iniciar las funciones se empiezan a repartir los boletos de cortesía y lo más importante, si las condiciones climáticas no son favorables la representación no se suspende y el público deberá adaptarse al frío, la lluvia y el aire, si fuera el caso
 
Junio 2013
Cumple 13 años Roxana
Cumple 13 años Roxana

La admirable Roxana Chávez cumple 13 años

 

El Monólogo "Nunca es tarde, para ¿amar?" Cumple 13 años y esta en temporada en el Hotel de la Ciudad de México, en el Zócalo capitalino (junio 2013)

 

Así que si usted ya lo vió: es bueno que lo disfrute este año, renovado.

 

Si no lo conoce, acuda, va a pasar momentos muy agradables. Se lo recomendamos. 

 

Compartimos esta carta:

 

ESTIMADOS PERIODISTAS, ANTES QUE NADA, MUCHAS GRACIAS POR SU APOYOINCONDICIONAL.

SON BUENOS AMIGOS.

   MIS AMADOS PAPAS PARTIERON HACE 85 DIAS (ALGO ABSOLUTAMENTE INESPERADO Y DOLOROSO) POR LO QUE LES ESTOY RINDIENDO HOMENAJE CON LO UNICO QUE SE HACER QUE ES SUBIRME A UN ESCENARIO CON TODO EL AMOR DEL MUNDO.   ELLOS SON, ADEMAS DE MIS PAPAS, MIS MEJORES AMIGOS Y CONFIDENTES POR LO QUE SOBRA DECIRTE LO QUE SU PARTIDA REPRESENTA PARA MI.  

POR AHORA SOLO ESTOY HACIENDO FUNCIONES ESPECIALES (POR OBVIAS RAZONES) Y EL 23 DE JULIO DEVELARA LA PLACA CARLOS CUAUHTEMOC YA QUE EL DIA QUE LO INTENTAMOS HACER, LAS MANIFESTACIONES EN ESTA H. CIUDAD LO IMPIDIERON.  

MI LIBRO "EL AMOR NO TIENE EDUCACION" EFECTIVAMENTE ES UNA AUTO-BIOGRAFIA EDITADA POR PORRUA Y HA TENIDO UNA MAGNIFICA ACEPTACION YA QUE NO ES UN LIBRO DE CHISMES, SINO UN TEXTO QUE TE INVITA A REFLEXIONAR Y SER FELIZ.

GRACIAS AMIGOS¡ 

 

ROXANA

 

 

La prueba de las promesas de Juan Ruíz de Alarcón con la Compañía Nacional de Teatro en La Corrala del Mitote en el Centro Cultural del Bosque
Con la dirección y adaptación de Carlos Corona de La Prueba de las promesas de Juan Ruíz de Alarcón con un elenco formado por Rosenda Monteros, Oscar Narváez o Diego Jauregui a nosotros nos tocó con Oscar Narváez, Mariana Gaja, Yulleni Pérez Verttí, Héctor Holten, Everardo Arzate, Eduardo Candás, Andrés Weiss o Luis Lesher, Ana Isabel Esqueira, Alvaro Zuñiga, Abril Mayet y Alan Uribe, Alberto Rosas o Leonardo Soqui con funciones de jueves a domingo a las 18.30 horas con entrada gratuita, hay que recoger los boletos en taquilla unas horas antes.
Un hecho inminente el Teatro Clásico es el uso de la magia para diversos fines, esta obra en su historia no es la excepción.
La magia se pone a debate en tiempos donde la Inquisición tenía gran poder, la cual no impedía el uso de la misma entre todas las clases sociales.
En un lenguaje propio de la época en la cual fue escrita, con alegorías propias, de la mitología, el amor siempre presente, crea conflictos, el escenario con puertas movibles cambia junto con lo que el propio elenco mueve.
La música con uso incidental tocaba en vivo siendo los mismos actores los encargados, además de que apoya la historia; otro elemento presente en este género esl a rivalidad, juegos de poder constantes con la familia y el amor por una mujer.
Si la magia es amor  y esta magia es, se cierra un círculo virtuoso.
El vestuario nos remite a siglos anteriores, donde se hablaba castellano y en el caso de esta obra en verso y, como dirían castizo por provenir de Castilla.
Presto, vuestro, vuestra, merced, licencia vuestra, mudanzas de estado y otras expresiones que ahora son extrañas, en aquel entonces eran comunes.
Juan Ruíz de Alarcón fue el gran dramaturgo Novohispano, un término frecuente es la nigromancia, una ciencia que ya no se usa pero marcó el camino a la alquimia, a la postre la química, astronomía y física.
Un hecho ineludible es que la escuela de hace siglos como Shakespeare no pierde vigencia, donde la hipocresía es un hecho presente, da mucho gusto cuando los foros y en este caso La Corrala que es una estructura para llevar el teatro como se hacía antes, pudiendo ser armada solo habiendo el espacio requerido, están llenos de generaciones jóvenes gozando este género de teatro delicioso y relajante, apto para toda la familia.
Ya que el amor y el poder son los grande motores de la humanidad siempre presente en al literatura, no puede faltar la comedia de enredos así como la comedia picaresca donde los criados juegan un papel central además del rol  que juegan las apariencias.
Juan Ruíz de Alarcón es orgullosamente nacido en Taxco, en su honor todavía se llevan al cabo las Jornadas Alarconianas en Taxco, sigue siendo un gran representante del teatro Novohispano de esa época llevando muy en alto el haber nacido en Taxco de lo cual se sintió muy orgulloso.
Dicen que “no hay nada nuevo bajo el sol”, si bien las situaciones se pueden presentar de otra forma aún ahora se sigue luchando por el poder, el amor, siguen las guerrras y la violencia, los seres humanos no cambiamos a pesar de los siglos, de verdad y nos preguntamos qué pasaría si Juan Ruíz de Alarcón se levantara de su tumba y viera lo qué ocurre actualmente, a lo mejor se regresa a su tumba pensando cómo es posible que todo siga igual.
Realmente los invitamos a gozar esta puesta que estará durante los meses de junio y julio en este Centro Cultural del Bosque, donde tenemos una reflexión muy interesante sobre el actor y el personaje al estilo Brechtiano.
Felicitamos a los actores y todos los involucrados de la Compañía Nacional de Teatro por seguir deleitándonos con su trabajo bajo la dirección del Maestro Luis de Tavira, la entrega de todos los actores así como de los directores invitados, realmente México tiene muy buen teatro como se demuestra tanto aquí en el Distrito Federal como en la República Mexicana lo cual nos consta por las puestas que hemos visto.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Junio 23 del 2013
Concierto “Caminando músicas” con el Grupo Bossanóminos, con Gabriel Briones Beltrán y Puga, Lucía Gómez Lvoff, Mariana Gómez Lyoff, José Luis Nava Jiménez y Jesús Camacho Jurado
Este concierto se presentó en el Foro Contigo América el día 23 de junio en Arizona 156, va a tener su última función con donativo voluntario consciente el próximo domingo a las 18.00 horas, los pueden contratar en el 044-55-2753-1938 y 044-55-2885-0290.
Se dice que la música es el reflejo de la cultura y el corazón de los pueblos, síntesis de su historia, influencias, devenir y una embajadora del alma de los pueblos.
Ha sido un medio de difundir de manera pacífica y porque no influenciar de manera positiva, un ejemplo es la cultura latina que hermana a Europa y América en este caso, el portugués  junto con el español a países como Brasil, Portugal, Cabo Verde y México.
Los instrumentos como guitarras, violines y e l cajón usado en varios ritmos, así como el triángulo, una especie de cascabeles que se ponen en las manos, pandero, nos llevan a un viaje de paisajes sonoros, creadores de ambientes, que al cerrar los ojos nos invitan a sentir y ver con las emociones.
Este grupo con una amplia instrumentación nos lleva a emociones y sentimientos de paz y serenidad.
En otros momentos la fiesta, mientras en otras el idealismo y la rebeldía al mencionar a los zapatistas como a Atahualpa y otros compositores de América Latina que le han cantado a la libertad, a la necesidad de los trabajadores para exigir sus derechos.
Realmente un remanso en esta ciudad donde la vida diaria a veces nos aleja de este bello arte que ha sido una de las formas más bellas de expresar lo que sentimos, de relajar nuestro espíritu y por qué no identificarnos.
Se ve que tienen una muy buena preparación, simplemente su pronunciación del portugués o el inglés, la versatilidad de instrumentos, y ese contacto con el público hacen de este grupo Bossanóminos que nos deleitaron con música de A.C. Jobim de Brasil, Cristina Branco de Portugal, Mayra Andrade de Cabo Verde, Diana Ríos y Ulises Martínez, Silvio Rodríguez con un país de bolsillo, Mariana Gómez con musicalización de poema de Carlos Drummond de Andrade de Brasil, Mariana Gómez, Magaly Solier de Perú, Descemer Bueno y Kelvis Ochoa de Cuba, Gabriel Briones, Rafael Mendoza de Uruguay, Atahualpa Yupanqui de Argtentina y Mercedes Sosa y Horacio Guarany, sin olvidar a los inolvidables Beatles sobre todo para quienes pertenecemos a esa generación.
Los invitamos a seguir las actividades de este foro que abre sus puertas a muchos grupos, recordamos a Raquel Seoane que nos dejó el año pasado y su amor por el teatro, lo único es el donativo voluntario consciente.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Junio 25 del 2013
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Crepúsculo abismo de luz de Oscar Flores Acevedo con Oscar Flores y Natalia
“El amor romántico de un clown confrontando al mundo real” con textos de Woody Allen, Win Wenders y Nahui Ollim.
En esta obra un clown llamado Fiasco, que explora la cuestión del personaje, sería quién es el personaje principal, de alguna forma todos lo somos de nuestra propia vida.
Los personajes ficticios y reales han sido un conflicto en la dramaturgia.
El uso del clown y sus caminos, algunas teorías que  el personaje desde dentro qué tanto lo hacemos en la vida cotidiana, tal vez para escondernos de nosotros mismos.
No falta la broma que se puede decir para teatreros.
El rol del hombre y el clown juegan en el espacio ficticio del teatro, una historia hermosa que habla del alma humana.
La magia del escenario desborda en amor y con toques de romanticismo.
Un clown distinto a muchos muy disfrutable.
El clown no para de sorprender en estilos, lo cual podemos ver en este segundo ciclo de clown que se lleva al cabo en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque los jueves y viernes con diferentes grupos y estilos, todos igual de válidos.
Con diálogos de Woody Allen, Win Wenders y Nahui Ollim nos lleva a una serie de reflexiones sobre el amor y el alma humana, de cómo en ocasiones nos vamos hacia lo material en lugar de poder gozar lo que la naturaleza nos da como el sol, la luna, el mar así como la luz como fuente de vida.
Es una obra que nos habla de la importancia de los personajes y los actores, de cómo se convierten en parte importante porque gracias a ellos podemos involucrarnos, entender mejor lo qué ocurre en nuestra convivencia diaria porque el teatro es el reflejo de la vida.
Es importante darle su lugar a las técnicas del clown, éste maneja todos los sentimientos yendo de la alegría a la tristeza, lo importante es que nos mueva y cuando salgamos del teatro  algo haya cambiado dentro de nosotros.
Felicitamos a todos los involucrados en este ciclo esperando cada año pueda crecer tanto en calidad como en la cantidad de obras, así como crezca la expectativa de los creadores lo cual se vea reflejado en el aumento de espectadores que vayan a estos espectáculos.
Los invitamos a seguir todas las demás puestas que aparecen en las carteleras, seguros que esperarán con ansias el año que viene como nosotros.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
 
Junio 22, 2013
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XXXX Hace veinte años escandalizaba, ¿ahora?
XXXX Hace veinte años escandalizaba, ¿ahora?
Cuatro XXXX de Mauricio Pichardo, dirección Claudia Ríos

Los personajes de esta puesta son: Pablo, personaje liberal con un grado de hipocresía, Roberto, un hombre que vive de las mujeres, Diana, una escritora en busca de amor y Celina que por su profesión puede ser marcada como fría y quiere otro tipo de vida.
En esta puesta que fue la presentación para prensa actuaron: Mauricio Ochmann, Pablo Lyle, Claudia Lizaldi y Fernanda Vizuet, si bien los otros actores que alternan son: Alejandra Ambrosi, Osvaldo de León, Marcus Ornellas y Esmeralda Pimentel, la escenografía e iluminación corre a cargo de Arturo Nava, Abigail Castillo es la asistente de dirección, la dirección de mercadotecnia y  publicidad Pepe Olivares y Rubén Lara presenta esta puesta en el Teatro 11 de Julio en Doctor Vértiz 668 entre Xola y Morena, los jueves a las 20.00 horas, viernes 19.00 horas, sábados 18.00 y 20.30 horas y domingos 17.30 y 20.00 horas.
Hace como diez años esta obra se presentó por primera vez con un gran elenco, causó controversia por el uso de los desnudos en algunas notas comentan que hay textos más fuertes que el desnudo, solo presente en una parte de la obra.
Aborda un tema pasado y presente, se maneja la crisis de la pareja, las apariencias y los deseos secretos presentes, bajo las sábanas o a puertas cerradas.
Cuántas veces nos hemos preguntado qué hay detrás de las parejas “perfectas”, esta obra responde o busca contestar en una tragicomedia.
El uso de la escenografía es muy interesante porque el escenario está dividido en la parte inferior donde hay una cama muy grande y unas escaleras a ambos lados, en uno de los extremos está una mesita y dos sillas y del otro lado una especie de salita con un stereo y una televisión.
En la parte superior hay una especie de bar con algunos objetos tejidos y del otro lado un estudio de pintor.
Son dos historias de alguna forma si bien utilizan los mismos objetos lo hacen de forma diferente, de hecho unos los dejan listos para la otra escena.
El uso de las puertas les permite salir y entrar con mucha facilidad, hay un gran cambio de vestuario y hay momentos en que ambas parejas están en el escenario con un trabajo muy bueno porque cada una sigue con su historia sin que ninguno de los actores interfiera, lo cual nos habla de mucha concentración por parte de los actores.
Dicen que el teatro es el reflejo de la vida diaria con lo cual estamos de acuerdo, en esta puesta nos damos cuenta que solo las parejas saben lo qué pasa en su intimidad, y quizás la pregunta es por qué se aguantan situaciones tan cotidianas como las descritas aquí y  se tarda tanto en reaccionar como lo vemos al final de ésta, cuando una situación puede ser parada a tiempo con solo proponérselo.
Violencia, amor, desamor, celos, baja estima y necesidad de un auto-reconocimiento así como una necesidad de un cambio en nuestra vida están presentes, esperamos que mueva a la gente y les ayude a reflexionar.
Es muy fácil llegar a este teatro ya que la estación del Metrobus Dr. Vértiz está  muy cerca, agradecemos sus atenciones por habernos permitido ir y les deseamos mucha mierda.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Junio 20 del 2013
JAVIER MALPICA SE ADENTRA EN EL TEMA DE LA TRATA DE MUJERES EN SI UN ÁRBOL CAE
 
Por: Alejandro Laborie Elías
 
El teatro mexicano se ha caracterizado por abordar temas de interés social y en más de una ocasión se ha convertido en un medio de denuncia sobre diferentes hechos, ya sea de índole político, económico, violencia... Javier Malpica, es uno de los dramaturgos que más énfasis han hecho en sus obras por darle un carácter reflexivo sobre la realidad cotidiana de los mexicanos, como es le caso de Si un árbol cae, obra que se adentra en la trata de mujeres que las lleva a sufrir hasta sus últimas consecuencias como es la muerte.
 
La forma que seleccionó el autor es interesante intrínsecamente: dos jovencitasllegan a un estudio para interpretar a dos personajes que a la postre resultan ser ellas mismas. Las historias se cuentan en reversa, esto es, a partir de su fallecimiento hacia atrás, cuando empezó su calvario, la explotación sexual, violencias física y psicológica, entre otros males que las convirtieron en dos víctimas más de la violencia e impunidad que se vive en la República Mexicana.
 
Sin embargo, el texto entra de lleno en ese tipo de teatro que está enfocado a despertar la conciencia de la sociedad sobre determinados hechos o situaciones, ese que es ideal para llevarlo a las escuelas, centros de atención a víctimas, organismos no gubernamentales, etc., esto es, cuando el teatro se aboca a ser un medio para despertar la conciencia adormilada de la comunidad que ve las cosas y hace caso omiso mientras no la afecte directamente a ella o a sus integrantes.
 
La dirección corre a cargo de Nora Manneck, quien se ha destacado fundamentalmente con propuestas para niños. En esta ocasión, su trabajo no es convincente, partiendo de la base que nunca explota los posibles clímax que plantea el dramaturgo y las emociones son olvidadas en su totalidad. la puesta esmonorítmica, nunca vemos a la mujer que se debería desgarrar en cuerpo y alma ante las atrocidades a las que se ve sometida; nunca vemos la maldad, la furia con las que le hombre explotador trata a sus víctimas, violencia que lo debería reflejar en el escenario como un perro rabiosos y ajeno a cualquier capacidad de raciocinio.
 
Nora se vale del multimedia, por cierto insertado con acierto, sobre todo al inicio de la puesta en que aparecen una serie de puertas que llevan a... o impiden el paso  a, el espectador deberá hacer su propia interpretación. En esa misma pantalla parece en el video la imagen y voz de Javier Solórzano, conductor de noticieros que proporciona una serie de estadísticas sobre la explotación de las mujeres en México.
 
El elenco se alterna durante la temporada, el elenco que tuve oportunidad de ver estuvo integrado por Rubén Olivares, Yara Guerrero y una tercera actriz que no identificó por su nombre. La verdad, un trío que lleva al desastre la propuestadramatúrgica de Malpica; opacos, sin entrega, sin , reiterando, transmitir las emociones acordes a la trama y psicología de los personajes. El dramaturgo merece, ya no digamos mejores, simplemente actores y actrices  para llevar a buen puerto su intención de que el teatro sea un medio de denuncia y no un panfleto de corte político.
 
Si un árbol cae, se representa los lunes a las 20:30 horas, en el Teatro helénico, de la Ciudad de México.
 
Junio 2013.
Mucho movimiento, poco texto
Mucho movimiento, poco texto
¿Ya envejeció la obra?
¿Ya envejeció la obra?
Bacantes
Por Zvi Ziman y Esther
Para terminar con el juicio de Dios con la dirección de Raquel Araujo Madera, versión libre de La Rendija sobre textos de Eurípides
Uno de los estrenos más extraños y atractivos en la UNAM es esta obra que se presenta  en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz en Cultisur, ésta se puede ver, oír, palpar y oler, un conjunto de tablones de madera, tinajas, tinajas de metal y una lancha de madera, da marco a contar  una historia.
En ésta se mezcla un mito en Yucatán así mismo con la cultura griega y minoica, las referencias míticas, al salir de la UNAM queda un conjunto de preguntas, lo cual lleva a la reflexión si una obra tiene que responder a hacernos reflexionar.
El juego  entre lo humano y lo divino, un extraño travestismo  y las cervezas presentes al igual que los cuchillos juegan un rol central de forma que muchos  no haríamos.
El movimiento de tablas de diversos tamaños son parte importante, de lo mismo contando con la manipulación del propio elenco, que en un estreno que en un extraño caos escénico nos hablan del ahora y los temas humanos.
Las bacanales son las adoradoras de Baco y también las bacanales era un carnaval donde estaban todos los placeres, también llamados Dionisiacos por Dionisio, el nombre romano de Baco.
El reparto está formado por Roberto Franco, Tomás Gómez, Katenka Angeles o Nara Pech, Mariano Olivera y Raquel Araujo, se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz en Cultisur los jueves y viernes 20.00 horas, sábado 19.00 horas y domingo 18.00 horas.
Un trabajo que hay que verlo como algo que no se le debe de buscar una explicación, sino como algo que nos puede gustar o no es decir que no pasará desapercibido.
Vale la pena correr los riesgos con este tipo de trabajo, donde lo importante es nuestra creatividad, ya que siempre hay espectadores para todo.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
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Junio 13 del 2013
Feliz Nuevo Siglo  Doktor Freud
                Qué significa un cambio de siglo, a finales de los 1800 más precisamente en 1899 en los últimos meses, el Dr. Freud en los últimos meses presenta un caso ante sus colegas, así es cómo se comienza a escribir ante los mismos.
Freud en algún momento se desdobla donde varios actores con rápidos cambios nos cuentan la historia sobre un caso que creó la historia.
En algunos momentos hay saltos en el tiempo y el espacio, confrontamientos personales, el algunos momentos los pensamientos se revelan, donde el amor, así como el interés no pueden faltar.
El escenario base es un par de gradas donde se sentó el público asistente, un pizarrón y además de algunos muebles que aparecen y desaparecen de acuerdo a la escena por los mismos actores.
Esta misma obra nos lleva a un conjunto de reflexiones sobre la equidad de género y su cuestionamiento, sus limitaciones, resaltando el caso de Dora donde además hubieron otros sentimientos que nunca demostró,  hasta el creador del psicoanálisis y de cómo preparó a su hija Ana que también tuvo su consultorio.
Escrita por Sabina Berman ha tenido varias temporadas, siendo dirigida esta última por el director Alberto Lomnitz, el trazo ágil nos lleva a conocer cerca de 15 años en Viena menos de dos horas.
Los actores son David Hevia, Moisés Arizmendi, Carlos Orozco, Pilar Izquic, Carmina Gómez y Mario D’León.
Un magnífico trabajo que vale la pena ver antes de que termine esta corta temporada.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Junio 13 del 2013
N. de la R. fue presentada esta obra con motivo del cambio del siglo XX al XXI.

Nos invitan a ver "Naturaleza Muerta y Marlon Brando" dice su boletin:

 

"Montada por primera vez en 1995, en el teatro La Capilla, "Naturaleza muerta y Marlon Brando" de Humberto Leyva, fue merecedora de innumerables premios y reconocimientos, así como publicada por distintas editoriales y traducida a varios idiomas, convirtiéndose en un parteaguas de la dramaturgia mexicana contemporánea.

 

A 18 años de su estreno mundial, "Naturaleza muerta y Marlon Brando" regresa al escenario, bajo la dirección de Omar Bélico, y con las actuaciones de Alejandra Urdiain, Leonardo Mackey y Humberto Leyva.

 

Mañana viernes 31 estreno a prensa e invitados 8:30 pm. Sábado 1º de junio 7:00 pm. Domingo 2 de junio 6:00 pm. Únicas funciones. Teatro El Milagro (Milán # 24 col. Juarez) No se la pierdan!"

 

Espero poder verla, ¡ qué corta temporada ¡

HERIDAS EN EL CORAZÓN

Eugenia Galeano Inclán

Mayo 2013

 

Como parte integrante del proyecto “PERDIDOS EN LA ISLA DE SAN LUIS”, respecto de la cual apareció una publicación en esta página a finales del año pasado, surge “ESTACIÓN ABIERTA”, último estudio sobre la espera, de la autoría de Lydia Margules.

Es costumbre de Lydia utilizar el método denominado laboratorio, es decir, crea un texto y lo va procesando a través de trabajo de mesa con los actores, para luego pasar a ensayos, presentar una lectura dramatizada, hasta llegar al diseño del montaje final. Siempre ha tenido la inquietud de explorar nuevos rumbos y, en esta ocasión, decidió experimentar la lectura inicial de su texto más reciente convocando simultáneamente a actores y público.  Es así como este Foro de Noticias obtuvo la primicia de ser partícipe en el insólito experimento.

El elenco, conformado por Antonio Cerezo, Romina Coccio, Diana Lein y Gabriela Ochoa, acudió puntual a la cita, en donde Lydia los puso al tanto del proyecto, definiendo detalles de las características de los personajes, los movimientos que cada uno de ellos debía realizar y el tono que requería para la lectura.  Tan pronto quedó todo comprendido y consideraron estar listos para emprender la aventura, se abrieron las puertas del Foro y se dio acceso al público convocado.

Aun cuando sobre el escenario se encontraban tres actrices y un actor, así como una voz en off –casi imperceptible–, de la lectura de “ESTACIÓN ABIERTA” se intuye que se trata de un solo personaje, en virtud de que los diálogos se suceden, se entrelazan y se reiteran una y otra vez con diferentes tonalidades o en distintas situaciones.  “ESTACIÓN ABIERTA” es un relato que versa sobre el sentimiento interno de un corazón quebrantado al haber perdido al ser amado.  No se sabe el motivo por el cual ni quién de los dos dio por terminada la relación, pero el dolor está presente. Para mitigarlo, el personaje toma la decisión de poner distancia. 

Sin embargo, aún en lejanía queda latente la esperanza de un reencuentro.  Al no haberse cerrado apropiadamente el ciclo de este amor, el personaje queda condenado a tratar de repasar los detalles que pudieran haber dado lugar a la ruptura.  La separación y el tiempo hacen que los recuerdos se vayan desvaneciendo y la mente plena de emociones y nostalgia se convierte en un laberinto, en donde ya no se sabe bien a bien qué fue lo vivido, qué lo anhelado, qué lo soñado.  La confusión llega a tal grado que se hace difícil, incluso, reconocer la imagen propia, lo cual conlleva el temor de que en el supuesto caso de volver a ver al amado ya no se sabría si es o no es él.

Las vivencias emergen mediante imágenes: una espalda a punto de caer al abismo, una cordillera de montañas efímeras, la falta de piso firme, sentirse desvalido, estaciones de todo tipo, de autobús, aérea, naval, ferroviaria, o bien, una simple carretera, un bosque, etcétera.

 

El curso del tiempo resulta tan implacable que es difícil determinar qué edad se tiene, cuán prolongada ha sido la ausencia o qué tan lejos se ha llegado del punto de origen.

El talento nato de Lydia, el no ceñirse a lugares comunes, el no arredrarse ante innovaciones y su vasta experiencia le valieron poder diseñar un trazo escénico impecable en unos cuantos minutos.  Con todo esto y la entrega de los actores, su buena dicción y lenguaje corporal (particularmente el de Diana Lein), se logró que llegara a buen puerto la propuesta experimental de leer por primerísima ocasión un texto inédito ante público.

El único “pero”, por así llamarlo, es que el Foro en donde se presentaron carece de aislamiento de sonido, por lo que adentro se escuchan voces y sonidos ambientales del exterior, lo cual inevitablemente produce distracción en espectador.

La lectura dramatizada de “ESTACIÓN ABIERTA”, último estudio sobre la espera, se llevó a cabo en el Foro El Bicho, de reciente apertura, ubicado en la colonia Roma Norte.  En breve se reestrenará “PERDIDOS EN LA ISLA DE SAN LUIS” de la autoría de Verónica Musalem, bajo la dirección de Lydia Margules en Lab Trece y, posteriormente, se estrenará “ESTACIÓN ABIERTA”. Sugerimos estén pendientes de la cartelera para que no se pierdan estos relatos plenos de emotividad en montajes dignos de verse.

 

Vi Exilios en la Gruta. Otro dia Hard Candy, en el Helénico.
Ahora escribo mis columnas: la primera fue un trabajo imperfecto dijo su directora, no lo creo, me gustó aunque no se escenificó la historia de Olguin. 
La de la hija de Nailea, Tessa Ia, raya en los más altos niveles que implica un montaje. Luego les cuento en detalle.

 


Vi Exilios en la Gruta. Otro dia Hard Candy, en el Helénico. Ahora escribo mis columnas: la primera fue un trabajo imperfecto dijo su directora, no lo creo, me gustó aunque no se escenificó la historia de Olguin. La de la hija de Nailea, Tessa Ia, raya en los más altos niveles que implica un montaje. Luego les cuento en detalle.

 

Lolita Picapiedra
Lolita Picapiedra
Amor y rechazo eternos ¡
Amor y rechazo eternos ¡

¿De qué trata Defendiendo a la MUJER cavernícola?

 

 Lolita Cortés es Una Bella -y Feminista- Cavernícola, Paleontológico unipersonal para mostrar que los hombres somos Trogloditas atractivos, hasta nos acosan para contraer nupcias... Se quejan y se quejan, pero, nos avasallan para que firmemos el contrato matrimonial. ¡ Hasta nuestro nombre va primero en la demanda de divorcio, ¡ y se quedan con algunos recuerditos: la casa, el coche, las acciones del negocio, los niños son otro souvenir, para refrendar que nos admiran y van a recordar para siempre...

 

Dice el boletín: 


"En la víspera de su boda, la protagonista de esta historia hace un recuento de su relación con el nombre con el cual está por unirse para toda la vida; y al hacerlo  hace un rápido recorrido también por lo que significa ser mujer en un mundo en el que lo masculino es, y ha sido desde siempre, la regla.

 

No se trata de una crítica, ni de un ataque a los hombres, sino de una mirada distinta a la realidad cotidiana, vista a través de los ojos del humor.

 

Nuestra ‘cavernícola’ es una mujer de hoy, que vive al ritmo de nuestros días. Independiente, segura, emprendedora, que no le teme ni a los retos, ni a las palabras, ni al mundo, al que debe conquistar todos los días.

 

Sin embargo, cada logro, cada triunfo, cada conquista, significa una confrontación, con los hombres, con las otras mujeres, pero sobre todo con ella misma, para vencer sus limitaciones autoimpuestas."

 

Defendiendo a la Mujer Cavernícola, se presenta los fines de semana en Zéntrika, rumbo a Toluca.

Bella y talentosa, Lolita es una recomendable Super Trucutú.

Foto de internet (montaje en España)
Foto de internet (montaje en España)
Sumisión ante su performance
Sumisión ante su performance
Cumple con su denominación
Cumple con su denominación
Mesiánicos: el vitriolero tiene excreciones
Mesiánicos: el vitriolero tiene excreciones

El viernes 17 mayo vimos en el Ex Teresa

 

PORNOTERRORISMO:

Se anunció como performance postporno_poética:video_sonora:queer_gore_trash. Presentan a: Idea, guión, voz, cuerpo: Diana J. Torres. (Grupo Español) Música: Andy Clark e Idoia Millán.
Vídeo: Lucía Egaña.
Invitados de honor: Idoia Millán y Felipe Osornio.
¿Qué es?

¿Performance, happening, intervención, kitsch? ¿Propone, provoca, destruye? ¿habla de todo y de nada? ¿Madrid y Barcelona tienen una moral ambivalente, de lo medieval a lo posmo ?

 

Ahora dejemos que Emil Blatsky opine:


Pornoterrorismo, los Anti Mesías, en el Ex Teresa

 

Este grupo español anuncia que es un performance post-porno, que incluye poesía, video, música grabada, Queer, Gore y algo de Trash. Son responsables de estas Ideas (guión, voz y manejo del cuerpo): Diana J. Torres. (Grupo Español) En cuanto a la Música: Andy Clark e Idoia Millán. Llevan el peso de las acciones: Idoia Millán y Felipe Osornio.

 

Exploremos ¿qué es la pornografía? para los diccionarios es un “género literario que busca excitar” Bueno, eso es diferente al pensar en diferentes contextos, ya que en una sociedad conservadora en los siglos XV hasta el XXI, en cierto país, con cierto gobierno, más cierta religión, tendremos varias formas de interpretarlo.

 

Estos jóvenes vienen de España, donde vivieron en el siglo XV durante el gobierno Franquista, al vivir el “destape” se fueron al extremo de la fiesta eterna, estudio y trabajo quedaron relegados, lo importante era vivir las experiencias que sus padres tuvieron que cumplir en otros países. Así tenemos un salto cuántico desde Fernando Arrabal, hasta el presente Pornoterrorismo. Pasando por años de escasos logros. Qué vimos en el Exteresa, atrás de Palacio Nacional: ¿Performance, happening, intervención, kitsch, pornografía mística? ¿Propone, provoca, destruye, deconstruye? ¿Habla de todo y de nada? ¿Llegó el Mesias de lo Kitsch y Posmo?

 

Introducen objetos en el cuerpo, expelen substancias orgánicas, usan orificios impensables de la anatomía (vagina y recto para no darle vueltas) para meter micrófonos y lograr tambores retumbantes, también un rifle (sic), obtienen un papelito de cada espectador con su “objetivo vital“ lo meten en un vitriolero que ya contiene todo tipo de excreciones y las metas vitales se convierten en escoria.

 

Recuerda el tonel con toallas femeninas usadas que La Tigresa hizo teatralizables cuando se peleó con Alejandro Jodorowsky hace treinta años. Ambos escenificaron Naná.

 

Estuvieron poco tiempo, el peor riesgo es que muchos mexicanos les imiten creyendo que innovan el quehacer escénico.

 

Porque son españoles les dieron permiso, pagaron su sueldo y viaje.

Si fueran mexicanos les hubieran cortado las alas: ¡ ya tenemos muchos locos en México experimentando con violencia, sangre, taladros prostáticos, no requerimos uno más¡

Eso, les hubieran dicho. (Ahora van muchos grupos "experimentales" a imitarles. sin duda)

 

Pero al ser españoles, exclamaron OooOOHH¡ y a gastar el presupuesto público.

 

Les podríamos calificar de inaugurar el "Mesianismo Porno" 

La era yuppie
La era yuppie

                                                          

                                                                      Éxito a cualquier precio

 

 

Por Mariana Jano


Vigente como nunca en la cultura de la Coca - cola o la feroz guerra del cómo sobrevivir en el capitalismo, Éxito a cualquier precio  (Glengarry Glen Ross) de David Mamet nos cuenta a lo que llegan unos vendedores de bienes raíces entusiasmados por ganar un Cadillac al mejor vendedor o por no perder el empleo el peor.

Habrá que pisar a quien se deje o sea de dudosa honestidad, analizar la competencia en medio del individualismo, así que el miedo se apodera de los más débiles y los más fuertes no dudan en actuar. La sociedad de consumo, la insignificancia de las virtudes y principios morales, la derrota económica y el idealismo del sueño americano son algunos de los temas que aquí se tratan ¿le suena conocido alguno? Tal vez recuerde obras como La muerte de un viajante de Arthur Miller, la intensidad es igual de fuerte.

Hoy comentamos sobre la obra más conocida de David Mamet, entre por lo menos otras 35 obras teatrales y más de 20 libros entre los que se encuentran ensayos. El estadunidense premiado con el Pulitzer en el 84  por Éxito a cualquier precio, tuvo la oportunidad de hacer el guion de la que fuera una película llevada al cine en el 92, con actores grandemente taquilleros y afamados como Al Pacino, Jack Lemmon  y entre otros Ed Harris.

Hoy en el Teatro Ignacio López Tarso del Centro Cultural San Angel se presentan seis  estupendos actores que vale la pena mencionar: Héctor Bonilla, Julio Bracho, Patricio Castillo, Juan Carlos Colombo, Bruno Bichir, Javier Díaz Dueñas y Juan Carlos Beyer.

Esta vez Pedro Ortiz de Pinedo, el productor se arriesga con un proyecto que a leguas se ve exitoso, además de alegre y terrible, características de la comedia, completa el cuadro reuniendo a otros talentosos creadores como Enrique Singer, el director, Alberto Lomnitz el traductor y entre otros a Jorge Ballina, el escenógrafo quien ubica la acción en Chicago, dentro de una sombría oficina donde hasta el aire es gris, con algunos toques en rojo, como un nostálgico bar o un restaurante chino de 1985. Sí, la escenografía no tiene frescor alguno que alivie la fatiga del alma de estos pobres hombres que ya maduros de edad se dedican a uno de los oficios más duros: las ventas.

Éxito a cualquier precio, obra vigorosa de madura experiencia, se plantea como una excelente oportunidad para asistir al teatro, no deje de hacerlo.

 

Teatrikando

 

Dalilah Polanco es una bella Caver-Feminista, ¿Ciber Cavernícola? ¿Feminista Cromagnon? 

 

Por BENJAMIN BERNAL

 

Entre mujeres (podemos despedazarnos, decía la publicidad) de Santiago Moncada, en 1988, tuvo una exitosa temporada y abre una moda que todavía no acaba; hace poco se trató de repetir, con poco éxito, Ruben Lara produjo. Hacía falta mostrar la psique de la mujer, que puede ser heterosexual, lesbiana, promiscua, frígida, mosquita muerta o eróticamente trepidatoria; la estructura de la obra era débil, al hombre se le antojaba verla para aprender sicología y escuchar de sus puntos erógenos (siglos antes del punto G) Hubo mil imitaciones hasta llegar a Por qué los hombres aman a la c. con más estructura, buenas actuaciones y duró muchos años en cartelera. En materia de monólogo tenemos a Defendiendo al cavernícola que César Bono hizo llegar a 11 años de éxito, super récord de permanencia, pues otros monólogos solo han tenido funciones aisladas, no temporadas (Bandera negra, El Diario de un loco y El Gorila) OCESA decidió terminar Defendiendo al Cavernícola para dar paso a Defendiendo a la mujer cavernícola, producto de la pluma del mismo Rob Becker, que se puede ver en Zéntrika de jueves a domingo con la brillante Dalilah Polanco y dirección de Jaime Mataredona. Doy paso a frases que me gustaron, la acción se da: Siglos antes de la liposucción, el botox y wonderbra: Eva tenía tres senos, por lo que habló don Dios (entra la llamada a un moderno conmutador) voz con acento argentino contesta. Extensión equivocada, pues ahí no es quejas. Resulta que Dios es mujer: le quita el seno, asegura es medio feminazi. A la siguiente llamada le dice que se siente sola y quiere compañía o alguien que destape los caños”

El tema central: ella contraerá matrimonio al dia siguiente, entra en crisis como todas quería casarse desde los 9 años, cuando jugaba a las muñecas. Todo mundo esperaba que se casara o al menos se embarazara. Le dan despedidas de soltera, le regalan artículos de limpieza, planchas, cuchillería, licuadoras. Pregunta: Por qué a los hombres si les llevan una teibolera? Desde niña le educaron a usar comida light, yogurt, galletas, ella se comía las croquetas del perro. Hay un prejuicio: el hombre es cazador y la mujer recolectora, por qué no al revés: la mujer cazadora. El hombre tiene detector de que su mujer usa su rastrillo que es mejor para depilarse las piernas. Colecciona los defectos de los maridos: pero ellas se acostumbran, saz. Adivinanza: En qué se parecen el clítoris, la tasa de baño y los cumpleaños: en que nunca le atinan. Se menciona el famoso libro de 50 sombras de Grey (Manual erótico para casadas) Si hubieran sido tres reyes magas, ¡ no se pierden ¡ y hubieran llegado con un pastelito. Arrugas y canas les hacen diferentes: en un hombre dan distinción, elegancia, significan status, por ejemplo en las telenovelas. Pero en las mujeres, la abuela, la tia, la quedada. La mujer soporta aromas, sudor, la mujer no los emite; hay chistes ampliamente conocidos, al lado de otros bien construídos (Para pensar es una riata… o piensa con la…) escenografía completamente distinta a la de Bono, eran unos cuantos muebles troglodita style, ahora es casi una cabaña tropical para que Dalilah Polanco luzca su bello cuerpo, morenamente dorado. Timing, ritmo, tonos, con exactitud milimétrica, un poco excedido el volumen de los micrófonos. Usa vestidos de calle, cavernícola, de novia, desmitifica el paradigma de zapatitos rosas,  encajes, ternura sin fin, hasta llegar a los zapatos de marca, ratifica la boda de blanco, novio que en breve será  un enemigo a vencer. Acuda a ver a Dalilah en las fronteras México-Toluca, se divertirá.

 

Ludwik Margules es visto “En Batalla” Semblanza en Video

El Centro de Investigación Rodolfo Usigli del INBA, presentó el documental En batalla, el Teatro de Ludwik Margules: su autora es Verónica Quezada. Fue una larga noche, leyeron varias cuartillas con una biografía-semblanza del Polaco Mexicano que al ser judío tuvo que emigrar, pues era difícil la época. Carlos Carrera, David Olguin y la directora hicieron uso de la palabra antes y después de que viéramos una parte de su producción, limitada a la vez que extraña, no se decidió a ser video, colección de fotografías, multimedia, pero, permitió ver largos párrafos sobre imágenes que así se podían atender menos. Se centró en algunos montajes (Cuarteto, Los Justos, Jaques y su amo), contaron anécdotas: “Acento extraño, personalidad difícil ( me hizo alguna trastadilla, pero no me tocó una humillación pública dijo uno de los ponentes) hubo una leyenda negra de torturador, que rebasaba los límites, una vez se sublevaron Rosa Maria Bianchi y Patricio Castillo, el caso llegó a las autoridades Universitarias, pero llegó el Perro Colunga a mediar. “No me gusta el sicologismo fecal” decía. Si le gustaba la poesía del satisfactoria, pero no, como Tio Vania, hombre de nuestro tiempo, sin esperanza” El DVD se consigue en el CITRU teatro, el rito, la relación víctima-victimario y odiaba el desprecio por la vida; “En la obra de Chejov los niños tuvieron una niñez feliz que anunciaba una vida posterior igual de y pronto se subirá a Youtube, para verlo sin costo.

NOTAS BREVES: El Mago de Oz dirigido y actuado por Miguel Angel Valles, estelarizado por Daniela Luján, se puede ver cada domingo, en el San Jerónimo, es muy agradable y divertido. ¿Sabía que los versos de Cats son de T. S. Elliot? No dejemos que se olvide: tiene el segundo lugar en permanencia mundial. El primero lo tiene El Fantasma de la Opera con 10,500 representaciones.  Cats 7,500. Luego le cuento más.   

 

Ojalá regrese pronto
Ojalá regrese pronto
Concierto Barroco
Por Esther y Zvi
Una de las artes más antiguas de la humanidad es la crónica y la narración, el narrador con vestuario relativamente sencillo, con una grabación de Vivaldi, en una pequeña mesa además de la grabadora una copa de vino, nos narra una historia, bastante descriptiva en un México de siglos atrás, un espacio que la narración y gesticulación viva, una casona y las aventuras del dueño de la casa, sus tertulias.
El juego de la apariencia del dueño, una chusca aventura no carente de una fina sensualidad, con algunos términos que ya no se utilizan, Lucho Ramírez peruano nos narra esta historia de Alejo Carpentier, un espectáculo de Perú Fusión Teatro, la variedad de voces y cambios de personajes que se presentó el en Foro Contigo América.
Como se dijo arriba una de las profesiones más antiguas es el contar historias, éstas se contaban en pueblos y aldeas, valiéndose en muchos casos del talento expresado en movimiento y voz.
Los narradores desde tiempos inmemorables llevaban a la audiencia a conocer lugares, personajes y actuaciones que de alguna manera reflejan una realidad alterna, que no tiene que seguir las leyes de la lógica.
Esta historia comienza cuando, el vestido de manera algo llamativa, ya en escena comienza a contar una historia con algunas advertencias al público, al comenzar se sirve una copa de vino y empieza su relato cómo un hombre en la Nueva España vie una vida de lujos y excesos, en un viaje a Europa pierde a su criado que le alegraba tocando y cantando.
Conoce a un negro cuyo familiar es legendario, viajan por España y en Venecia conoce a una pléyade de famosos incluyendo a Vivaldi que los lleva al convento donde da clases y estrenan la mayoría de sus obras, donde su criado empezará a poner el desorden que sigue hasta la mañana siguiente, en un lapso mágico se estrena una ópera sobre Montezuma que lo deja reflexivo, un regalo que le hacen a su criado cambiará su vida, al final, un salto en el tiempo y espacio, nos habla de una Venecia presente con Luis Amstrong.
Uno de los retos de este tipo de trabajo como lo hemos visto también en los monólogos es mantener la atención del público, la destreza de este gran maestro, su manejo de voz, movimientos nos habla de alguien que realmente goza lo que hace, entre el público se encontraban estudiantes de narración que no dejaban de alabar su trabajo, ahora nosotros que no somos expertos en el tema con más razón nos llegó esta historia donde nos pintan a personajes reales en lo que respecta a los músicos, de una orquesta de puras mujeres con los mejores instrumentos.
Que hubiera sido de tantas historias a través del tiempo si no hubiera sido por este medio tan loable, quizás se hubieran perdido, sin embargo siguen vigentes y todavía vemos que en muchos pueblos sigue el narrador, el cual permite la conservación de todas las tradiciones e historias de los distintos pueblos. Lo vimos en el Foro Contigo América, función única.
Un trabajo maravilloso, ojala tuviera una temporada para que mucha más gente pudiera gozar este don de poder narrar, dedico esta puesta a una amiga que estamos seguros lo habrá escuchado desde donde se encuentre.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Abril 18 del 2013
Dura crítica a esta obra
Dura crítica a esta obra

EL MALTRATO FÍSICO Y PSICOLÓGICO, EL ABUSO SEXUAL Y LA NEGLIGENCIA EN LOS NIÑOS SACRIFICADOS

 

Por: Alejandro Laborie Elías

 

Son millones de niños en el mundo los que sufren de maltrato físico y psicológico, de abuso sexual y negligencia, México no es la excepción a pesar de que la Constitución Política y leyes secundarias reconocen sus derechos, que no es lo mismo que protegerlos.

 

         Es lamentable que gran parte de las vejaciones a las que se ven sometidos los menores provengan de sus propios progenitores o personas cercanas a ellas como padrastros, profesores, parientes y –grave en grado superlativo- de ministros de cultos religiosos.

 

         Lo anterior es, en síntesis, la temática de Los niños sacrificados, de Françoise Thyrion, bajo la dirección de Gabriela Lozano, a partir de una traducción de Boris Shoemann y Humberto Pérez Mortera.

 

         Una mujer lee una nota, en la página roja de un periódico sobre un caso que involucra a una antigua amiga a la que hace alrededor de 20 años que no ve. Madre por consecuencia de una violación, ve repetirse la historia en su hijo e hija quienes desde temprana edad son abusados sexualmente por su pareja, con una agravante más: su hijo viola constantemente a su hermana.

 

         Como es de suponerse, los trastornos emocionales son parte de lo cotidiano de esa familia, al grado que el hijo termina en un reformatorio para menores y la hija en la cárcel acusada de homicidio, producto de hacerse justicia por propia mano.

 

         La historia no es nueva, a diario leemos o escuchamos en las noticias de casos iguales o similares, lo interesante es la forma en que el dramaturgo asume la trama. El texto es, hasta cierto punto, lineal, a pesar de que hay regresiones en el tiempo, esto es escenas que transcurren en el pasado y otras en el presente; es muy narrativo con varios monólogos en los que los protagonistas literalmente se dirigen al público para contar sus vivencias y extraordinariamente visceral, explota al máximo el sentimentalismo y trastoca en lo más profundo de cada uno de los espectadores.

 

         La dirección, de Gabriela Lozano es pobre a más no poder, monorítmica –nunca explota los clímax a los que el texto invita-, el trazo escénico es casi inexistente, sólo desplazamientos a lo largo del espacio y una escenografía –con base a desvencijadas sillas-, en concreto, somnoliento en lo que a montaje se refiere, sólo el valor intrínseco de la dramaturgia es lo que le da atractivo.

 

         Las actuaciones corren a cargo de Aleyda Gallardo, Bricia Orozco, Tania Mayrén y Guillermo Villegas. La primera, una actriz de primer nivel en el ámbito nacional, es desaprovechada por Gabriela, Bricia con algunos momentos de buena manufactura y Tania y Guillermo perdidos en el espacio, a favor de ambos reiteramos la pobreza de dirección.

 

La escenografía, por llamarla de alguna forma, aún cuando el programa de mano le da el rimbombante título de escenofonía, fue diseñada por Rodrigo Mendoza –ignoro si se trata del hijo del desaparecido maestro Héctor Mendoza o de un homónimo- se limita a varias sillas que en nada apoyan la propuesta de “dirección” y es para adivinos cuál es su simbolismo, a lo que hay que agregar una iluminación, de Martha Benítez, de lo más simple que se pueda cualquiera imaginar.

 

         En fin, un texto interesante que se centra en la estupidez de una madre que oculta la negligencia para afrontar la problemática de abuso intrafamiliar en sus diferentes facetas, pretender cerrar los ojos y culpar a sus hijos para convertirlos en victimarios en vez de víctimas y como consecuencia dos vástagos disfuncionales que no sólo pierden la dignidad de seres humanos sino su libertad y hasta la existencia misma desde un punto de vista psicológico.

 

         Los niños sacrificados es ideal para aquellos que gustan del teatro desgarrador, la cita es en La Gruta, del Centro Cultural Helénico, de la Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas. La temporada se llevará a cabo hasta el 21 de mayo.

 

Abril 2013

 

 

Los niños sacrificados  de Francois Thyrion, traducción de Boris Schoemann y Humberto Pérez Montera y dirección de Gabriela Lozano
¿Cuántos niños, mujeres y hombres sacrificados hay?
Esta obra con las actuaciones de Aleyda Gallardo como la mujer que investiga, Bricia Orozco como la madre, Tania Mayren como la hija y Rodrigo Mendoza como el hijo, con un texto de Francois Thyrion, la traducción de Boris Schoemann y Humberto Montera, la dirección de Gabriela Lozano nos llevan en forma de reportaje por medio de una mujer cuando hay un asesinato que sale en el periódico.
Se da cuenta que se trata de su mejor amiga de la niñez, están involucrados dos hijos y la madre en la muerte del padrastro. Por medio de su interlocución conocemos los diferentes puntos de vista sobre la muerte del padrastro, así como de  esta madre que permite el abuso sexual y maltrato infantil, mismo que ocurre entre hermanos.
Con textos cortos, un uso de luces mínimo permitiendo en las transiciones bien llevadas ve como se mueven los pocos elementos del escenario por los actores, además de ser atemporal, conocemos el drama de ésta y muchas familias donde no se acepta el silencio de la madre que antepone sus necesidades ante los hechos.
Los dos hijos toman decisiones drásticas ante la actitud de la madre hacia ellos, en la penúltima escena toda la trama da un giro de tuerca cuando la madre toma una decisión y deja una carta, en la última las últimas reflexiones de esta mujer que toma el caso para entender.
La preguntas surgen ¿por qué los hijos no dicen la verdad ante la trabajadora social y el juez?, ¿Por qué callan?, ¿cómo se afecta su vida a partir de ese momento? Y quizás una muy importante ¿qué se tiene que hacer para que esto no ocurra?, se necesita la intervención integral que incluye a la familia en primer lugar, a las autoridades locales y federales, las escuelas, se necesita un programa de prevención efectivo y educación entre otros, así como un apoyo psicológico adecuado en una palabra, completo.
Lo que reconozco es que se hable de mujeres asesinas, maltratadoras sobre todo que hoy des el “Día de la Mujer” este 8 de marzo, el cual debería desaparecer y ser el día del “Ser humano”, quitar los espacios en el metro y el Metrobus para las “´pobres mujercitas victimizadas” y las Ateneas sobre todo cuando faltan tantas unidades, solo deberían quedarse los apoyos a los discapacitados, para que los niños sigan estudiando y solo en casos de mayores de 65 cuando comprueben que no hay otro tipo de apoyo.
El gobierno da mucho dinero en programas que hacen “flojas” a las mujeres, solo estiran la manita y ya está, deberían exigirles algún trabajo de tipo social dependiendo de sus capacidades incluyendo el mantenimiento de los camellones, o barrer su calle, esto es lo menos y podemos ir más allá en capacidades, esto es para hombres y mujeres que reciben este apoyo, hay gente con discapacidad que puede trabajar estando sentada, hay mucho que hacer  a cambio de este apoyo que sale de los impuestos de los ciudadanos, así como preguntarnos si estamos de acuerdo de que este dinero sea asignado a estos programas.
Quitar de inmediato Inmujer que nomás utiliza un presupuesto que podrí a ir para La Comisión Nacional de los Derechos Humanos o  crear Inhombre, ustedes sabían que Inmujer tiene refugios para hombres con niños maltratados por mujeres, cómo les quedó el ojo.
Se ha demostrado que la mujer es la más maltratadora de los hijos, también de los hombres, yo misma fui maltratada mi último año de trabajo antes de jubilarme por una jefa que ya había maltratado a otros hombres y mujeres pero contaba con la protección de sus jefes; hay mujeres jefas de bandas, sicarias, matonas, matronas.  Hay cárceles para mujeres, entonces somos “blancas palomitas” y merecemos un  día;  con esto no quiero generalizar como en todo hay hombres y mujeres muy buenos, pero nadie puede negar su existencia.
En ocasiones rehuyo a ver estas obras, por la prepotencia que expresa y dolor que causan, dicen que el teatro es el medio para reflejar la vida cotidiana con esto se ayuda a concientizar a la sociedad, independientemente de mi sentir es una magnífica puesta que se presenta en La Gruta del Centro Cultural Helénico los martes a las 20.30 horas en Revolución 1500 del 5 de marzo al 21 de mayo, estoy segura que ningún espectador podrá salir indiferente porque la obra  es tan directa, con un lenguaje tan cruento y realista que seguro dejará alguna reflexión en cada uno de los espectadores.

 

Firman: Esther y Zvi

La Agrupación de Periodistas Teatrales se une al luto Mundial por el fallecimiento de Sara Montiel, Dama de la Escena Teatral, Cine y Televisión.
¡ Descanse en Paz ¡

Lucilia de Palhares

(Fué Editora de Novedades y de Summa)

 

Fuí a ver El Cartero: 

 

López Tarso llena un escenario con su personalidad y su manera de actuar. Se pasa un rato muy agradable: la obra es corta sin intermedios, lo que me parece estupendo. Elena es muy profesional al igual que la pareja joven. Ahora tengo invitación de Silvia, en breve iré.

 

Estoy convencida, leyendo la entrevista que te hace el Universal, que la gente no va al teatro no sólo por la distancia sino por el precio del boleto. Debería de haber una sección en los teatros de 100 pesos, aunque quede lejos del escenario. La gente va a los bailes con grandes grupos porque es barato, va a Madonna porque viene cada mil años y entonces junta peso por peso, pero el teatro está ahí cerca y entonces piensa: mañana voy...y nunca llega a la función.

TEATRO. El Malentendido. Indiferencia y egoísmo, necesarios para la felicidad


Aspecto de la obra. Foto: Francisco Seguro
México DFmarzo 23 de 2013.
Después de 20 años de ausencia, un hijo vuelve a su hogar con la intención de reencontrarse con su madre y hermana para compartir con ellas la felicidad que la riqueza y el amor le han dado, sin embargo, un malentendido pondrá al descubierto los crímenes que ambas mujeres ejecutan para alcanzar su propia felicidad.
 
Marta y su madre hospedan en su posada únicamente a gente rica y sola, ya que el objetivo de Marta es juntar todo el dinero posible para dejar su país e irse a vivir frente al mar, mientras que su madre espera que el próximo cliente sea el último crimen que cometan para poder finalmente descansar.
 
Sí, el último crimen. Después de cerciorarse que el cliente es rico, le dan a beber un té por la noche, esperan a que duerma, y vivo todavía lo llevan a una presa y lo arrojan, mucho tiempo después alguien lo encontrará, “los nuestros son los que menos sufren: la vida es más cruel que nosotras”, dice Marta en uno de sus diálogos.
 
Jan, hermano de Marta, vuelve después de 20 años al hogar que lo vio nacer, a la posada de su madre y hermana. Él espera que ellas lo reconozcan y lo reciban como al hijo pródigo, pero ellas no lo reconocen, para las mujeres él es un cliente más, un sujeto de quien obtendrán el dinero necesario para finalmente alcanzar sus objetivos.
 
Ambas mujeres han sido indiferentes por años al dolor ajeno, al sufrimiento que dejan a aquellos que esperan el regreso de ese cliente, para ellas la indiferencia e insensibilidad son un camino para alcanzar la felicidad, sin embargo se enfrentarán a sus propios miedos, sufrimientos y sentimientos al sentir una efímera simpatía por aquel cliente que ignoran es familiar suyo.
 
La obra pone de manifiesto los problemas éticos y morales de la vida humana, los actos demenciales que comenten dos mujeres, crímenes justificados por su propio egoísmo, enmascarado como trámite necesario para alcanzar su felicidad, evidenciando las carencias que las aquejan y que esperan satisfaga en el último de los casos el dinero y la felicidad de otros.
 
El Malentendido también es una crítica a Dios, ya que al igual que las mujeres que protagonizan la historia, Dios es un ser indiferente ante los problemas que aquejan a los seres humanos. “Ruegue a su dios que la haga semejante a la piedra. Es la felicidad que él se asigna, la única felicidad verdadera. Haga como él, vuélvase sorda a todos los gritos, sea como la piedra mientras hay tiempo”, dicta un diálogo de una de las mujeres de esta obra.
 
El Malentendido es una obra de teatro de Albert Camus inspirada en una noticia publicada en un diario argelino en 1935, en la que dan cuenta de un trágico malentendido entre una madre y su hijo que, tras una ausencia de 20 años, volvía a Yugoslavia. Camus recortó el artículo que más tarde desarrolló para llevarlo a escena.
 
La Compañía Nacional de Teatro presenta El Malentendido protagonizada por Emma Dib, Ana Ofelia Murguía, Rodrigo Vázquez, Érika de la Llave y Farnesio de Bernalen, el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque hasta el próximo 21 de abril, los jueves y viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas. Suspenden funciones 23, 28, 29, 30 y 31 de marzo.

 

Visualmente bella: Requiem
Visualmente bella: Requiem

Réquiem, Un poema sobre la muerte.
 

 

Por Gloria Domínguez Castañeda


Sucede muchas veces que la producción literaria de un autor hace eco en otro autor mediante unpuente que crea la obra misma, con sus historias y significados. Tal parece ser éste el caso en laforma como fue creada la obra Réquiem.
Tres cuentos del autor ruso Anton Chéjov, impactan la mirada del dramaturgo israelí Hanoch Levin(1943-1999), de tal suerte que, haciendo el entramado necesario para reunir relatos y personajes,forma una historia coherente.
La visión atenta del dramaturgo fija su interés en la temática que domina a tales cuentos hastavolverlos uno solo: la soledad, la pobreza extrema, el abandono de la vida por un vivir mecánico osin sentido, y, desde luego, la presencia de la muerte, justo lo que da el tema a la obra.
Esta serie de estados anímicos, reales, que vuelven una delicia total la lectura de la obrachejoviana por la reflexión y belleza que entraña cada una de sus palabras, son la materia primacon la que Hanoch Levin se propone trabajar. Su disposición, nos dice la nota acerca de esta obra,se origina en el hecho mismo de su enfermedad. Levin se encuentra en un hospital, con un cánceravanzado, cuando, desde ahí, dirige la obra.
Este quizá es uno de los encantos primeros que se advierten en la puesta en escena, bajo ladirección de Enrique Singer. Levin toma nota de esta melancolía, la desazón de los personajes delautor ruso, para escribir su relato con sus palabras, estilo y perspectiva.
Así pues, nos encontramos justamente ante un poema. Ya sea como diálogo o monólogo, ellirismo que hay en cada personaje tiene una gran fuerza. No solo está expresada de una manerahermosa el sentido de la condición de vida, de pobreza, en este caso. Hay, en la propia tonalidaddel discurso, o en el diálogo entre personajes, esa cadencia y musicalidad propia del poema, delverso. Y en el tono justamente se aprecia también la desesperanza.
Sin embargo, este tono melancólico se equilibra con instantes alegres, coloridos, que a su vezrepresentan la posibilidad de la vida, en un ambiente de vacío. Así también, el autor dramáticoreúne a los personajes chejovianos con personajes fantásticos lo que permite este juego de tonosy planos distintos de una misma realidad.
El texto es un amplio abanico de posibilidades. Moisés Zukerman, traductor de la obra del hebreoal español para esta puesta en escena, realiza un trabajo de adaptación al español hablado enMéxico.
Por su parte el director, ante esta propuesta de Hanoch Levin, realiza un montaje apropiado a latemática y al sentido esencial del trabajo de Levin. Así pues, El poema se convierte en un poema
escénico. Un recurso esencial es la música, los violines, que acompañan las diversas escenas, yque actúan como efectos sonoros (bastante atractivos por ser música en vivo), para determinadasacciones. La escenografía, por su parte, diseñada por Auda Chávez y Atenea Caraza, crea unespacio vacío, que se presta como metáfora de la soledad. Puede ser un bosque, un camino, (deacuerdo a la trama), pero también podría ser un horizonte donde los personajes se miran a lolejos, o se pierden. No obstante esto, cada personaje se encuentra situado en donde correspondea su momento, a su presencia en escena, a su desplazamiento, en tanto que en conjunto seadvierten como seres extraviados en el entorno melancólico.
Así como la escenografía consigue el efecto del espacio solitario, lúgubre, lo mismo describe a suvez el vestuario. Más que caracterizarse, el vestuario posee también su propio lenguaje, que relatael abandono de toda esperanza. Es un trabajo cuidadoso este diseño, realizado por Mario Maríndel Río.
Réquiem es una obra corta, en la que vemos sucederse pequeñas historias. El hilo conductor esun personaje, especie de relator, que cuenta su vida y asiste a la de otros que forman parte desu entorno. Señala Enrique Singer: “Las acciones ocurren en cualquier lugar del mundo entreParís y Shangai. Está construida a partir de personajes de Chejov, y tiene esta cosa brutal delos personajes que ya están asimilados a su mediocridad, a su dolor. Son los que se instalan enlos bajos fondos de la vida, son los denigrados”. La obra es muy brutal y de tan negra acabasiendo una reflexión sobre la vida, porque los personajes viven en el peor arrepentimiento quees la nostalgia de lo no vivido. En el hubiéramos sido mejores si tan sólo hubiésemos actuadode otra forma. Y así, se les fueron todas las oportunidades. Es una reflexión dolorosa sobre elarrepentimiento. (Entrevista a Apro).
El montaje cuenta con las actuaciones de Miguel Flores, Erando González, Emoé de la Parra, HarifOvalle, Alejandra Maldonado, Arturo Reyes, Georgina Tábora, Rodolfo Nevárez, Carlos Orozco,Américo del Río y Haydeé Boeto. Cada uno en su carácter no protagónico, encarnan a los diversospersonajes con naturalidad y encanto. No sólo dan vida a sus propias historias con sus palabras,sino que los actúan con gesticulaciones o movimientos corporales que pueden volverse hastacómicas, o radicalmente dramáticas, y que expresan muy bien los momentos en que el habla,ante una realidad fuerte o hartante, es sobrado. Y no obstante, el lenguaje, en el momento enque toma su lugar como expresión, se presenta de una manera ruda, fuerte, lo cual es trabajadonaturalmente por las actrices correspondientes.
No deja de ser interesante este punto, por mencionar uno de los elementos narrativos: lapresencia de prostitutas, que, a través del lenguaje hacen ver de forma cruda la realidad deabandono e ilusionismo, lo cual parece ser una constante y rasgo desafiante en la obra de HanochLevin. Véase si no, las referencias a otra obra importante de su factura: la puta de Ohio.
Réquiem reúne un gran elenco, un trabajo de dirección cuidado en todos sus elementos y desdeluego, la oportunidad de ver la obra de un autor no conocido en México, puesto que sus obras nohan sido publicadas. Hanoch Levin es actualmente uno de los autores dramáticos más importantesen el mundo. Sus obras, críticas, han cuestionado los principios de la sociedad israelí, así como los
conflictos Israel-Palestina. Es un autor controvertido que ahora encuentra un eco importante enMéxico, pues esta puesta en escena revela el interés de nuestro país en dar a conocer su obra,justo en un tiempo como el actual, que conjuga total difusión de arte y conflicto bélico.
Réquiem es un poema escénico que no debe dejar de verse.

Otra forma de autoempleo?
Otra forma de autoempleo?
México. D.F.                                         CHISPAS                                 15-02-2013
                                                                 Por Adonay SOMOZA H.
ASALTO AL CINE. PROYECCIÒN GRATUITA PARA TODO PÙBLICO EL JUEVES 21. La Cineteca Nacional presentó a los medios de difusión el largo metraje “Asalto al Cine”; historia  dirigida por Iria Gómez Concheiro, basada en un acontecimiento  de la vida real. Cineteca proyecta esta película partir del anterior jueves 14 de febrero describiendo la vida inútil de cuatro jóvenes,  que ante la falta de ocupación y careciendo de recursos monetarios determinan asaltar una sala cinematográfica. Por ningún motivo negamos la magnífica realización de  esta cinta que  fue seleccionada en Sudance, además de obtener un reconocimiento en el anterior Festival de Guadalajara 2011. Subrayamos la enorme importancia que a raíz de su proyección en el Festival 4+1 y en la Primera Semana  de Cine Mexicano Independiente de la Cineteca (SMI), obtuvo la solicitud para recorrer, en un acontecimiento histórico, cinco países centroamericanos:  Guatemala, Honduras, El Salvador, Panamá y Costa Rica; asimismo la presentación  de esta Ópera Prima de la cineasta Iria Gómez, en distintas salas del interior de la República Mexicana, asì como en el Distrito Federal durante el 2012, para finalmente presentarse durante el mes de febrero en las pantallas de la Cineteca Nacional. Como estamos enterados, la cinta, fue proyectada  a los medios informativo la semana anterior; indicando sus funcionarios, que la finalidad consiste en continuar  apoyando al cine mexicano de calidad, asì como también extender una nueva  ventana a realizadoresnoveles; del mismo modo ofrecerle al público una mejor oferta cinematográfica. “Asalto al Cine”, de Iria Gómez se estrenó al público en general el anterior jueves 14 de febrero, la película también se podrá disfrutar el 21 febrero, a las 19:00 horas (sugerimos presentarse con  media hora de antelación), en el Foro  al aire libre: Gabriel Figueroa, ubicado en el interior de la Cineteca. Esta función para cinéfilos  y público, será totalmente gratuita. La historia describe a los amigos  de una colonia popular en el Distrito Federal: “Negus”, “Chale”, “Sapo” y “Chata”, siendo víctimas de la  falta de atención de sus padres; estos adolescente vagan por la Capital Mexicana con la intención  de utilizar sus extensas horas libres en algo provechoso; sin embargo no saben cómo hacerlo. Los cuatro muchachos se dedican a la ociosidad y su vicio, el consumo de marihuana, bajo sus influjos fraguan el asalto a un cine, y en función de su carencia económica deciden llevar a cabo su cometido asaltando un cine; el grupo al concluir su cometido ponen en peligro lo único que poseen: su amistad. Como expuso Iria Gómez durante la conferencia, ella basó la trama en un hecho real ocurrido en  una sala de conocido cine del Distrito Federal, la cinta describe el ingreso a la sala  cuando el público la abandona, ellos logran apoderarse del efectivo recaudado en la dulcería y la gerencia; por tal motivo cometen el “robo perfecto”, quedando impune su fechoría, más bien parece que los acontecimientos se encuentran a favor de la delincuencia y que los culpables jamás fueron descubiertos.
Deseamos que lo presentado en la pantalla grande, no  propicie que adolescentes y jóvenes maquinen  otro:” Asalto al Cine”…
LA COMPOSITORA EMA ELENA VALDELAMAR FUE CONMEMORADA CON SUS CANCIONES. La compositora Ema Elena Valdelamar, fue conmemorada a través de su legado musical  heredada a los amante de melodías que perdurarán en el corazón  de sus admiradores. Suponemos que alguno de nosotros hemos escuchado, tarareado, o inclusive cantado aunque no seamos profesionales en ese medio, algunas composiciones de la inolvidable Ema ElenaValdelamar, como “Mucho corazón”, “Mil besos”, “Cheque en blanco”, “Cariño viejo”, “No te puedo olvidar”, “Devuélveme el corazón”, por citar algunas que se han grabado en el pensamiento de todo aquél que presuma de romántico. Ema Elena  nació en la capital Mexicana  el 27  de mayo  de 1925, su primera composición surgió de su inspiración a la edad de 11 años; misma, que jamás dio a conocer. Sus padres la inscribieron en un colegio particular con objeto que estudiara la carrera de comercio y alejarla del medio artístico, pero su hondo sentir por la música la dominó, situación que ocasionó el disgusto familiar. Descrita como la Última Diva de la Época de Oro  de la Composición en México, ha sido clasificada como una compositora dotada de  natural inspiración, descubierta desde su adolescencia. Asimismo su perseverante decisión para sobresalir en un medio reservado en exclusiva para los compositores varones, logró su objetivo como autora, impactando al público  con canciones que como  estamos  enterados, constituyen emblemáticas en el repertorio sentimental de los mexicanos. El merecido homenaje luctuoso a la memoria de Ema Elena ( mujer que durante su existencia luchó a brazo partido por su pasión, la composición romántica),  fue amenizado por la Orquesta Filarmónica de las Artes (OFA), dirigida por el juvenil maestro Enrique Abraham Vélez Godoy y las inconfundibles voces de Paquita la del Barrio y Mirza Maldonado, por citar algunas intérpretes que se unieron a esta  fraternal evocación en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, el anterior sábado 16 de febrero…
RODRIGO DE LA CADENA REFRENDA UN ÈXITO MÁS. El anterior fin de semana, para ser precisos el domingo 17 de febrero, Rodrigo de la Cadena, cantautor, ejecutante de piano, guitarra y órgano, refrendó una vez más sus éxitos en el Teatro de la Ciudad, presentando ante su público el programa “Bohemia con Fillin. Boleros de Cuba y México”. Los que hemos disfrutado en otras presentaciones el espectáculo del joven (25 años de edad), Rodrigo de la Cadena, coincidiremos en que  es un ser privilegiado quien transmite en cada actuación su amor por la música; estamos enterados que desde los 7 años de edad ejecutaba el piano  (vocación con la que nació, e impulsado por sus padres), instrumento musical que domina a la perfección. A través de la conferencia ofrecida a los medios de comunicación, Rodrigo  señaló que   el concierto  se dedicó a todos aquellos artistas que con su música surgieron  a mitad de los años cuarenta del Siglo XX en los barrios de la Habana, Cuba, cuando se reunían  para componer canciones  combinadas  con la música cubana y la estadounidense, especialmente  el jazz; aunque también la clásica  como la de Claude Debussy. Añadió que el bolero filin, surgió de la inspiración de compositores  como José Antonio Méndez, César Portillo de la Luz, Vicente Garrido, Luis Demetrio, Ñico Rojas y Jorge Zamora, recreadas en la voces de Olga Guillot, Omara Portuondo, Lucho Gatica, Elene Burke, Moraima Secada y del pianista Frank Emilio Flyn; por tal motivo el domingo anterior se escucharon  canciones representativas del Filin, como, “La gloria eres tú”, “La puerta”, “No me platiques más”, ”Tú me acostumbraste”, “Delirio”, “Te me olvidas”, por citar algunos inolvidables títulos de canciones que los asistentes disfrutaron el 17 de febrero, para también refrendar el día del Amor y de la Amistad…

CELEBRACIÒN DEL 14 DE FEBRERO. Únicamente para recordar: los que celebraron el 14 de febrero,   les informamos que originalmente  se realizó en el Reino Unido (Europa Germánica), alrededor del Siglo XIV. Con el transcurso de los años se denominó “Día de San Valentín”, celebrado tradicionalmente en los países anglosajones, siendo extendido  en diversos países a lo largo del Siglo XX, cuyo objetivo consiste en afirmar  los lazos  de amor y cariño mutuamente. En algunos países se identifica como  “Día de los Enamorados” y en otros, como “Día del Amor y la Amistad”. Y para nuestro acervo cultural: en Argentina se conoce como “Día de los enamorados” o “Semana de la Dulzura”; en Bolivia, el “Día del Amor y la Amistad” celebrado el 23 de junio; en Brasil: “Día dos Namorados” (día de los novios), celebrado el 12 de junio y en la República de Chile, se conmemora también el “Día de los enamorados”, el 14 de febrero.
Claroscuros en este montaje
Claroscuros en este montaje

 

“TOMAR PARTIDO”, UN DILEMA A ESCENA


                              Por Gloria Domínguez Castañeda

 

En esta segunda temporada recién iniciada se presenta la obra “Tomar partido” (Taking sides), nuevamente en el amplio escenario del Foro Cultural Chapultepec.

     Original de Ronald Harwood, cuenta con la dirección de Antonio Crestani y las actuaciones de Humberto Zurita y Rafael Sánchez Navarro en los papeles estelares, además de Martín Altomaro, Marina de Tavira, Sergio Bonilla y Stefanie Weiss.  

 

   “Tomar Partido” reúne, a manera de rompecabezas, fragmentos de la biografía del director de orquesta, Wilhelm Furtwängler (1886-1954), en el periodo en que radica en la Alemania dominada por el nazismo bajo la tutela del canciller Adolf Hitler (1933- 1945), no obstante las condiciones de guerra y la vulnerable situación en la que queda la Orquesta Filarmónica de Berlín, que obliga a escapar o exiliarse a compañeros suyos, judíos y alemanes perseguidos o de ideología opuesta al régimen dominante.

 

     Tales fragmentos de la vida del director durante estos años, tienen como eje un episodio central: el juicio al que es sometido en 1946, una vez que Alemania es derrotada, lo que da fin a la Segunda Guerra Mundial. Éste, dirigido por un tribunal militar establecido en la zona norteamericana de la capital, forma parte de los llamados “tribunales de desnazificación”, que significan un programa de “limpieza ideológica”, por llamarle así, ocupado en borrar de la nueva Alemania toda huella de la influencia cultural y educativa del partido.

 

     De tal suerte, juzgan a quienes son catalogados como sus representantes, ideólogos, cómplices del régimen, y sobre todo del Führer, del “gran dictador”, el impresionante alemán de corto bigote que, dicho sea de paso, hizo una mella enorme en los artistas contemporáneos, como Charles Chaplin, que no pudo escapar al influjo de su fuerte presencia, y lo llevó a trabajar al personaje, a abandonar su estética de cine mudo, aun cuando su posición fuera absolutamente crítica.  

 

     Antes de entrar en materia escénica, consideremos en primer lugar la manera como aborda su trabajo el autor, Ronald Harwood. El momento del juicio transcurre en un tiempo crítico: acaba de terminar una guerra, en la que Alemania es muy cuestionada por la persecución judía y por su ideología, estimada como nefasta; además hay un ganador, los Estados Unidos de Norteamérica (en realidad uno de los ganadores, miembro de los países aliados), que se erige como un gran juez. Por otra parte hay un vencido, Alemania, que en su nueva condición de subalterno al nuevo orden, forzosamente ha de rendir cuentas de su actuación durante esta cruenta guerra.

 

     De tal suerte, se enfrentan dos fuerzas en condiciones desiguales: la que ahora tiene el poder, y por ello juzga al vencido, (es decir, el tribunal norteamericano), y la que no lo tiene, y además dispone de escaso margen de defensa (el ciudadano alemán). El autor, por tanto, advierte y toma estos elementos valiosos (el momento crítico histórico y las fuerzas que se oponen), para desarrollar una trama atractiva, la cual sucede en una circunstancia, lugar y tiempo preciso: el juicio, en Berlín, en 1946.

 

     Asimismo, perfila fácilmente, en  las dos fuerzas que se oponen, a sus representantes: un militar y el artista. De ahí que, a partir de que delinea a sus personajes, concibe en ellos los juicios de valor que los distinguen, presentes en sus argumentaciones, las disyuntivas, dudas, certezas, que cada uno posee, de acuerdo a su experiencia y visión.      

 

     Ante este panorama su trabajo dramatúrgico se centra, pues, en dos objetivos: uno, destacar las condiciones de un juicio, con sus matices, argumentos enfrentados u opuestos, todo lo cual expresa realidades distintas y formas de concebir los hechos, también diferentes, y, dos: el establecimiento de dilemas.     

 

     El trabajo de Ronald Harwood se aprecia, entonces, como un teatro de ideas, en tanto tiene como eje de trabajo el discurso (los argumentos de los personajes, su filosofía, humanismo y experiencias de vida), y es éste su base dramática.

 

     Así también, se sirve de un argumento preciso, con personajes bien definidos para jugar el rol asignado. Es decir, enmarca en su lugar preciso de acción dramática a los personajes centrales en pugna, así como aquellos que complementan las acciones en torno al juicio: la secretaria, un asistente del general norteamericano, un ex músico de orquesta, una viuda. Todos y cada uno, en mayor o menor medida, participan de este juicio desde sus posturas morales acerca de la guerra y el sentido de justicia.  

 

     La obra de Harwood no encuentra necesidad de una gran cantidad de acontecimientos. Antes bien, se presentan las acciones dramáticas necesarias para el desarrollo de la trama y el logro del objetivo: la exposición del dilema: ¿qué debe hacer un artista en tiempo de guerra?, ¿Involucrarse a favor o en contra de un régimen? ¿Debe implicarse en la política? ¿El arte es ajeno a la política?  

 

     Mañosamente, en este punto, el autor obliga al espectador a intervenir. Se rompe la “cuarta pared” de una manera singular: a través del discurso, el argumento, la voz y la pasión que imprime el personaje cuando nombra los hechos de su existencia. Esto es lo que le da sentido al título de la obra

 

     Ahora bien. ¿Cómo es tratada en escena esta obra? En la escenografía se observa la misma austeridad que distingue a la historia narrada. El escenario propone un mobiliario elemental, justo para el desplazamiento y acciones de los personajes, el cual recoja la atmósfera de una oficina militar, con la delimitación precisa de entradas y salidas. Tal escenografía corresponde, desde luego, a la tendencia del teatro actual, que se propone prolongar en escena el tema y el tono de la obra tratada.

 

     Otro elemento también de vanguardia desde algunos años en la escena, como hemos visto, es la incorporación de material audiovisual, como efecto visual (mediante película, documental, etc.) En el caso de “Tomar partido”, aun cuando se justifique su presencia por formar parte de la historia, de lo acontecido a los personajes, se maneja en realidad como elemento dramático en el entorno de la guerra.

 

     En momentos precisos, de acuerdo con el avance sensible de la historia, sin duda cobra fuerza y se incorpora a la propia atmósfera y ánimo del personaje, de tal manera que el espectador mismo se integra al ambiente de la guerra, de la persecución; pero hay momentos en que este recurso es sobrado, es decir, no lo necesita la escena en cuestión, o no corresponde ahí donde se le coloca. Con ello, prácticamente desluce el trabajo del personaje, mientras que la pantalla, fuera de lugar, violenta la escenografía e iluminación que nos han remitido al tiempo y lugar que se enuncia.     

 

     Llama la atención el escaso juego de luces sobre el escenario. Si consideramos que se trata de un acusado a quien se está juzgando, es un recurso común acudir a la concentración de luz en el personaje clave, que tiene efectos sobre el rostro y en general crea un efecto intimista. En este montaje se opta por dotar al ambiente con efecto general de sombra y luz, lo cual también se logra gracias a la escenografía de sus altos muros. Se produce entonces una atmósfera de austeridad, justo como un ambiente de postguerra.

 

     Para hablar del trabajo actoral habría que poner énfasis en su relación con la obra escrita y su adaptación. En primer lugar, ocurre que el autor, en virtud de que su objetivo principal es el planteamiento de las diversas experiencias de vida de los personajes y sus argumentos, que han de derivar en dilemas, no perfila a personajes opuestos, que delimiten, como un estereotipo al “bueno” y al “malo”. En este sentido, el trazo de los personajes es complejo.

 

     En términos de intensidad dramática, los personajes alcanzan un punto de catarsis más en relación consigo mismos, lo cual es un tratamiento distinto. Sería más fácil enfrentarlos, crear un ambiente de violencia que derive en un clímax y una catarsis. Pues no está planteada así la obra: le interesa más trabajar el contexto del juicio, y la aparición de las propias interrogantes.

 

     En segundo lugar, dado que es una adaptación del original, (traducción y adaptación a cargo de Daniel Leyva, Patricia Ruiz y Antonio Crestani), se observa una caracterización bien definida, pero que no guarda equilibrio entre los personajes centrales.

 

     Es decir, vemos a un general que aunque exprese muy bien el carácter orgulloso, prepotente y burlón de un típico militar, no hace presente a un militar norteamericano, aunque de cierta manera, justo por este tipo de comportamiento, lo evoca. Más bien se caracteriza como mexicano a partir de un elemento básico incorporado en esta adaptación: el habla común. No tendría que expresarse con acento inglés para denotar su nacionalidad, pero el hecho de parecer un militar mexicano, le resta credibilidad a la evocación de la escena alemana-norteamericana de fin de guerra.

 

     En el personaje del músico, en cambio, se trabaja con claridad al director de orquesta, sin caer en el estereotipo del artista, en tanto que en el acento (de frases cortantes, breves) se manifiesta la evocación del carácter alemán, o bien del artista proveniente de este país. Esta falta de equilibrio entre los protagonistas es un factor en contra del trabajo de ambos actores.

 

     El trabajo actoral, aparte de estos puntos, tiene excelente factura. Con precisión en la voz, el manejo del diálogo, las posiciones físicas que adquieren en los diversos momentos en que se enfrentan, su trabajo surge contundente. Así también lo son aquellos actores que forman parte de la escena como complemento o cumpliendo un enlace determinado en el contexto de la historia. Cada uno, en su papel, trasciende su caracterización para encarnar realmente al personaje en el caos que vive. No sobra decir, además, que la acústica, excelente del teatro, contribuye a una expansión absoluta de las voces en escena.

 

    Es muy interesante el concepto de su director, Antonio Crestani, al conjugar una historia de esta naturaleza, que tiene una gran base dramática, y reunir a dos primeros actores que, desde luego, dan vida a sus personajes de manera espléndida hasta ser trascendidos por éstos. Lo mismo sucede con el trabajo de Sergio Bonilla, Marina de Tavira y Stefanie Weiss: medido y contundente. 

 

     Sin duda, ante un tema tan difícil de plantear, como es el papel que tiene un artista, su búsqueda y circunstancias en el entorno político de su país, deja al espectador ante la presencia de un problema complejo que se lleva a casa, como un eco. Es un problema ético y estético, además de representar un cúmulo de experiencia en el entorno siempre terrible de la guerra.

 

     No podemos dejar de plantearnos, ante el espejo que nos muestra esta obra, y que nos remite al propio perfil de nuestros artistas, en cualquier nacionalidad, las interrogantes: ¿cuál es el fin del arte? ¿Para qué sirve? ¿Quién se sirve del arte?

“Tomar partido” Se presenta en el Foro Cultural Chapultepec los viernes a las 20:45; sábados a las 18:00 y 20:45 horas y domingos a las 16:30 y 19: horas.

 

Largo historial de Películas
Largo historial de Películas
Trabajó intensivamente en Teatro
Trabajó intensivamente en Teatro

Nos unimos a la pena de la familia, amigos y Mundo Artístico por el fallecimiento de Miguel Angel Ferriz: Descanse en Paz.


La Agrupación de Periodistas Teatrales está de luto.

Es raro ver buen teatro para niños
Es raro ver buen teatro para niños

TODOS SOMOS IGUALES Y A LA VEZ DISTINTOS

 

Por: Alejandro Laborie Elías

 

Desde que las personas tenemos uso de razón, escuchamos que todos los seres humanos somos iguales, sin embargo al observar nuestro entorno vemos, a la vez, que somos diferentes: gordos y flacos, altos y bajos, blancos y negros, inteligentes y otros menos, pobres y ricos... En alguna ocasión oí de un sacerdote: “Todos somos iguales pero no de la misma clase”.

 

         Creo que esto provoca una confusión, al menos hasta llegar a una edad para entender que todos somos “iguales”, al menos desde los puntos de vista teológico y filosófico. Mientras esto sucede, los niños tratan de discernir tal afirmación. De ahí, que en ocasiones el teatro adquiera relevancia para, de forma amena, comprendan la citada igualdad y el respeto a las diferencias en todos los sentidos.

 

         Este es el propósito del texto dramático Los cuervos no se peinan, de Maribel Carrasco, quien en una forma onírica, más que fantástica, a través de una fábula aborda el tema, para que tanto adultos como infantes reflexionen, cada cual en la medida de sus posibilidades. No se trata de una obra didáctica, el humor campea en todo momento, no hay mejor forma de penetrar en la mente de un pequeño que mediante lo lúdico.

 

         Una historia donde una mujer desea compañía, así trata de acercarse a los animales en su estado natural y obviamente no es correspondida, hasta que un día se encuentra un huevo que la persigue y se alberga en su casa. Un día éste se abre y sale un pajarraco que a la postre resulta ser un cuervo. La mujer lo adopta y lo cuida como si se tratara de un niño, al grado que el ave aprende a hablar. Llega el día en que asiste a la escuela y, por supuesto, es diferente a los demás, “raro”, empieza a sufrir las consecuencias. Ahí surge toda una filosofía sobre el tema central, a la postre...

 

         Una anécdota inmersa en el amor y desamor entre diferentes, escrita en forma inteligente, con una estructura un poco complicada para los menores, porque sólo hay dos actores y muchos personajes, sin embargo presentada en un lenguaje propio a sus destinatarios y a partir de una psicología emanada de la forma de pensar y comportarse de los niños.

 

         La dirección es responsabilidad de Boris Schoemann, quien convierte el texto en una verdadera delicia, en un poema escénico, en un montaje, que sin exagerar quedará en la mente de más de algún pequeño hasta el último día de su vida y, por qué no, para otros será la bujía que detone su gusto por el teatro. Un acierto más es que trata a los infantes como seres pensantes.

 

         Las actuaciones están a cargo de Amanda Farah y José Cremayer (Sergio Solís alternando funciones), quienes dan vida al poema escénico concebido por el director. Actores ante un compromiso de transmitir un mensaje, hecho que logran con creces, sin mayores aspavientos o exageraciones que luego nadie cree; por demás convincentes, hasta con los adultos.

 

El magnífico cuarteto –autora, director y elenco- nos brindan una excelente oportunidad para disfrutar de una de las grandes puestas en escena que la cartelera de teatro para niños ofrece en la Ciudad de México. La cita es en El Galeón, los sábados y domingos a las 12:30 horas, hasta el 28 de abril.

 

Febrero 2013

 

Bello trabajo, adaptación libérrima
Bello trabajo, adaptación libérrima
Un Narco admirador de Shakespeare
Un Narco admirador de Shakespeare
HAMLET, PERSONAJE DE WILLIAM SHAKESPEARE, CONVERTIDO EN EL
HIJO DEL JEFE DE UN CÁRTEL

 

Por: Alejandro Laborie Elías 


Hamlet, uno de los personajes más repr1esentativos de la dramaturgia de William Shakespeare, es el hijo del jefe de un cartel –en esta ocasión rey equivale a jefe y plaza y rancho son reinados- se debate frente a su decisión de vengar a su padre arteramente asesinado por su propio hermano, Claudio, en contubernio con la viuda del occiso y madre del protagonista. (Sinopsis) 

 

Se trata de una versión libre de Carlos Valencia y la trama en esencia es la misma del original, salvo algunos detalles para ligar a los personajes con circunstancias propias de nuestra idiosincrasia nacional y con aspectos relativos al entorno de una familia mexicana. Lo que es cierto es que la versión es digna de toda loa, más si se toma en cuenta que está concebida para sólo dos actores. 

 

Ignacio, en estrecha colaboración con Carlos, adopta un espacio escénico que se reduce a una pasarela, unos cuadros (pinturas) y algunos objetos de utilería, además del empleo de títeres, la voz del padre en off, bajo la iluminación de Roberto Paredes.

 

Una historia bien contada, mejor dirigida y actuada en forma excelsa por el propio Carlos Valencia y Margarita Lozano, quienes en alrededor de una hora, hacen de la tragedia una delicia. Es sabido que más de algún conservador del teatro -como es su costumbre- se abocarán a rechazar la versión libre, lo cierto es que en este caso el equipo creativo arriesga y el resultado es de la más digna crítica.

 

            La puesta en escena posee imágenes de gran plasticidad, monólogos apoyados con elementos que refuerzan las palabras, expresiones corporales y faciales de gran exquisitez, sin descontar, porque no hay nada perfecto, que Carlos tiene una "voz aguardentosa”, claro que no le es imputable y menos demerita en mayor grado su trabajo actoral. Margarita con presencia escénica, porque si bien la madre de Hamlet nada tienen que ver con su edad real, no tuvo necesidad de disfrazarse o hacer otros artilugios para representar a una mujer madura. 


Interesante oportunidad, a la mexicana, para saber qué se soñará cuando se está muerto, en el teatro Benito Juárez, de la Ciudad de México, los viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.

 

Estrenada en el marco de la Séptima Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México, es una interesante oportunidad para saber qué se soñará cuando se está muerto, en el teatro Benito Juárez, de la Ciudad de México, los viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.

Febrero 2013

 

 

Alude a un personaje televisivo
Alude a un personaje televisivo
EL DELINCUENTE INFANTIL Y JUVENIL COMO PRODUCTO
DE LA DESINTEGRACIÓN FAMILIAR Y SOCIAL
  
Por: Alejandro Laborie Elías
  

El destacado investigador, dramaturgo y editor Jaime Chabaud enfoca la delincuencia infantil y juvenil como un producto de la desintegración familiar y social que lo llevan irremediablemente a su destrucción moral y psicológica.

         La pregunta es si en verdad el entorno de una persona la determina. Desde mi punto de vista, el ambiente puede condicionar, sólo eso, porque de ser cierto lo mencionado en el primer párrafo, todos los que padecen situaciones similares serían delincuentes y las clases sociales acomodadas económica y culturalmente no tendrían esta problemática.

         Más allá de lo anterior, Jaime presenta un texto, intitulado El Kame Hame Ha,resultado de una amplia y profunda investigación, con la colaboración de Jesús Jiménez, a partir de casos reales, en general dados a conocer por los medios de comunicación y en particular por la lectura de libros relacionados con el tema.

         No se trata de un documental teatral, sólo las fuentes son verdaderas, con la salvedad de que hay una dramaturgia, acertada y diferente a la que al autor nos tiene acostumbrados, claro, con algunos hechos ficticios. Se trata de varios personajes concretos que se han sintetizado en uno y de ahí el contenido específico de la obra.

         La temática del monólogo se resume en un niño de 8 años de edad involucrado con la delincuencia y como consumidor de marihuana. Hijo de un padre golpeador e inmerso en un medio donde lo “normal” es la violencia, la degradación del individuo y cometer ilícitos encontrando placer en ellos.
 
         En su haber tiene siete homicidios, secuestros, robos; a pesar de su historial, en el fondo de su ser existe un cierto humanismo, en ocasiones llega a sentir piedad por sus víctimas, aún cuando su estilo de vida le causa placer y hasta motivos para presumir de lo que es. Sin embargo, llega la hora de enfrentar ese devenir y... No es un texto moralista, no tiene la intención de dar explicaciones, sencillamente expone los hechos y sus consecuencias.

         La dirección corre a cargo de Jesús Jiménez, quien se vale de un espacio simple, unos cuantos objetos, pero extraordinariamente bien empleados, al grado de convertirlos en cosas “vivientes” y hasta protagónicos, como unos vehículos a escala en los que el actor se apoya para contar, por ejemplo, un robo y  un asesinato.

         Lo más importante de la propuesta de Jesús es que deja que Esteban Castellanos despliegue todo su potencial actoral, a través de un personaje que tiene muchos requerimientos, sobre todo de credibilidad frente al público, la mancuerna lo logra con precisión, captan al espectador de principio a fin; no hay morbo, simplemente decir esto es lo que se vive en México y muchos no quieren aceptar, ni siquiera ver.

         Por su parte, Esteban está impresionante, convincente, en el mejor momento de su carrera. Si bien el texto es exigente, además la dirección le marca una serie de coreografías –basadas en las artes marciales-, de gran esfuerzo y desgaste físico, que el actor resuelve de forma tan natural, que su caracterización no requiere de mayores alabanzas, habla por sí sólo.

         El título de la obra está inspirado en la famosa historia de Dragon Ball Z, la predilecta del niño-joven, el mismo se auto nombra Saiyajín, como el protagonista de la serie de dibujos animados.

         Esta obra se ha presentado en varias ciudades de la República Mexicana, provocando diferentes comentarios y polémicas, sin embargo, por ejemplo, muchas colonias y zonas marginadas del Distrito Federal están interesadas en que se lleve a los lugares donde se da esta problemática para que tanto padres como hijos vean la cruda realidad que los rodea. Si el teatro puede aportar algo, por mínimo que sea, bienvenida la labor de Jaime Chabaud y compañía.
 
         Por lo pronto El Kame Hame Ha, presentará una temporada en el teatro Sergio Magaña, de la Ciudad de México, hasta el 14 de febrero, los viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. A partir del mes de abril y durante tres meses, estará en el recién inaugurado teatro Carretera 45.

 

Enero 2013

 

Las Criadas nuevamente a escena

Por Aristócrates

 
Sebastián Rulli y Jorge Salinas interpretarán "Las criadas", del controvertido Jean Genet, asiduo visitante de las cárceles, leer su biografía es sumergirse en el subconsciente de un hombre atrapado por ¿perversidad propia?. ¿genes extraños?, ¿poesía?, ¿teatro?

 

Hay controversia sobre su marginalidad, pues nunca se dió a la tarea de buscar "normalidad" si le gustan las biografías adéntrese en la del francés, que recuerda al asesino serial que interpretó John Malcovich hace un año en México, claro menos perverso, porque Genet robaba, vagabundeaba, vendia sexo; nunca mató. En tanto el que vimos con Malkovich, Jack Unterbeger asesinó a más de diez mujeres. Lo que tienen en comun es que los defendieron escritores y filósofos porque "las letras los habían reivindicado",  sin embargo, regresaron a la delincuencia y prisión.

 

Los intelectuales como Sartre, Cocteau, Picasso, pidieron y lograron el indulto, porque tenía sobre sí, cadena perpetua. Vivió momentos de hundimiento total y de exaltación por sus publicaciones. Murió en el olvido.

 
Salvador Garcini dirigirá este trabajo, produce Rubén Lara, recordamos a Susana Alexander, Mercedes Pascual y Adriana Roel, después, Juan Ferrara, José Ángel García y Alejandro Camacho, la segunda tambien en el Polyforum, 1977.

La pareja: pulsión, repulsión
La pareja: pulsión, repulsión

LA DESTRUCCIÓN DE LO QUE AMAMOS EN

PAISAJE MARINO CON TIBURONES Y BAILARINA

 

Por: Alejandro Laborie Elías

 

Es sostenido por más de algún filósofo, teólogo o, inclusive, un idealista, que el amor es el sentimiento más sublime que pueda emanar de la naturaleza humana, sin embargo cuántos son los casos que conocemos donde la pareja –que se ama- lucha hasta lo imposible por destruir al ser querido y así mismo (a), algunos definimos esto como sádico-masoquismo, lo verdadero es que ni la psicología sabe a ciencia cierta qué es lo que acontece en la mente humana para llegar a estas situaciones.

 

         En resumen es el planteamiento del texto dramático Paisaje marino con tiburones y bailarina, de Don Nigro, que se adentra en como la destrucción de lo que amamos es una realidad incuestionable, afortunadamente no en todos los casos llega a los extremos. Todos los días vemos seres humanos que dicen dar la vida por el otro, cuando en realidad están planeando cómo quitársela, sin importar las consecuencias.

 

         En nuestros días se habla mucho de la violencia física, pero es más difícil detectar la psicológica o moral, en las que se sumergen millones de personas alrededor del mundo. La filosofía popular pregona que del odio al amor hay sólo un paso, lo interesante sería investigar si no es lo contrario.

 

         El dramaturgo presenta ante el espectador un hombre y una mujer. Uno rescata a la otra del mar; ella cree que danzaba, él que se estaba ahogando. Lo importante es que inician una relación, desde sus comienzos es una interrogante: ¿qué pretende cada uno de ellos? Las circunstancias los llevan a la intimidad, no tanto la sexual como la de penetrar en lo más recóndito del alma; intimidar –en el otro sentido del término- en el cerebro, para después...

 

         Bruno Bichir, en su calidad de director y actor, acompañado en el escenario por Tato Alexander, dan vida a tan singulares personajes, que libran una batalla donde cada uno usa sus mejores armas: ella el ataque directo, frontal, despiadado; él su amor, la pasividad y resignación ante las afrentas, todo lo perdona, al menos lo asimila.

 

         Razón y sentimiento –representados por ella y él- entran en pugna, la mujer embate con todas sus fuerzas, pero en el momento en que Ben deja de luchar y muestra su indiferencia, desubica a su contrincante, Tracy, cae en el descontrol, no sabe qué hacer y lo tilda de cobarde. No hay un final formal, pero sí lógico.

 

         Bichir y Tato estrenaron esta obra en noviembre de 2012, en el teatro El Granero, si bien el primero demostró su experiencia –las tablas que posee como se dice en el argot teatral- no acabó de convencer a propios y extraños; por otra parte la segunda decepcionó hasta a sus más allegados –mera especulación- quedando muy por debajo de los requerimientos de esta propuesta dramatúrgica.

 

         Ambos inician una nueva temporada en otro espacio, con condiciones y retos diferentes. La primera vez, en noviembre de 2012, lo hicieron en un escenario con formato de arena -público a los cuatro lados del escenario- y ahora en a la italiana. Bichir está en plena madurez, como queríamos verlo, Tato se ha superado enormemente, hasta pareciera que es otra actriz con relación al primer montaje, bien por ella, por el teatro y, fundamentalmente, por el público.

 

         La escenografía de Gabriel Pascal es un espacio –un cuadrado- cubierto de arena y un sin número de pilas de libros empastados en color rojo y seis lámparas –de esas que se encuentran en cualquier sala de una casa-, un ambiente onírico para que los dos personajes den vuelo a su tormentosa relación, porque si bien ya se dijo que el amor es el sentimiento más sublime, cuando se desvirtúa puede ser lo peor que la pase a una persona. La música original, más allá de lo circunstancial, es creación de David Martínez.

 

         La temporada de Paisaje marino con tiburones y bailarina se lleva a cabo en el Foro Shakespeare, de la Ciudad de México, los viernes a las 20:30, sábados 19:00 y 21:00 y domingos a las 18:00 horas.

 

Enero 2013

 

TEATRO ILUSTRATIVO Y REFLEXIVO PARA LOS NIÑOS ENNADIE QUIERE SER MI AMIGO

 

Por: Alejandro Laborie Elías

 

Es difícil encontrar propuestas dirigidas a los infantes con calidad y sin caer de lleno en el género didáctico, por fortuna la compañía Astillero Teatro brinda una excelente oportunidad para gozar de una puesta ilustrativa, reflexiva y motivadora, intitulada Nadie quiere ser mi amigo, versión libre de Oswaldo Valdovinos del cuento Nadie es mi amigo, de Javier Malpica.

 

         La trama es muy sencilla: un pequeño niño, Malaquías, vive una gran soledad, voluntariamente se aísla del mundo exterior y se encierra en su recámara, todo esto como resultado del fallecimiento de su padre y su incomprensión del por qué le sucedió a él. Sin embargo, una noche aparece en su habitación un singular personaje, sin forma definida pero de grandes cualidades espirituales, Nadie, que anima la existencia de Malaquías y lo conduce poco a poco a la sanación de sus traumas y revertir las actitudes, en concreto reivindicarse con su madre, a quien ha insultado y agredido.

 

         Javier Malpica explica en el programa de mano que Nadie es mi amigo surgió del juego de palabras que resulta de transformar el pronombre indeterminado “nadie” en uno determinado. “De este modo la frase adquiere un doble significado: uno que permite ahondar en el tema de la soledad de los niños y el abandono involuntario que hacen muchos padres de sus hijos. De ahí surgió una historia sobre un pequeño que efectivamente no tiene amigos hasta que aparece ‘Nadie’ como una promesa de amistad real y fantástica”.

 

         Una bella anécdota, una odisea que conduce a los infantes por una vereda de esperanza, tanto en el prójimo como en sí mismos; una inteligente lección para los padres modernos quienes piensan que todos los problemas de sus hijos se resuelven con tratamiento psicológico, sin saber         que en la mayoría de las veces sólo se requiere de dar amor y tiempo de calidad.

 

         Esto último es fundamental, porque no es el típico texto dramatúrgico dirigido a los pequeños, en este caso el mensaje de fondo es directo a los padres, en concreto, teatro para niños que deseen que sus padres reflexionen y disfruten a través de las artes escénicas.

 

         Ahora bien, es una apreciación errónea, por cierto muy generalizada, considerar que los títeres son para los menores, cuando en ocasiones los aprecian más los adultos, un acierto que la compañía Astillero Teatro logra en forma indiscutible en este montaje.

 

         El director, Oswaldo Valdevinos, no emplea un teatrino como sería lo convencional, más bien se vale de una gran “mesa” forrada por el frente con la imagen de la fachada de la casa donde viven Malaquías y su madre, y en la parte superior una serie de objetos con una función más allá de lo ornamental, van cobrando vida, son parte importante en la transformación del carácter del personaje protagónico.

 

         Si todo lo anterior es importante, no menos es la participación de María Teresa Adalid Martí, Zohar Salgado, Itzel Casas y del propio Oswaldo Valdevinos, con sus excelentes manipulaciones, transforman a los muñecos inanimados en seres vivos, casi de carne y hueso; transmiten a los títeres, quienes a su vez hacen lo propio con los asistentes, emociones, situaciones, sentimientos y, reiterando, la reflexión a partir de la fantasía y la lógica de nuestros pequeños grandes niños y niñas.

 

         Nadie quiere ser mi amigopresentará una temporada en la sala Xavier Villaurrutia, del Centro Cultural del Bosque (atrás del Auditorio Nacional), de la Ciudad de México, hasta el 31 de marzo, los sábados y domingos a las 13:00 horas.

 

Enero 2013